Milos Morpha

Vigília Oscar 2012: The Fantastic Flying Books of Mister Morris Lessmore

2012-02-11T20:55:00.000-08:00

Desta vez vou deixar com vocês o papel da análise. Vi esta película acima (indicado ao oscar de curta de animação) e, embora completamente cativado pela estética, confesso não ter compreendido completamente a proposta. É o velho e bom "não entendi", desta vez para expressar minha falta de habilidade de pegar a relação entre os livros voadores que cumprem funções humanas e eletro-domésticas com o gosto pela leitura. Acho que talvez eu só ache que há formas mais eficientes de pregar o ato de ler. Enquanto escrevo esta mini-resenha percebo algumas discordâncias pessoais. Por exemplo, a biblioteca e os livros em geral parecem prendê-lo e limitá-lo através do conforto. Para mim é o contrário do que realmente faz a literatura. As palavras libertam e nos deixam inquietos. Quando lemos sempre ficamos mais ambiciosos, pois a escrita nos torna insatisfeitos com o que temos e com o que sabemos. Conforto está totalmente fora de cogitação, me faz pensar que os livros a rodear o protagonista eram todos vazios em seu propósito. Um bom livro não deveria lhe botar para dormir, deveria lhe deixar acordado. Não deveria lavar a louça pra você e sim desafiá-lo a quebrar cada prato. Boa literatura é também desconforto!

PS:. Era pra ser um texto de "não entendi, não tenho opinião", mas no processo criativo virou "entendi e discordo". A escrita fluiu desta forma, portanto não vi razão em revisar. Peço desculpas se ficou confuso.

Vigília Oscar 2012: Gato de Botas

2012-02-10T15:51:00.000-08:00

O primeiro Shrek foi um pequeno choque no mundo das animações. Uma nova empresa surgia com potencial de bater (em bilheteria e qualidade) o que antes era uma hegemonia da Fox e da Disney. A Dreamworks já havia lançado outro bom longa de animação, “AntZ”, mas este nem chegou perto de causar o impacto causado pelo simpático ogro. A partir daí a empresa só cresceu, muito de sua ascensão se deve as continuações da saga Shrek, que qualitativamente deixou muito a desejar do terceiro filme em diante.
Agora a Dreamworks lançou “Gato de Botas” que seguiu a mesma triste sina da franquia que o originou. O filme é sem graça, praticamente nenhuma piada funciona, imagino que talvez nem mesmo as crianças riam. O personagem, interessantissimamente misterioso em Shrek 2, aqui é revelado como repetitivo e entediante. Típico erro da indústria de animações de pegar o alívio cômico de seus filmes e fazer um filme centrado neles (como em “Carros 2”, “O Rei Leão 3” ou na série “Pinguins de Madagascar”). Os coadjuvantes são tão chatos quanto o protagonista, aparentemente nenhum roteirista da equipe sabia exatamente o que fazer com eles, que foram simplesmente jogados numa sucessão de situações óbvias.
Porém, nem tudo é lixo puro. A trama é interessante e a fantasia presente funciona muito bem. A ideia de misturar “Gato de Botas”, “Humpty Dumpty” e “João e o Pé de Feijão” é intrigante e bem executada. Por um momento, um ínfimo e pequenino momento, a mistura proposta pelo filme dá tão certo a ponto de lembrar até o clássico dos quadrinhos, “A Liga Extraordinária”, que une personalidades fictícias da Londres vitoriana.
É a ação, provavelmente, a responsável pelo sucesso do filme em público e bilheteria. O dedo de Del Toro (uma pena que nunca tenha repetido o feito de “Labirinto do Fauno”) é visto por todo canto e a voz de Galifianakis dá a Humpy Dumpty uma maior vivacidade que talvez o personagem nem mereça. Nada a dizer sobre a voz de Antonio Banderas ou Salma Hayek, é mais do mesmo, seja lá o que isso significa.
“Gato de Botas” é um mix de acertos e erros por parte de toda a produção. Não segue a linha “para crianças e adultos” que vêm surgindo nos últimos anos. É puramente infantil e não parece querer ir além disso.

Vigília Oscar 2012: Um Gato em Paris

2012-02-09T07:33:00.000-08:00

Dino é um gato com vida dupla. De manhã ele é o animal de estimação da filha de uma Superintendente da polícia francesa e de noite ele sai nas ruas de Paris para ajudar um homem extremamente habilidoso a roubar joias. Um dia sua pequena dona (que não fala desde a morte do pai pelo mafioso Vitor Costa), Zoe, decide segui-lo pela cidade das luzes e descobrir o segredo de seu bichinho. O resultado é uma perseguição estilo gato e rato da máfia atrás de Zoe, Dino e o ladrão de joias.
É uma animação bacana, mas cheia de problemas narrativos. Os personagens não têm nenhuma coerência. Suas personalidades e habilidades mudam o tempo inteiro e fica até difícil de acompanhar (mesmo tendo apenas 65 minutos de duração). O vilão que na primeira metade lembra muito o gordinho dos três patetas chega ao clímax com uma inacreditável habilidade de movimento, comparável ao próprio protagonista. As saídas da história são todas muito fáceis. A primeira palavra de Zoe, o final emotivo e as revelações são momentos de obviedade. O que funciona bem na história é a construção da ação. Lembra os bons episódios do Tom e Jerry (embora a qualidade do humor seja muito inferior).
Surpreendeu-me a indicação pro Oscar de um filme desses, que não tem absolutamente nada demais, em pró de Rio (animação com vários defeitos, mas que acerta nos mesmos pontos deste e além), por exemplo. Fiquei me perguntando se não teria sido alguma cota para estrangeiros ou coisa do tipo. Se a academia aumenta para cinco o número de indicados na categoria era de se esperar que fossem cinco merecedores de indicação, mas se duas vagas a mais são preenchidas por “Um Gato em Paris” e “O Gato de Botas” há certa sensação de desnecessidade.
Já para o público infantil o filme deve entreter bem, não é de todo o mal e sua opção por desenho-a-moda-antiga pode chamar alguma atenção pelo peculiar, embora não seja muito diferente do que já se faz em desenhos educativos como “Pinky Dinky Doo” da Discovery Kids. Para os pais dura apenas pouco mais de uma hora e aposto que eles já tiveram de aturar coisa muito pior na televisão da sala.

Um Gato em Paris recebeu 1 indicação ao Oscar: Melhor Animação

Vigília Oscar 2012: Rundskop

2012-02-08T11:23:00.000-08:00

Um filme belga que parece ser de máfia, mas não é. Um personagem que parece ser mais um machão idiota viciado em academia, mas não é. Uma categoria que parece estar definida, mas não está. Este é “Rundskop” (sem nome em português) um filme de várias facetas que é apontado como possível pedra no caminho da vitória de “A Separação” em melhor filme estrangeiro.
O longa começa com as típicas cenas de gangues em ação. Reuniões e ameaças típicas de Scorsese e outros mestres do gênero, até o ponto em que os dois protagonistas do filme se encontram. A partir deste momento o roteiro eleva a história de ambos (passado e presente) acima do enredo mafioso. São as motivações e a herança emocional de Jackie e Diederik que importam e não mais quem a polícia consegue pegar no final.
Jackie é interpretado por Matthias Schoenaerts, o ator recebe todos os closes com a experiência de câmera digna de bons veteranos, está em um corpo estranho (teve de ganhar bastante massa muscular para o papel) mas sabe exatamente como controla-lo. Diederik é interpretado pelo ótimo Jeroen Perceval. O possível antagonismo entre os dois personagens é o que carrega o filme adiante, assim como os mistérios de seus passados.
Há flashbacks, todos bem encaixados na trama e maravilhosamente executados. A pequena falta de coesão entre os atores mirins e os adultos não chega a atrapalhar o filme. Parecem ser dois personagens completamente diferentes, mas quem poderia afirmar o limite das consequências pessoais de tal trauma?
Outro bom momento é o confronto de Jackie com o passado através de Lucia (Jeanne Dandoy), paixão de infância que o protagonista persegue como uma tentativa de provar algo a si mesmo. O casal junto em tela proporciona grandes cenas, inclusive o tenso (ainda que no sentido leve da palavra) clímax.
Sobre a disputa do Oscar mencionada no início desta resenha vos digo: é risível. “Rundskop” tem suas várias qualidades, mas “A Separação” ainda é coisa de outro mundo. O que importa é que de nenhuma forma um filme diminui o outro. Quanto ao Oscar, este não tem poder de diminuir ninguém. Mesmo.

Rundskop recebeu 1 indicação ao Oscar: Melhor Filme Estrangeiro

Vigília Oscar 2012: A Separação

2012-02-07T13:38:00.000-08:00

Começo pedindo desculpas, pois não serei capaz de expressar em palavras todas as qualidades deste filme. Meus domínios de quem gana status de crítico de cinema ainda não cobre tão vasto vocabulário. Posso apenas dizer com minhas palavras que o filme é Maravilhoso, Surpreendente, Infinitamente Inteligente e, a palavra que melhor o define, Belo.

O longa iraniano conta-nos a história de um casal, Simin e Nader, que vão se separar pela divergência de opiniões que têm quanto ao futuro que os dois e a filha deverão seguir. Simin então vai morar com os pais e Nader contrata uma mulher para cuidar de seu pai, que sofre de Alzheimer. É aí que a espetacular Sarah Bayet entra em cena interpretando Razieh, mãe, grávida e extremamente religiosa, esconde a profissão do marido, homem de dívidas misteriosas.

A partir daí “A Separação” se torna um drama de primeira linha com leves elementos de filme policial. A dinâmica na tela é tamanha que lhe deixa a impressão de ter sido feito em uma só tomada. A forma como um fato desencadeia uma série de fatos é exposta aqui naturalmente e não como nos roteiros um tanto forçados de Iñárritu. Cada personagem tem um propósito no texto, e cada ator tem seu momento de brilho, até mesmo as filhas interpretadas por Kimia Hosseini e Sarina Farhad. Elas são as sementes dos dois lados da disputa judicial, que se torna também ideológica, o roteiro as segue de perto, suas expressões de medo e raiva com o que acontece em seu redor e com a impotência delas mesmo sendo o centro de tudo o que acontece.

Seria importante que o filme pudesse ser visto para também despir os preconceitos existentes contra islâmicos. Seus problemas são, afinal, os mesmos dos nossos. Suas dores, seus anseios, seus amores, seus nojos e também seus pudores. A religião e os costumes são chaves essenciais para a história, mas olhando de perto não somos lá muito diferentes sequer nisso.

Quando o filme acabou foi um tiquinho ruim. Uma parte de mim se tocou que talvez jamais veria outro trabalho daquele roteirista ou da maravilhosa Sarah Bayet, que soube usar seu espaço em cena e fez um verdadeiro espetáculo. Porém dessa vez uma indicação ao Oscar poderia ter ajudado. Maldita seja a academia que não teve a decência de ajudar a trazer um pouquinho mais pro ocidente esse esplendido talento coberto de burca.

A Separação recebeu 2 indicações ao Oscar: Melhor Filme Estrangeiro e Melhor Roteiro Original

Vigília Oscar 2012: Margin Call

2012-02-07T05:03:00.000-08:00

Eu nunca consegui entender perfeitamente a crise de 2008. Quero dizer, entendia o que ela significava, entendia suas consequências desastrosas, entendia sua intensidade e tinha uma ideia geral do motivo. Mas nunca entendi o porquê de tudo ter acontecido tão rápido. Várias obras cinematográficas desde então vêm tentando explicar o fenômeno, entre elas o demasiadamente romântico vencedor do Oscar de melhor documentário "Trabalho Interno". Inegável a eficiência do documentário, mas não foi capaz de humanizar seus pecadores da forma que fez Margin Call (até mesmo por uma questão de gênero). Como disse Renoir: "O terrível fato é que todos tem seus motivos."

O filme se passa em uma noite na qual se descobriram uma possível falência de uma determinada empresa de ações (o nome não é mencionado, mas tudo indica se tratar dos Lehman Brothers). Os esquemas e planos para se livrar de um destino ruim para a empresa puxam o resto do enredo, acompanhado de um roteiro coeso e coberto de verdades. Imagino a dificuldade de humanizar monstros tão recentes da história mundial, mas o longa o faz humildemente. É uma cachorrinha morrendo, é a mesada que eles dão pros pais, é um divórcio iminente. Este é o maior feito de "Margin Call", mostrar que os gigantes que ferraram a economia mundial são feitos de carne e osso.

Margin Call recebeu 1 indicação ao Oscar: Melhor Roteiro Original

Vigília Oscar 2012: Os Descendentes

2012-02-05T15:36:00.000-08:00

Matt King é um advogado viciado no trabalho, ao ponto de ter sido negligente com a esposa agora em coma, Elizabeth, e com suas duas filhas: Alexandra (mandada para um colégio interno por seu envolvimento precoce com garotos e drogas) e a extravagante Scottie de apenas 10 anos. Ao descobrir que a esposa pretendia deixá-lo por um amante ele viaja com suas filhas para procurá-lo. Esta é a história de "Os Descendentes", novo longa de Alexander Payne (do excelente "Eleição") e indicado nas principais categorias do Oscar.

O modo como o roteiro desenvolve esse forte drama familiar de morte e traição sem deixar de soltar leves momentos de humor é o que torna o filme único. O toque cômico aqui funciona e gera um confortável (no bom sentido da palavra) equilíbrio. Os personagens são interessantíssimos e o elenco a altura. É um absurdo a não-indicação de Shailene Woodley como coadjuvante. A jovem atriz constrói com Clooney uma bela relação pai e filha como poucas vezes vista no cinema. Em relação ao próprio, inclusive, vou contra a maré por ver em Matt King o momento menos canastrão de Clooney e também seu ponto alto na carreira. Pela primeira vez ele está em um personagem extremamente vulnerável e cheio de falhas humanas. Uma bela surpresa, como tudo no filme.

Os Descendentes recebeu 5 indicações ao Oscar: Melhor Filme, Ator (George Clooney), Roteiro Adaptado, Diretor (Alexander Payne) e Montagem

Vigília Oscar 2012: Guerreiro

2012-02-04T12:18:00.000-08:00

Quem diria que um gênero tão específico fosse virar fonte de tantos grandes e diversos filmes. "Rocky", "Touro Indomável", "O Lutador" e "O Vencedor" trazem sempre o que há de melhor em seus diretores e roteiristas. São todos filmaços partindo do mesmo principio (dramas pessoais de um lutador) e tendo resultados completamente diferentes e satisfatórios. São inclusive (com exceção de "Touro Indomável") belas histórias de superação, amor, família e auto preservação.

Em 2011 o gênero entregou mais um grande filme. "Guerreiro" conta a história de dois irmãos cuja mãe decide abandonar o pai alcoolatra e abusivo, Tommy parte com a mãe e Brendan decide ficar com o pai. Depois de quatorze anos Tommy volta para encarar o pai e todos os rancores de seu passado, no decorrer desse tempo sua mãe morreu e ele foi ao Iraque. Já Brendan construiu uma família e trabalha como professor de física, como o salário não dá pra pagar a hipoteca de seu casarão, ele participa eventualmente de competições de vale-tudo, escondido da esposa.

Fora alguns poucos defeitos como uma confusa noção de tempo e a tranformação da mania americana de se ter algo extravagante sem poder pagar por ela em drama pessoal, O'Connor dirige uma belíssima película. O roteiro e o elenco desenvolvem os personagens com maestria, as atuações de Hardy, Edgerton e Nolte tomam o filme e espalham verdade por ele. A história se constrói até o ponto máximo da luta entre os dois irmãos. A montagem do embate é perfeito e por que não dizer o mesmo das atuações? A previsibilidade geralmente presente no gênero (em toda a série Rocky) não está neste. Você nunca sabe o que está por vir na cena seguinte e a resposta quase sempre vem com um soco inusitado (em todos os sentidos). É um dramalhão pra agradar qualquer público.

Guerreiro recebeu 1 indicação ao Oscar: Melhor Ator Coadjuvante (Nick Nolte)

Vigília Oscar 2012: Cavalo de Guerra

2012-02-03T12:10:00.000-08:00

Sempre fui chorão vendo filmes, desde criança e isto não mudou muito quando cresci. Costumo me deixar levar por qualquer porcaria de "Coração de Dragão" a "... E se fosse Verdade". Pois eu não derramei por "Cavalo de Guerra", o novo filme do Spilberg, uma lágrima sequer.

Tedd Narracott é um pobre fazendeiro inglês que não consegue alterar sua expressão facial o filme inteiro. Ele compra o potro Joey em um leilão por um dinheiro que sequer tem só para implicar com o malvado Lyon, dono da fazenda de Tedd. Quando o fazendeiro chega em casa com Joey, ele o apresenta ao filho Albie, então é amor a primeira vista. Cavalo e garoto nunca, jamais, em nenhuma hipótese podem se separar novamente! A consequência seria um misto de "Romeu e Julieta" com "Forrest Gump". Mas lembrem-se: Tedd tá devendo a maior grana. Por isso, mesmo sabendo dos poderes mágicos de Joey e das pretensões de seu filho de levar o cavalo para o altar, ele vende o cavalo a um tenente britânico. Neste momento Albie faz um juramento digno de Scarlett O'Harra em "...E o Vento Levou" de que iria pra guerra apenas para reencontrar o seu amado garanhão. Enquanto isso Joey enfrenta os alemães, que (ponto para Spilberg) são bastante humanizados em cenas que os mostram fazendo a barba, tomando café da manhã e falando inglês o tempo todo. No correr da guerra Joey passa de mão em mão até, obviamente, voltar miraculosamente ao seu dono original depois de ouvir seu assobio a uma distância impressionante. Desnecessário dizer que eles foram felizes para sempre.

Desculpem-me pela cínica sinopse. "Cavalo de Guerra" tem sim seus grandes momentos. Há a já citada cena dos soldados alemães e outra belamente escrita e executada: dois soldados, um inglês e um alemão se juntam para salvar o cavalo, preso entre os arames, o diálogo entre os dois é tão efêmero, tão humano que lhe deixa abismado com a falta de sentido da guerra. Gostaria de poder dizer que tais cenas definem o filme, mas mentir é feio.

Se apenas eles tivessem focado nas crônicas do cavalo e não insistido nesta história ridícula de um menino que foi a guerra por um animal que possuiu durante alguns meses e nutria verdadeiras esperanças de encontrá-lo. Talvez neste caso o filme merecesse o conhecimento que recebeu. Já que queriam tanto mostrar o garoto apaixonado podiam pelo menos contratar alguém talentoso e não mais um desses que como ator é um ótimo modelo.

O longa ainda tem uma porrada de clichês técnicos como fechar um close a qualquer mínimo sinal de emoção na cena e emudecer o filme nos clímaces. Outro defeito chato é o uso da língua inglesa como idioma oficial do mundo todo. Era de se esperar que diretores da estirpe de Spilberg houvessem aprendido com os feitos poliglotas de Tarantino e Mel Gibson. Tudo isso faz de "Cavalo de Guerra" um melodrama que parece ter sido filmado em 1950.

Cavalo de Guerra recebeu 6 indicações ao Oscar: Melhor Filme, Trilha Sonora, Fotografia, Direção de Arte, Edição de Som e Mixagem de Som.

Vigília Oscar 2012: A Better Life

2012-02-02T19:52:00.000-08:00

Fatos são fatos: O Oscar é um prêmio da crítica americana. Provavelmente isto até o resume muito bem. Histórias de superação que parecem saídas de um livro de auto-ajuda costumam quase sempre levar a melhor por cima de obras inovadoras e corajosas. O Discurso do Rei contra A Rede Social. Rocky contra Network. Gandhi contra E.T. Crash contra qualquer outra coisa. Este tipo de favorecimento está espalhado por toda a cerimônia em prêmios de filantropia e toda a papagaiada típica dos heróis yankees. Afinal, o Oscar é um prêmio do "bem" quando deveria ser um prêmio de cinema.

Acho que é o mais próximo que consigo de explicar a aparição de Demian Bichir (A Better Life) entre os indicados de melhor ator quando se concorre com um inspirado Owen Wilson (Meia Noite em Paris), dois monstros estrangeiros como Peyman Maadi (A Separação) e Matthias Schoenaerts (Bullhead) e um Daniel Craig em ótima forma.

Bichir é um mexicano ilegal vivendo em Los Angeles com seu filho adolescente. Ele trabalha como jardineiro e para aumentar a eficiência de seu trabalho compra uma nova caminhonete, que então é roubada. A partir daí ele e o filho se unem para encontrar o automóvel e acabam se conectando. A alusão ao clássico "Ladrões de Bicicleta" chega a ser interessante, mas ao forçar esta comparação o longa sai perdendo feio. "A Better Life" traz um roteiro fraquíssimo cheio de saídas fáceis e diálogos lição de moral.

O trabalho de Bichir como ator é apenas competente, porém o que realmente importa para a academia é o seu papel de agente social representando a minoria imigrante americana. Antes fosse uma simples questão de cota para estrangeiros, tinhamos um iraniano e um romeno perfeitos para tal vaga, mas não é. Espero que os votantes tenham se contentado com a indicação apenas, ninguém precisa de outro caso Sandra Bullock.

A Better Life recebeu 1 indicação ao Oscar: Melhor Ator (Demian Bichir)

Vigília Oscar 2012: Harry Potter e as Relíquias da Morte - parte 2

2012-02-01T15:52:00.000-08:00

Em 2001, eu com oito anos, fui ao São Luis, em Recife, com meus pais para assistir um filme. Por ser um destes cinemas antigos e pelo horário já avançado optamos por começar a ver do fim para vermos o resto na seção seguinte. Aconteceu o inesperado: entrei em pânico com as cenas finais. Começado os créditos eu chorei implorando para voltar para casa, não queria ver aquele filme. Por insistência de meus pais vi mais um pedaço do início, cismei de novo com alguma cena aleatória e então, para meu alívio, fomos embora. Este foi meu primeiro contato com a saga Harry Potter.

Pouco tempo depois ganhei o primeiro livro de meu padrinho como presente de natal. Lembro de estar na casa da minha avó ao abrir pela primeira vez o tesouro, ignorante de que aquele momento mudaria minha vida para sempre. A partir de então me apaixonei por Harry Potter, ou melhor, me apaixonei por leitura. Era fascinante como um livro sem figuras lhe estimulava a criar cenários e personagens, havia uma sensação de liberdade, se eu podia ler algo tão extenso eu podia fazer qualquer coisa.

Acontece que a obra de J.K. Rowling fez mais por mim que apenas estimular a leitura. Ela me ensinou valores da vida. Lições sobre amor, amizade e até mesmo sobre a natureza da morte. E não parou com "A Pedra Filosofal". O segundo livro enfrentou comigo o primeiro dia de aula na escola nova. O terceiro foi tomado pela professora. O quarto foi lido num final de semana no qual meus colegas viajaram com o colégio e eu não pude acompanhá-los por falta de dinheiro. O quinto me resgatou da chatice de um almoço da família na praia de Tamandaré. O sexto foi o primeiro livro que li em inglês e ao terminar o sétimo eu completava uma fase do meu crescimento. Estava pronto pra entrar no ensino médio.

Em Julho de 2011, dez anos depois dos fatos relatados no início deste texto, fui novamente ao cinema para assistir ao último capítulo da saga que definiu uma geração. Desta vez não fui no antigo Cinema São Luis, fui num cinema de Shopping, seção em 3D de meia noite, mas não tinha problemas em voltar tarde para casa, fui com meus amigos, não com meus pais e estava prestes a entrar na faculdade. Os tempos mudaram, eu mudei e Harry Potter mudou. O personagem cresceu e amadureceu comigo. Neste último filme não havia mais inocência da descoberta de um mundo novo e sim a visão dele sendo destruído sob seu olhar. E David Yates soube trazer magistralmente uma geração inteira para a tela do cinema.

Em duas horas de projeção se encerra a saga de um garoto que aos 11 anos descobre ser um bruxo e é enviado para a escola de magia e bruxaria de Hogwarts. O jovem Potter, porém, não é um bruxinho comum, ele foi responsável pela queda do maior mago da trevas de todos os tempos ainda quando bebê. O porquê é revelado já no primeiro, sua mãe morreu para que ele vivesse, este elo de amor é tão forte que deixa Harry intocável. Mas esta proteção mágica não dura para sempre e Lord Voldemort pretende voltar a sua busca por poder.

Sete anos depois o mundo bruxo está entregue as garras de Voldemort. Harry é tido como inimigo do estado e a única forma de contornar isto é destruindo as horcruxes, recepientes que guardam pedaços da alma do vilão. A batalha final é em Hogwarts, tudo termina onde tudo começou, e é um gran finale com uma direção cheia de tributo aos fãs, roteiro certeiro, bela fotografia e atuações dedicadas, parece que todos fizeram sua parte para dar ao público o que eles merecem.

É então no clímax do longa que surge uma frase para definir a série: "Você tem os olhos de sua mãe." E PAM! Caiu a ficha. O que é Harry Potter senão uma saga maternal? A frase foi repetida várias vezes ao longo dos 8 filmes apenas para entregar seu efeito chave no momento final. Harry é idêntico ao pai, exceto os olhos, os olhos são de sua mãe. Aqui, como no poema, os olhos verdes de Harry são espelhos d'alma, ele tem a visão e a sensibilidade da mãe, com alguns detalhes do pai. E isso foi tão bem construído ao longo dos filmes que a cena das lembranças de Snape e a do reencontro com o espectro daqueles que partiram não parece desconexo. Foram estes os momentos que precederam a decisão de Harry de enfrentar a morte.

A morte. Uma das mais importantes personagens de toda a obra. Ela tomou seus pais, tomou Sirius, tomou Dumbledore, tomou alguns de seus amigos e constantemente tentava lhe tomar. O único modo de vencê-la é enfrentando-a. Como no conto do Beedle o Bardo, a morte não é a verdadeira inimiga, é apenas uma grande e misteriosa aventura. "Não tenha pena dos mortos Harry, tenha pena dos vivos e acima de tudo daqueles que vivem sem amor." O próprio nome Voldemorte significa "fuga da morte", sua relutância em aceitá-la está sempre aparente, seja tomando o sangue de unicórnio ("lhe deixa viver, mas uma vida amaldiçoada") ou criando horcruxes ("não há nada tão horrível quanto dividir a alma"). Quando seu maior inimigo a enfrenta e vence, Voldemort perde qualquer chance de vitória, e este é o desfecho final.

Logo antes do fim Yates entrega pequenos detalhes para aquecer o coração de fãs desolados. Um sapo de chocolate que pula para dentro do trem (e não para fora como no primeiro filme) e uma última tomada na qual trilha e fotografia se unem num reconfortante fator nostalgia. Ao rolar dos créditos eu estava estático. Lembrei das amizades que construí através da saga de Rowling e lembrei de um momento enquanto assistia "A Ordem da Fênix" no cinema em que Neville fala da tortura a qual sua família foi submetida, segurei na hora a mão do meu pai, preso político durante a ditadura, que se desmanchou em lágrimas imediatamente. Foi isto que Harry Potter me deixou: uma herança de momentos mágicos.

Harry Potter e as Relíquias da Morte - parte 2 recebeu 3 indicações ao Oscar: Efeitos Visuais, Maquiagem e Direção de Arte

Vigília Oscar 2012: Jane Eyre

2012-02-01T06:36:00.000-08:00

"Jane Eyre" é uma adaptação do livro homônimo de Charlotte Brontë. O filme segue a linha das outras adaptações de romances ingleses escrito por mulheres tais como "O Morro dos Ventos Uivantes" (Emily Brontë), "Orgulho e Preconceito", "Emma" e "Razão e Sensibilidade" (Jane Austen). Todos os citados têm o mesmo estilo narrativo e enchem os olhos da mesma forma com a qualidade técnica (figurino, direção de arte e fotografia impecáveis). A diferenciação geralmente está no elenco, e neste ponto "Jane Eyre" está muito bem servido. Mia Wasikowska, que já tinha destilado seu talento como a jovem Sophie da série "Em Terapia", interpreta-a maravilhosamente, sua Eyre tem um tom sério e decidido, ainda que cheio de medo como consequência de seu passado tenebroso. Michael Fassbender, Jamie Bell e Judi Dench cumprem bem seu papel mas lutam para não serem minimizados diante de uma ofuscante Wasikowska.

Porém, tenho com o filme um problema de gênero cinematográfico, considero-o (assim como o resto da prole) chato. E não há outra palavra que tão bem expresse. Entendam, sou fã de Jane Austen, tenho "Razão e Sensibilidade" como livro de cabeceira, acho o desenvolvimento de personagens dela de um patamar raramente alcançado por escritores, mas não acho que ela e suas amigas funcionem para o cinema, ainda mais para o cinema moderno. Há quem goste, só não é para mim.

Jane Eyre recebeu 1 indicação ao Oscar: Melhor Figurino

Vigília Oscar 2012: Planeta dos Macacos - A Origem

2012-01-31T10:45:00.000-08:00

É muito bacana a sensação de estar dentro do cinema e sentir história sendo feita. Foi justamento o que aconteceu comigo enquanto me maravilhava com a perfeição técnica de "A Origem do Planeta dos Macacos" o prequel (antecessor cronológico) da saga de Charlton Heston.

O protagonista é Caesar, macaco adotado por Will (James Franco) que tem o QI avançado devido ao medicamento ministrado por seu pai adotivo. A palavra protagonista é usado no seu sentido mais correto. A tecnologia usada no longa dá tão certo que temos um macaco (Andy Serkins) atuando com expressões assustadoramente humanas. Serkins, que tem longa experiência com essa espécie de cyber atuação, interpretou o Gollum de Senhor dos Anéis e o King Kong do filme homônimo de 2005, infelizmente foi mais uma vez esnobado pela academia. Uma lástima, pois são também suas expressões que tornam Caesar verdadeiro, não lhe dá a oportunidade de duvidar daquilo.

No mais, o diretor entrega um excelente filme pipoca, todos os elementos estão presentes: ação, tensão, medo e ainda uma grande simpatia pelo personagem, torcer por ele é inevitável. Sim, torcer por um macaco. Mas atenção, você pode ter com ele muito mais em comum que apenas os polegares opositores.

Planeta dos Macacos - A Origem recebeu 1 indicação ao Oscar: Melhor Efeitos Visuais

Vigília Oscar 2012: Rio

2012-01-30T12:36:00.000-08:00

Rio é a mais nova animação do brasileiro Carlos Saldanha, responsável pelos dois últimos filmes da triologia "A Era do Gelo". Além de ser seu maior sucesso comercial, é também seu trabalho melhor executado. A técnica funciona e o roteiro é entreternimento puro.
Um cenário carioca aqui é belo, exótico e pitoresco como é próprio para um filme infantil. Na história Blue é uma arara azul criada no norte dos Estados Unidos. Com sua espécie em extinção, um pesquisador brasileiro vai atrás de sua dona para poder levar Blue até o Rio de Janeiro, onde então poderá acasalar com uma arara azul fêmea.
O longa cumpre a proposta: para se ver com a família. É divertido, as imagens são belas e as músicas empolgantes. Não é a toa que ganhou o que ganhou nas bilheterias. Uma pena que tanto estardalhaço se faça de Santoro e tão pouco de Saldanha, que nos representa tão bem.

Rio recebeu 1 indicação ao Oscar: Melhor Música

Vigília Oscar 2012: Kung Fu Panda 2

2012-01-29T10:33:00.000-08:00

É satisfatório perceber que o mundo das animações desistiu da ambição que surgiu lá pela metade dos anos 2000 de fazer a melhor animação de todos os tempos. Ratatouille, Wall-e e Up flertavam com o ideal de uma animação completamente matura que crianças curtissem e que os adultos refletissem. Nada contra essas obras, muito pelo contrário, Up, por exemplo, alcançou patamares de qualidade inéditos até mesmo pra uma empresa antiga no ramo como a Disney. Mas desde Toy Story 3 a empresa deixou claro que não precisavam mais disso e que a despretensão lhes caía muito bem. Na Dreamworks o filme dos olhos foi o fabuloso "Como Treinar Seu Dragão" e o seu retorno a confortável zona do pipocão foi "Kung Fu Panda 2".

É isso que ocorre. O filme herda a maturidade ganha pelos seus animadores nos últimos anos e ainda assim não quer forçar as lágrimas pra fora de seus olhos a todo momento. Mas não é que consegue mesmo sem tentar? A trama emocional que envolve a adoção do protagonista é adicionada sem naturalmente ao longa. Não forçou a barra, não teve um foco desnecessário, simplesmente caiu bem. No decorrer da animação o fenômeno se repete. Uma sucessão de piadas, cenas e lições que funcionam. E isto basta.

O progresso feito pela Dreamworks é claro se em comparação ao antecessor, lançado em 2008. O filme diverte e toca. Garantindo uma hora e meia de várias boas risadas, Kung Fu Panda 2 é show de bola.

Kung Fu Panda 2 recebeu uma indicação ao Oscar: Melhor Animação

Vigília Oscar 2012: Tudo Pelo Poder

2012-01-29T06:27:00.000-08:00

Não vou resistir em comparar a coragem do cinema e da televisão americana com a covardia desses meios no Brasil. Neste mês a Rede Globo lançou a minissérie "O Brado Retumbante", uma pretensa crítica a Brasília atual que mais parece uma piada da direita. Apesar da produção global ser clara em relação a suas posições, ela mantem a antiga política da emissora de não citar partido ou lado (direita e/ou esquerda). Não sei o que é pior, ter uma mídia que não se assume, ou a necessidade de que ela não se assuma pelo poder de influência na população que ela detem.

Pois George Clooney dirigiu e estrelou um filme cuja intensão lembra a minissérie em certo sentido. Mostrar que a política é podre é simplesmente atestar o óbvio, mas é na forma como se mostra que diferencia Clooney da família Marinho. E ele não tem receios em citar partido. Melhor, a história foca nas esperanças e decepções em torno dos democratas, ao qual o astro defende em entrevistas sempre que pode.

O longa remete em seu título original (The Ides of March ou As Conspirações de Março) ao assassinato de Julio Cesar na Roma Antiga como também à época na qual as eleições primarias americanas (cenário deste filme) pegam fogo. Stephen Meyers (Ryan Gosling) é o chefe da campanha de Mike Morris (Clooney), pré candidato a presidência dos Estados Unidos. Apesar de Meyers ter uma carreira longa o bastante para estar familiarizado com o jogo político, ele acredita verdadeiramente em Morris como a melhor opção para o cargo. Até descobrir acidentalmente algumas roupas sujas do governador. A trama então sofre uma boa reviravolta e se desenrola até o confronto entre os dois personagens no qual o protagonista solta a máxima que define o filme e todos os anos de política norte americana: "Você pode mentir, você pode trapacear, você pode começar uma guerra, você pode mergulhar o país em uma crise econômica, mas você não pode transar com a estagiária. Eles vão te pegar por isso."

Tudo Pelo Poder tem uma lista de qualidades, quase todas passam pela direção firme de Clooney. O seu futuro como diretor se mostrou promissor desde "Boa Noite, Boa Sorte" e além. Seu elenco (todo excelente) parece sempre saber suas funções nas cenas. Engraçado como o modo do diretor de dirigir seus atores pode ser avaliado sempre pelo nível da atuação de Evan Rachel Wood. Clooney parece sempre saber o lugar certo para colocar a câmera, isto as vezes incomoda, deixa uma falta de unidade para a fotografia do filme.

No fim, um longa que merece aplausos. Dos mais fortes e mais corajosos de 2011.

Tudo pelo Poder recebeu uma indicação ao Oscar: Melhor Roteiro Adaptado

Vigília Oscar 2012: Missão Madrinha de Casamento

2012-01-28T07:53:00.000-08:00

Não é difícil de se reconhecer na história do cinema os pontos altos da comédia. Chaplin, Irmãos Marx, Billy Wilder, Beatles, Monty Phyton e o politicamente incorreto Sacha Baron Cohen. Todos homens ou grupos de homens com uma rara presença feminina como Marilyn Monroe e a hilária Jaime Lee Curtis. Apenas nos anos 90 dois programas de TV mudaram este cenário machista. Primeiro, o sucesso comercial de Sex and the City, uma série protagonizada apenas por mulheres. O mais importante, porém, foi um programa de auditório semanal chamado Saturday Night Live. O programa existe ainda hoje e se divide em esquetes humorísticos para satirizar a política e a sociedade americana. O seu produtor, Lorne Michaels, fazia questão de que a equipe do programa não tivesse uma divisão pré concebida de homens e mulheres, entraria quem fosse engraçado. Dele surgiu um verdadeiro desfile de humor feminino com Tina Fey, Amy Poehler, Rachel Dratch e a protagonista e roteirista de Missão Madrinha de Casamento: Kristen Wiig.

E o filme pertence inteiramente a ela, que em nenhum momento decepciona. É uma comédia inteligente, de assimilação fácil, elenco afiado e, o mais importante, extremamente engraçada. É surpreendente como eles conseguiram construir um roteiro que tranforma uma já batida piada escatológica numa cena hilária. Ponto pro roteiro, ponto pro oscar por indicá-lo, ponto pra Wiig e todas as suas colegas de elenco, ponto pro público americano que soube acolher calorosamente este filme nas bilheterias e ponto pra Judd Apatow por mais um bom longa no currículo. Há muito tempo o cinema não tem um filme como esse. A visão feminina do casamento não se repete aqui da forma que se repete em todas as outras comédias-românticas. A personagem principal, embora adorável, é cínica, mesquinha e invejosa. E por isso também verdadeira. O público se identifica, compreende e fica na torcida por ela durante toda a projeção. Por tudo isso eu digo aos que ainda não perceberam: mulheres tem senso de humor sim e a prova está aí em um dos melhores filmes do ano.

Missão Madrinha de Casamento recebeu 2 indicações ao Oscar: Melhor Atriz Coadjuvante (Melissa McCarthy) e Melhor Roteiro Original

Vigília Oscar 2012: Toda Forma de Amor

2012-01-26T23:40:00.000-08:00

Toda Forma de Amor é realmente aquilo que implica o seu título original: um filme sobre iniciantes (Beginners). Nele nós acompanhamos três momentos da vida de Olive (Ewan McGregor) que se misturam no curto tempo de projeção. Sua infância ao lado da frígida mãe, sua relação com pai, Hal (Christopher Plummer), quando este aos 70 anos assume ser gay e seu caso amoroso com a atriz Anna (Melaine Laurant) logo após a morte do pai. São três núcleos que misturados desenvolvem o protagonista da infância a idade adulta num conto sobre recomeço.

O resultado é um filme bastante delicado no melhor sentido. A dor do luto de Olive está presente em todos os momentos, até mesmo nas memórias. O modo como ele desenvolve a relação com o pai e com Anna estão sutilmente ligados. O auge da trama é quando após a já anunciada morte de Hal a tela se enche em cores que mudam de acordo com a narração de Olive. Vida. Cura. Luz. Natureza. Harmonia. Espírito. Sexo. Arte. São todos elementos presentes no filme, e com a passagem das cores você sente cada uma dessas palavras.

Para o alcance de tais emoções o trabalho do elenco foi primordial. McGregor em um dos melhores papéis de sua longa carreira. Laurant entrega a personagem em cada sorriso. E o que dizer de Plummer? Tão delicado, tão sofisticado, tão tocante e ainda tão cômico. Toda Forma de Amor é um belo filme de lindas lições, gostaria que se produzisse pelo menos um desses por ano.

Toda Forma de Amor recebeu 1 indicação ao Oscar: Melhor Ator Coadjuvante (Christopher Plummer)

Vigília Oscar 2012: Os Homens que Não Amavam As Mulheres

2012-01-26T12:33:00.000-08:00

Abdico aqui de toda a minha credibilidade ao me declarar como fã absoluto da obra de Stieg Larsson. Não satisfeito ainda acrescento: Ficher não fez um filme que eu não gostasse, nem mesmo Quarto do Pânico. Já tivemos várias provas do seu talento em direção, sendo a mais recente o maginífico A Rede Social. Portanto, como uma tentativa de criar certo equilíbrio, vou começar falando dos defeitos desta união, antes de vomitar todos os elogios.

A versão de Fincher foi menos do que poderia ter sido. Foi próxima demais do livro, consequentemente próxima demais da versão sueca. Como se fosse um remake melhorado e não uma readaptação, como era pretendido. Por várias vezes o filme cria um problema de foco narrativo, a história se divide demais ao ponto de o estupro e a vingança de Lisbeth parecerem um fato isolado mais que uma importantíssima chave para construir a personagem dentro do filme. Já quanto a mudança do final, apesar de se encaixar melhor no cinema, é pouco crível. Fincher não é Larsson, ele não teve a capacidade do autor de criar outra saída sem deixar mil buracos na trama.

A coisa é que lá dentro do cinema nada disso incomoda, os defeitos vieram depois junto com o fim do estado de hipnose que o filme me deixou. Não tive um momento sem tensão mesmo já sabendo o que acontece de có e salteado. E isto é crédito de Fincher, assim também como de Daniel Craig e Rooney Mara. A dupla tem uma química que deixam ambos personagens bastante interessantes. Pois com a Lisbeth Salander de Mara surge um novo símbolo feminino no cinema.

Alias, é Salander o ponto alto do longa. Fincher soube manter a pesada crítica social de Larsson quanto a marginalização da mulher e do diferente. Traz questões importantíssimas a serem discutidas e redescutidas. Para tanto ainda há o resto da trilogia para ser adaptada, em breve teremos The Girl Who Played With Fire que mergulha mais profundamente na personagem de Mara. Aí sim, Meryl Streep poderá interpretar de Cleopatra a Oprah Winfrey que o carequinha já terá uma dona.

Os Homens que não Amavam as Mulheres recebeu 5 indicações ao Oscar: Atriz (Rooney Mara), Fotografia, Montagem, Melhor Edição de Som, Melhor Mixagem de Som

Vigília Oscar 2012: Meia-noite em Paris

2012-01-25T21:45:00.000-08:00

Gil (Owen Wilson) é um roteirista de Hollywood que planeja se mudar pra Paris e usar a cidade de inspiração para o seu próximo filme. Porém Inez, sua esposa, não gosta da idéia e o mantêm ocupado com passeios pela cidade com um pedante amigo do casal. Mas o que parece ser uma viagem normal traz um detalhe rotineiro extraordinário: toda meia noite o nosso protagonista é transportado direto a década de 20 e mantêm conversas e amizades com a elite artística do século passado.

E é simplesmente doce viajar com Gil ao que ele considera como sendo a idade de ouro, conversar com Hemingway, Fitzgerald, Picasso, Brunnel, Porter etc, etc, etc. É uma delícia percorrer os relacionamentos entre estes ilustres, as brigas, os dramas, os ciúmes e o sexo. O roteiro de Allen não se limita ao passado, as cenas do cotidiano presente lhe estimula a refletir sobre tudo aquilo que você aprendeu na noite passada com Salvador Dali e seus colegas surrealistas.

O longa é uma fábula com belo cenário, eventos fabulosos e uma excelente lição de moral: Muitos acham que a época anterior é superior a sua e ignoram aquilo que acontece no momento em que você vive. É o fator nostalgia. É o complexo de Gil, que vai a década de XX, é o de Adriana, que vai a Belle Époque e é o de Toulouse-Lautrec. No fim estão todos a procura de uma Era de Ouro que no fim das contas é o agora mesmo.

Owen Wilson fez o papel que em outras épocas seria do próprio Allen, e o fez muito bem. Ele e todo o resto do elenco parecem estar se divertindo muito em seus papéis. E porque não estariam? Interpretar T.S. Elliot e Cia é um sonho de carreira, e fazer isso numa comédia? Tirar sarro do próprio personagem. Além do que fazer de cada aparição uma gostosa surpresa. Como deve ser bom ser dirigido por Woody Allen.

E o filme é isso: gostoso, divertido e doce. Para se ver numa manhã de domingo e lhe deixar no rosto um sorriso que dura a semana inteira e para se deleitar com cada segundo de inusitado passado. O fato é que se filmado daqui a um século nós já sabemos quem, merecidamente, ocuparia um lugar entre ilustres do nosso presente. O velho, novo e eterno Allen.

Meia-noite em Paris recebeu 4 indicações ao Oscar: Melhor Filme, Roteiro Original, Diretor e Direção de Arte.

Vigília Oscar 2012: Árvore da Vida

2012-01-25T11:59:00.000-08:00

Sobre a vigília: Dia 26 de fevereiro teremos mais uma edição do prêmio de maior prestígio da crítica americana. Mesmo tendo algumas várias ressalvas quanto as indicações, pretendo fazer nesse blog uma vigília de (vou tentar) duas resenhas por dia de todos os filmes que figuram esta edição do Oscar. Assim, quase todos, não terá resenhas de Transformers 3, Gigantes de Ferro e W.E. (mais conhecido como o filme da Madonna), ainda não sou pago pra escrever, portanto não sou também obrigado a assistir tais porcarias.

Estou cada vez mais convencido: O olhar de Deus passa pelas câmeras de Terrence Malick. É uma teoria a ser considerada desde que vi “Além da Linha Vermelha” e se confirma depois de uma seção de “Árvore da Vida” no cinema. Esta sim, Maurício Saldanha, é uma verdadeira experiência cinematográfica. Pra começar pela grandiosidade do tema: a origem e o sentido da vida no planeta Terra. Com longas passagens que percorrem momentos como o Big Bang, a origem dos microorganismos e os dinossauros até chegar ao foco maior do filme, a família.

Neste momento Macro e Micro se confundem. O que é maior e menor sob os olhos divinos? O quão pesa a natureza? O quão pesa o homem? Qual a relevância para o universo do nascimento de um filho? De uma semente de árvore plantada? Responde Malick através de sua lente: Toda. É a grandeza de todas as pequenas coisas da vida e um estudo de sentimentos como amor, medo e dor.

Como? Através dos sentidos. Malick e Emmanuel Lubezki (o brilhante cinegrafista) vão além do audiovisual ao fazer você apalpar o luto e mergulhar no filme de boca e nariz. Repito, é a visão de Deus do nosso planeta, nela o passado, presente e futuro se misturam. Misturam-se os ângulos. Misturam-se os personagens. Misturam-se as dimensões. Aqui o trabalho importantíssimo do ator parece menor diante da visão universal de quem está na poltrona, engano, o elenco é chave para construir a grandiosa pequeninice do ser humano. E assim o faz muito bem, tanto Pitt e Chastain quanto o elenco infantil parecem viver cada expressão em seus rostos.

Ontem o longa recebeu 3 indicações ao Oscar. Pouco importa, pois diante da obra o prêmio se torna impotente. Não é Malick que precisa ser premiado, é a crítica americana que precisa de um Malick para premiar.

Árvore da Vida recebeu 3 indicações ao Oscar. Nas categorias de Melhor Filme, Melhor Diretor (Terrence Malick) e Melhor Fotografia (Emmanuel Lubezki)

Another Year

2011-11-21T10:32:00.000-08:00

Primeiramente, eu peço desculpas. Sei que meu texto será atrapalhado, atropelado e entusiasmado para além do que deveria ser uma resenha crítica. Acabei de ver o filme e pra esse tipo de filme é necessário tempo e reflexão até que se escreva sobre ele. Mas me conheço, sei que se não escrever agora, no calor do momento, termino não escrevendo é nunca.

Pra começar, Another Year é um filme de Mike Leigh (Segredos e Mentiras, Simplesmente Feliz), diretor espetacular que como muitos outros tem talento de mais e reconhecimento de menos. O longa traz como casal de protagonistas Tom (Jim Broadment) e Gerri (Ruth Sheen), sua relação com os familiares e com a insegura colega de trabalho de Gerri, Mary (Leslei Manville). O filme se passa durante o ano e divide seus atos de acordo com as estações do ano.

Assim como de costume nos filmes de Leigh, ele traz o cotidiano para as telas com um poderoso roteiro. Sabe resgatar do dia a dia de pessoas comuns histórias e sentimentos fascinantes. A identificação e a conexão que ele cria em seus personagens com o público são agonizantes. Pois ninguém quer se identificar com seus personagens, nisso Leigh é cruel e impiedoso, não poupa uma única pessoa no cinema de encarar suas próprias neuroses, solidões e inseguranças.

Quanto ao elenco, como sempre em seus filmes, se mostram talentosos e frutos de uma direção firme e confiante. Ruth Sheen e Lesley Manville dão um tom forte de veracidade a suas personagens, o trabalho da segunda junto com Leigh é notável, sua atuação é extremamente equilibrada, onde outras atrizes puxariam para a caricatura ela puxa para um profundo pefil psicológico cheio de nuances não tão simples quanto um berro ou um choro.

Fica para quem aqui ler uma recomendação que conheçam este diretor e o lamento de que prêmios como o oscar insistam em ignorá-los em prol dos queridinhos do público como 127 horas e A Origem. Pois Another Year foi certamente um dos maiores filmes do ano passado.

Carros 2: Impressões Gerais

2011-11-18T09:27:00.000-08:00

Quando em 2006 começaram a divulgar o primeiro Carros da Pixar confesso que tive preconceitos. Nunca fui desses meninos que quando criança era obcecado por carros, adrenalina e velocidade. E era justamente nesse sentimento que se apoiava a campanha publicitária do filme, com toda razão no que diz respeito ao trabalho de vender o filme para crianças e ainda condizente com a história do longa (um carro de corrida que se perde às vésperas da final de um campeonato decisivo). Quando, depois de um tempo, desci do salto e vi o filme em DVD me surpreendi positivamente, o filme não é dos melhores da pixar mas é simples e bonito, um bom passatempo de domingo.

Essa semana então me dispus a assistir “Carros 2” apesar das péssimas críticas (menos de 40% no Rotten Tomatoes), confesso a falta de profissionalismo de ter visto apenas uma hora. E aqui estão minhas impressões gerais sobre o filme com base nesta (longa) hora:

O filme é ruim, não há como usar outros eufemismos, péssimo para o padrão Pixar e regular para o padrão normal. A metáfora que no primeiro justificava um bocado de meios de transporte falantes (a cidade abandonada e um comércio em crise pelo mal cuidado com uma estrada) já não existe mais, esta é substituída por uma infinda chatíssima temática ambiental enfiada de qualquer jeito na história. Os “carros” fazem cada vez menos sentido quando um espião britânico confunde o Mate (catarse cômica do primeiro filme) com um de seus companheiros agentes secretos. Ok, é um filme de espionagem estrelado por carros, barcos e aviões falantes. Sim, tem as corridas, que pelo menos até a primeira hora de filme não se manifestam como de real importância. Tudo isto só torna o enredo uma grande bagunça e as piadas, o melhor meio de encaixar automóveis na trama, não proporcionam sequer um sorriso de canto de boca.

Por meu amor à Pixar, gostaria de encerrar com um porém mas será com um ainda mais. Tecnicamente o filme é muito fraco, a dublagem original fica muito abaixo da dublagem nacional do primeiro filme e por muitas vezes você tem a impressão de estar vendo aqueles desenhos computadorizados bizarros que a Discovery Kids exibe para crianças de até um ano. Enfim, resta apenas um grande lamento.

Resenha Nevermind 20 anos

2011-09-28T19:44:00.000-07:00

(Já que o blog está às moscas, aproveito pra postar aqui um texto que me foi solicitado para um trabalho de faculdade)

Em 24 de setembro de 1991, a banda americana Nirvana lançava o seu segundo disco. O Nevermind, como o álbum foi chamado, é até hoje tido como um dos maiores discos de rock de todos os tempos, e responsável pelo que muitos dizem ser a última grande revolução do rock. Falar do Nevermind, chega a ser redundante, e é impossível negar a influência que esse grande disco tem até hoje, não só na música, mas no estilo de vida de toda uma geração, e que mudou o mercado musical pra sempre.

Produzido por Butch Vig, esse foi o primeiro disco que a banda gravou com o baterista Dave Grohl. Suas letras, todas elas obras do guitarrista, cantor, e líder da banda, Kurt Cobain, eram violentas, radicais, e falavam de temas obscuros como paranóia, e sobre apatia da sua própria geração. Como diria o próprio Cobain, era sobre "Ser de classe média, casar jovem, ter filhos, assistir TV toda noite - e detestar tudo isso".

O disco começa com Smells Like Teen Spirit, o grande hit do disco e da banda, com seu riff simples de guitarra, e o vocal solitário de Kurt acompanhado pelo baixo de Krist Novoselic. A música segue crescendo até o refrão, quando explode, e Cobain grita toda a sua revolta, e expurga todos os seus sentimentos contra a futilidade de uma geração alienada. E então segue, passando pela bateria furiosa da Grohl em In Bloom, o punk de Breed e Territorial Pissings, e até as faixas mais tranqüilas como Polly e Something in the Way, essa última que falava dos tempos difíceis que Kurt viveu debaixo da ponte. Mas a grande sacada do álbum é a capacidade que Cobain tem de misturar o som de bandas alternativas como Sonic Youth e Pixies com um toque pop, criando músicas que são autênticas e poderosas e que tem refrões que grudam.

Sacada essa que fez com que o Nevermind vendesse mais de 30 milhões de cópias, e que músicas como Smells Like Teen Spirit chegassem ao topo das paradas, desbancando artistas como Michael Jackson e Guns N’ Roses. E mais do que isso, o Nirvana provou com seu Nevermind, que uma banda “alternativa” podia chegar ao mainstream (termo inglês que designa o pensamento ou gosto corrente da maioria da população), e revolucionou não só o rock, que estava cansado das bandas de “metal farofa” dos anos 80, com seus cabelos enormes e cheios de maquiagem, mas sim toda a indústria musical, que começou a ir atrás de bandas independentes, que agora tinham um espaço garantido nesse meio. Também abriu portas para o sucesso de bandas como Pearl Jam e Soundgarden. E colocou Kurt Cobain como um porta-voz dessa geração, título esse que ele detestava, e que gerou uma série de eventos que culminaram com seu suicídio em 1994.

20 anos depois, o Nevermind, o Nirvana, e seu líder se tornaram lenda. Hoje em dia, principalmente com advento da internet, a música independente ganhou muito mais espaço. Mas não há dúvidas, que, mesmo não tendo sido a primeira, talvez nem a mais importante banda alternativa, sem o Nirvana, a música de hoje em dia não seria a mesma. E tudo graças àquele disco de 1991.

Harry Potter e a Ordem da Fênix

2011-07-13T18:25:00.000-07:00

O 5º filme da saga "Harry Potter" foi o primeiro a ser dirigido por David Yates (que conduziu os filmes do jovem bruxo até o seu fim). Adicionando um aspecto completamente diferente para a série (a tornando mais "política"), Yates consegue captar com maestria o universo de Harry Potter e trazê-lo para as telonas com um novo ponto de vista: o de Harry.
Apesar de os livros já trazerem esta "técnica" (sendo narrado em 3ª pessoa porém sempre enfatizando a percepção e os sentimentos de Harry), os filmes anteriores à "Ordem da Fênix" estão por demais distantes do personagem, pouquíssimas vezes sendo capazes de captar seus anseios diante da situação de perigo e rejeição que frequentemente se encontra. Para expressar a agonia do personagem principal, o diretor usa técnicas tais quais flash-backs, cenas mais longas e ênfase em certos pontos do enredo (Harry formando um grupo de militância). Talvez não seja exagero dizer que este longa desenvolve melhor o personagem que os quatro anteriores juntos!
A ousadia é outro acerto da direção. Provavelmente a adaptação menos fiel, pois Yates não se preocupa (como seu antecessor) em adaptar os detalhes apenas para agradar os fãs. Ele retira do livro a ideia geral e se foca inteiramente nela, tornando o filme mais forte e coeso (o 4º filme se preocupa tanto com inclusão de roteiro que simplesmente apressa todo o filme).
Assim, "Harry Potter e a Ordem da Fênix" consegue explorar temas como o conflito de gerações e autoritarismo estatal junto com o mundo mágico que tanto amamos.

Harry Potter e a Pedra Filosofal

2011-07-11T17:43:00.000-07:00

Em 2001 Chris Columbus leva para as telonas o filme do bruxinho Harry Potter, cujo os livros já estavam fazendo um estrondoso sucesso, sob uma nuvem de cobrança, pois a história do jovem orfão com uma cicatriz na testa não apenas já era conhecida do público como também contava com um considerável número de fãs xiitas. Talvez o maior erro do diretor tenha sido o esforço para agradar tais fãs e uma busca cega por fidelidade à obra.
Criar um roteiro para esse tipo de filme não é simples. Tendo em mente a saga deve se policiar para não cortar nenhum elemento que mais tarde possa ser útil para a compreensão do quadro maior. Para isso, a produção de todos os filmes Harry Potter teve de perto o acompanhamento da escritora J.K. Rowling, criadora da imensa e plural cultura dos livros.
O que então fez Columbus? Traduziu para o cinema a cultura minuciosamente (agradando a maior parte dos fãs), mas se descuidou ao conduzir a adaptação como longa de mídia independente. O roteiro do filme é episódico, as cenas funcionam separadamente mas falta o fio que faz a ligação entre elas. É o tipo de erro frequente em adaptações de obras detentoras de um universo próprio.
A equipe de produção porém não falha na escolha de um elenco que traz a vida os personagens de Rowling. Tanto a escalação infantil quanto a adulta (recheiada com a maior parte dos grandes atores britânicos) parecem ter sido feitos para seus personagens.
No fim o filme cumpre a função de trazer à vida o universo bruxo mas é covarde demais quando se trata de desafiar os fãs para trazer um bom filme. Serve como porta de entrada para o resto da saga que se encerra no próximo dia 15!

As Bicicletas de Belleville

2011-04-06T13:21:00.000-07:00

Na virada para a década de 1930 a chegada do som havia revolucionado a indústria cinematográfica, o irmão de Charles Chaplin (e também produtor de seus filmes) o disse que Carlitos teria de falar se quisesse continuar a fazer sucesso, Chaplin recusa e continua a fazer filmes mudos, mantendo o sucesso (Carlitos só veio falar em "O Grande Ditador").
Em 1937, Walt Disney foi contra o conselho de todos ao lançar o 1º longa metragem de animação americano, lhe diziam que ninguém teria paciência para assistir uma hora e meia de desenho animado. Hoje as animações da Walt Disney Pictures são conhecidas por crianças e adultos do mundo todo.
Mas Chaplin nunca dirigiu uma animação, tampouco Disney produziu um longa mudo. A sensação que temos ao fim de "Bicicleta de Belleville" é justamente a junção destes dois grandes nomes do cinema. Uma belíssima e incrivelmente sentimental animação muda. Personagens tocantes, cenas brilhantes, trilha emocionante. Todos os adjetivos geralmente atribuídos aos filmes de Carlitos e aos musicais clássicos com o selo de qualidade Mickey Mouse. "Belleville" é uma película ousada e rara, o tipo de filme único, só feito duas vezes a cada década, quando então só nos resta apreciar.

Curtindo a vida adoidado

2011-04-01T07:43:00.000-07:00

Não houve diretor em Hollywood tão capaz de retratar a realidade adolescente quanto John Hughes. O mestre foi responsável por filmes como "Curtindo a vida adoidado", "Clube dos cinco" e "Gatinhas e Gatões". As comédias de Hughes trazem jovens reprimidos, ignorados e rebeldes (como consequências da cegueira familiar). As duas facetas da mesma juventude são exploradas em "Curtindo a vida...": Ferris, o rebelde, se aproveita do mimo recebido dos pais para faltar a escola alegando estar doente, eles não conhecem o filho o bastante para julgar seu comportamento, ao contrário da sua irmã e do diretor do colégio (ambos desconfiam desde o princípio). Cameron é a juventude oposta, cresceu sobre o manto do medo e repressão paterna, enquanto Ferris olhava para os pais com um sentimento de superioridade, Cameron sempre se punha como inferior, não só ao pai como também à escola e aos amigos. É sempre convencido a concordar com Ferris, seus únicos questionamentos acontencem quando a vontade do melhor amigo atinge as proibições do pai, nessas situações Cameron entra em colapso, sem saber de que lado ficar. Há um momento no filme no qual ele se liberta ao mesmo tempo de Ferris e do pai, obedecendo a um sentimento de revolta completamente pessoal.
O diretor de Ferris e sua irmã são personagens semelhantes, ambos têm raiva do garoto por conseguir fazer todos de bobo. O diretor se sente desafiado, pois o aluno estar sempre um passo a frente é um sinal de questionamento do seu "absoluto" poder na escola. A irmã sente inveja, nunca conseguiu se posicionar frente aos pais da mesma forma de Ferris. Como consequência ambos tendem a caçá-lo e retirar suas conquistas.

True Blood: era uma vez uma ótima série - Spoilers da 3ª temporada

2011-03-29T13:15:00.000-07:00

Não, a série infelizmente não acabou. Embora continue fazendo uma campanha publicitária de primeira categoria a qualidade do roteiro se perdeu. A estratégia parece ter sido a mesma de lost, se fazer cult nas primeiras temporadas e depois mandar tudo pra merda, até porque ninguem vai parar de ver mesmo. Bom para os produtores e triste para os fãs, obrigados a ver a queda do que era uma da melhores séries no ar. Não falo isso por elementos do roteiro como: Sookie é uma fada ou Lafayette curte bruxas, pois tudo isso poderiam ser pontos positivos da série se bem desenvolvidos, já tivemos bacantes, vampiros, metamorfos, caça-vampiros, sem nada comprometer a construção principal de True Blood: a aceitação do semelhante selvagem. Com estruturas corretas isso foi construido no decorrer da série, o amor de Sookie, o amor de Eric, o vício no sangue de vampiro, o serial killer, a hierarquia, Godric, a sociedade do sol, tudo teve seu papel para apresentar tal tese. As atuais fadas e lobisomens não cumprem tal tarefa, é apenas uma bizarrice sem causa. Para salvar a temporada temos o rei de Mississipi, que manteve o questionamento principal da série e deu progressão ao desenvolvimento do mesmo. Por ele valeu acompanhar aqueles intermináveis episódios e concordar em dar uma chance à 4ª temporada da série.

Grey's Anatomy

2011-03-26T11:13:00.000-07:00

A apreciação popular fez crescer nos Estados Unidos o gênero seriado-novelinha. São séries semanais nas quais seus episódios tem uma conexão imprescindível, ou seja, a cada episódio elementos da história mudam fazendo com que seja necessário um acompanhamento regular da série. Além disso, um seriado-novelinha precisa ter uma tematica dita "de mulherzinha", ou seja, focar nos relacionamentos humanos familiares e/ou amoros (ou em outros casos, na adolescência) com enredos centrados determinados em núcleos ou personagens. Os mais famosos do gênero são: Brothers and Sisters, Desperate Housewives, Dawson's Creek, Gossip Girl, True Blood, The O.C. e Grey's Anatomy. O sucesso dessas séries se dão por razões independentes de sua história continua. No caso de Grey's Anatomy o grande número de temporadas se justifica pelo modo maturo com o qual a série retrata a vida e a morte em cada um dos médicos e pacientes do Seattle Grace Hospital. Os romancinhos, embora divirtam, ficam em segundo plano diante do diálogo médico-paciente que ocorre em todos os episódios da série. No segundo semestre de 2010 a série estreiou sua 7ª temporada sem sequer demonstrar sinais de cansaço na trama. Personagens antigos saem, personagens novos entram, todos com seu momento certo para brilhar. Não há em "Grey's" figuras inúteis ou personas vazias, cada um tem um papel de importância na construção da série. Nos deixando uma leve desconfiança de que o recorde de ER (14 temporadas) está para ser ultrapassado.

Anos 80: Síntese de uma batalha

2011-03-24T14:58:00.000-07:00

Os anos 70 foram considerados o renascimento hollywoodiano, os diretores sairam de tras das asas do estúdio e passaram a fazer filmes por eles mesmo, sem aceitar os dedos dos financiadores maculando seu sagrado projeto. Dessa revolução surgiram: Poderoso Chefão, Bonnie e Clyde, Laranja Mecânica, Chinatown, entre outros clássicos.
Os anos 80 é a síntese da disputa de produtores vs. diretores, agora os filmes embora ainda fossem dirigido de forma independente, havia o comprometimento por parte da direção de gerar dinheiro. Eis alguns dos filmes mais vistos dos anos 80:

Ovelha negra dos chamados "moleques de hollywood" (Coppola, Scorcesse, Altman, etc), Steven Spilberg sempre teve um gênero voltado para o comercial. Foi dele o primeiro grande blockbuster (Tubarão). Com E.T. Spilberg amadurece e concilia seu senso comercial e criativo. O filme é uma obra de arte da narrativa cinematográfica, clássica história sobre aceitar o desconhecido (previamente rejeitado em "Tubarão"). Um dos melhores elencos infantis do cinema fazem de E.T. inesquecível.

A saga "Star Wars" começa nos nos anos 70, mas tem seu clímax tempos depois em 1983. George Lucas teve a capacidade de criar uma infinidade de personagens que são até hoje ícones da cultura pop. Darth Vader, Princesa Léia, Luke Skywalker, Han Solo e os simpáticos robôs R2D2 e C3PO. Talvez pela falta de boa parte desta coletânea de personagens eternos a 2ª parte da saga (lançada nos anos 2000) não deu certo.

O que acontece quando os dois maiores criadores de aventuras se juntam para fazer um longa metragem?
Resposta: Um filme pipoca de primeira! Misturando aventura, ação e fantasia, "Caçadores da arca perdida" e todas as continuações com o arqueólogo Indiana Jones fizeram um estrondoso sucesso nos anos 80. Não é de se surpreender! Como não se encantar com o carisma do Professor Jones e não perder o fôlego com cada cena de perseguição, seja por uma pedra ou por nazistas. Indiana Jones é o símbolo dos anos 80 e o que ele tem de melhor.

Quase um filme B (estilo de filme exibido em cinemas trashs nos EUA), porém ainda um dos mais importantes do gênero. A vitória de Batman de Tim Burton nas bilheterias abriu as portas para outros filmes de super-heróis chegarem aos cinemas. Não adianta comparar Jack Nicholson e Heath Ledger, os dois coringas são personagens extremamente diferentes (mais sobre isso no post: Batman, psicologia do morcego). O filme pode ter envelhecido mal, mas ainda merece uma segunda conferida.

Uma de minhas aventuras preferida, "De volta para o futuro" é definitivamente o melhor filme do gênero viagens no tempo. Marty McFly e sua máquina responsável por lhe trazer de volta a sua origem em 1955 representam a infância de muita gente nascida nos anos 80/90. O filme é parte de uma trilogia que incluiu o ótimo "De volta para o futuro 2" e o fraco "De volta para o futuro 3". Mesmo com seus maus momentos, ainda não se fez filme similar até hoje.

Post do Indiana

2011-03-23T12:03:00.000-07:00

Essa juventude de hoje adora um filme de ação com alta tecnologia, o herói deve combater robôs, ter equipamentos de última geração, salvar a democracia e ainda se manter realista (?????). Pasmem! Lembrem-se amiguinhos, não haveria mundo para Jack Bauer, James Bond ou Ben 10 salvar se não fosse por mim. Graças a MIM vocês hoje não são dominados por nazistas, fanáticos religiosos ou russos. Meu mais recente filme sofreu nas bilheterias, a crítica dizia que não havia mais espaço para Indiana Jones, é muito fantasioso e infantil. Ora essa! Mandei cartinhas para diversos críticos. Estava indignado, nenhum deles teve o menor respeito por mim, vocês bem sabem que a liberdade de todos na terra é resultado do meu trabalho bem feito. Se meus filmes são infantis deixem as crianças assistirem! Mas nãão, elas estão ocupadas demais vendo Tropa de Elite. É esse ceticismo contemporâneo que me fode. É permitido fantasia no cinema atual? Claaaaro, mas tem de ser acompanhada por uma profunda análise psicológica das criaturas bizarras. É bom que eu me aposento, vocês podem até perguntar: "mas sr. jones, e se os árabes acharem uma maneira de controlar a humanidade através de um portal sagrado aberto apenas por uma chave dourada escondida nos cofins da áfrica guardada por um aborígene montado num leão sagrado cujo o sangue ativaria o portal e imediamente destruisse tudo na Terra?". Eu simplesmente não me importo mais! Minha aposentadoria é eterna, vou sumir de cena por um looongo tempo de novo, vocês nem vão ligar. Só vou receber a atenção da humanidade de volta no dia que for dirigido pelo Tim Burtom

Milos Morpha comenta... Johnny Guitar

2011-03-23T10:24:00.000-07:00

Vienna é dona de um bar numa cidade do oeste dos Estados Unidos, ela é também a protagonista de um faroeste. Incomum no gênero, Johnny Guitar retrata o embate entre duas mulheres, a segura e independente Vienna (eternizada por Joan Crawford) e a invejosa e gananciosa Emma (Mercedes McCambridge, excelente). Essa é a proposta principal do filme, trazer a disputa da feminilidade em meio ao ambiente bruto e masculino do faroeste. São duas poderosas personagens, ambas conquistaram sua posição de respeito em meio aos homens, estes no filme estão sempre por tras, protegidos ou submissos ao sexo feminino.

Vienna é uma amável estrangeira vinda de uma ferida história de amor. Chegando na cidade, construiu seu bar assim como reconstruia sua vida. Fez amigos fiéis, teve amantes aos quais sempre teve medo de se apegar, de sofrer de novo como sofrera outrora. Os homens na sua vida eram apenas amigos ou objetos usados como estratégia de Vienna para que jamais se machucasse. Intimidadora, na primeira cena ela segura uma arma e se põe a frente de 30 homens (também armados), ninguém tem coragem de avançar. O mundo de aparente independência de Vienna desaba com a chegada do antigo amante: Johnny Guitar. Por ele aquela mulher forte seria capaz de enfraquecer, era seu calcanhar de aquiles. Foi do amor de Guitar que tanto fugiu, contra tanto lutou. Pois era a única forma de domar a indomável. Mas ela não é mais a mesma mulher. Recusa diversas vezes as ideias antigas de seu amado, se mantendo íntegra na nova mulher criada por si mesma. A submissão do amor não existia mais, o sentimento se torna saudável e infinito.

Emma é o lado oposto da mesma moeda. Igualmente insegura, fria e com medo de demonstrar seus afetos. Nao aceita a submissão feminina, bate de frente com os homens da cidade. Faz deles, até do mais poderoso, capachos e empregados para seus desejos invejosos e gananciosos. Odeia Vienna pelo respeito que a rival recebe dos homens. Tem um modo diferente de lidar com os amados, enquanto Vienna os ignora e subestima, Emma vai além. Pretende matá-los, vê nisso a única forma de lidar com o amor que sente e que luta tão ardualmente pra controlá-la e diminuí-la diante desse universo brutal do velho oeste. Ela não sabe lidar com a feminilidade em si e portanto pretende esmagá-la para que nunca mais a pertube. Há um momento no qual os homens negam o pedido de Emma de conduzí-los armada, liderar oficialmente o bando. O "não" que recebe dos companheiros não é aceito, ela vai sim liderar as tropas. Se há uma coisa com a qual nunca se conformou foi com a necessidade de pedir permissão aos homens antes de agir. No seu momento final ela não pergunta nem espera um "sim", ela aje por si e sofre as consequências de uma ato completamente seu.

Batman e a psicologia do morcego

2011-03-23T10:07:00.000-07:00

"As figuras imaginárias têm mais relevo e verdade que as reais" Fernado Pessoa

Bruce Wayne era o filho e herdeiro do maior magnata de Gotham City (sátira de chicago). Tinha apenas 10 anos quando seus pais foram assassinados em um assalto. Essa história você conhece, já foi contada e recontada por uma infinidade de quadrinistas e cineastas: Bob Kane, Frank Miller, Tim Burton, Christopher Nolan. Cada um acrescenta aquilo que acha relevante para seu tempo e para o mito que se pretende criar. Bob Kane criou o Batman distante da realidade, iverossímil, desumanizado, era quase um novo Super-homem. Um milionário que fabrica os equipamentos responsáveis por torná-lo o justiceiro da cidade. Quem seria capaz de se identificar com tal figura? A morte de seus pais era apenas um motivo, uma desculpa do roteirista pra justificar a tranformação de Bruce Wayne.
Frank Miller trouxe outro ponto de vista, ele tinha uma visão mais completa, queria retratar a ascensão e queda do morcego. Em "Ano Um" ele nos traz uma formação psicológica do herói. Bruce Wayne não poderia ter medos se quisesse enfrentar os bandidos de Gotham. Por isso escolhe o morcego como representante, era seu maior medo e precisava ser superado. Miller escreveu também "Cavaleiro das Trevas" que assim como "A Queda do Morcego" mostra um Batman fragilizado pela idade.
Tim Burton e Christopher Nolan foram ambos importantíssimos para o mundo cinematográfico dos quadrinhos. O primeiro foi quem abriu as portas para as possibilidades de adaptação do gênero. Criou dois filmes de qualidades, realçando não o psicológico (como faria Nolan 15 anos depois) e sim a bizarrice e extravagância de seus personagens. Assim foi o coringa de Nicholson, o pinguim de De Vitto e a mulher-gato de Pfeiffer. Criaturas estranhas de um mundo estranho, tornando Gotham similar ao país das maravilhas de Alice. E Burton se esbalda nessas figuras com as quais ele sabe lidar tão bem, criando assim o Batman da caricatura, tão semelhante àquele da série de tv dos anos 60.
Depois de alguns anos de esquecimento, renasce o mito. Christopher Nolan adapta o "Ano Um", de Miller, com estilo. Nasce "Batman Begins" e com ele uma das melhores sagas dos quadrinhos no cinema, pois foi com o 2º filme (Batman: Cavaleiro das Trevas) que Nolan reinventou o gênero. The Dark Knight mostrou ao mundo que filmes de super-heróis não são mais feitos para crianças. A simbologia presente no filme é arlamante, há uma procura por entender as mentes insanas. Afinal, o que queria o coringa? "Há certas pessoas que só querem ver o circo pegar fogo" assim tenta explicar o mordomo Alfred. Mas o coringa se mostra algo mais, ele tem uma ideologia a ser provada, ardualmente tenta mostrar o quão tênue é a linha entre o bem ou o mal. De acordo com o vilão, tudo depende das circunstâncias e ele vai fazer de tudo para provar o seu argumento. O primeiro passo do plano é corromper o incorruptível: Harvey Dent. O político é o cavaleiro branco de Gotham City, é aquilo que a cidade tem de melhor. Dent chega ao ponto de assumir a identidade de Batman diante da polícia para que assim o verdadeiro morcego possa trabalhar em paz. É o alvo perfeito do maníaco coringa. Para realizar o plano, o vilão mata Rachel, noiva de Harvey, através do acaso. Nada mais justo para Dent que a vida de todos os outros sejam também definidas por algo igualmente trivial.
O coringa no entanto, não para por aí. Milhões de dólares são queimados, a cidade é isolada, a política do caos é imposta. Seu objetivo maior é mostrar até que ponto a humanidade se segura. Porém, a segunda parte do seu jogo sádico falha. Gotham City demonstra nobreza e capacidade de superar a crise.
Mas a tranformação de Harvey Dent ainda representa uma vitória do vilão. Como manter a esperança na bondade se seu símbolo humano maior foi maculado e corrompido?
Então entra Batman, para salvar o dia mais uma vez ele deve assumir a culpa, e assim o faz. Tal ato de heroísmo é questionado pelo filho do Comissário Gordon, que o explica:
"Ele é o herói que Gotham merece, mas não o que precisa agora. Então vamos caçá-lo porque ele aguenta. Pois ele não é nosso herói. Ele é um guardião silencioso, protetor atento. Um cavaleiro das trevas."

PS:. As duas últimas postagens são de minha autoria e foram previamente publicadas no meu outro blog: Os Sapos que divido com Carolina Braga, Cecília Galindo e Marília de Orange

Fantasia e o cinema parnasiano

2011-03-23T09:25:00.000-07:00

Recentemente tive o prazer de acrescentar à minha coleção de dvds as animações Fantasia e Fantasia 2000. Os filmes são uma compilação de curtas metragens que prezam a animação acompanhada por música clássica, fazendo uma interessante relação de som e imagem.

O objetivo de Walt Disney em 1940 era refazer Fantasia a cada década, mantendo um ou dois curtas favoritos da edição anterior e principalmente criando novos. Seria uma maravilhosa forma de acompanharmos o progresso na música e nas animações. Infelizmente o primeiro filme foi um fracasso de crítica e bilheteria. Logo depois a Disney mergulhou numa séria crise. Como consequência, estava impossibilitada de lançar novos longas metragens (só foi voltar a fazê-lo em 1950 com Cinderela), lançando apenas curtas que eram feitos com um orçamento menor. O projeto Fantasia foi então deixado de lado, porém, com o passar do tempo o filme foi reconhecido e aclamado como um clássico, sendo, portanto, relançado diversas vezes nos cinemas. A ideia de Walt Disney só foi se realizar 60 anos depois, em 2000, quando foi lançada a 2ª edição de fantasia.

Há momentos em ambas edições em que a beleza dos curtas de animação e o acompanhamento musical parecem não ter objetivo além da beleza em si. É o famoso arte-pela-arte defendido pelos parnasianos. Podemos chamar então de parnasianismo cinematográfico? Sim. E Fantasia não é o único exemplo deste fenômeno.

É comum professoras de história da arte exibirem filmes como "Blow-Up: Depois Daquele Beijo" ou "2001: uma odisséia no espaço", estes são dois perfeitos exemplos do parnasianismo cinematográfico. O primeiro não tem uma história bem definida, os elementos se confundem, no final os acontecimentos do filme não são o que permanecem na cabeça daquele que o assiste. A fotografia do filme, no entanto, deixa uma marca forte, tornando as cenas extremamente memoráveis (e soníferas).

O cinema parnasiano perdeu sua força com as gerações seguintes, nós exigimos filmes com uma história para acompanharmos e deliciarmos. Mas o gênero não desapareceu por completo, Sangue Negro (filme de 2007 indicado ao oscar) é um bom exemplo recente, porém mesmo este teve de se adaptar aos novos tempos, acrescentando no roteiro memoráveis diálogos.

Bruna Surfistinha

2011-03-02T17:27:00.000-08:00

A história da pseudo "prostituta mais famosa do Brasil" ficou famosa durante a segunda metade da década de 2000 através da auto-biografia "O Doce Veneno do Escorpião". O livro foi um best seller instantâneo, talvez pela já construida fama de sua autora, talvez pelo tema polêmico. O ápice deste momento de celebridade é a realização de uma produção cinematográfica. Com Deborah Secco no papel principal, o filme tem tudo para ser um sucesso de bilheteria, e já o é.
"Bruna Surfistinha" cai nos mesmos buracos que atormentam a maioria do cinema brasileiro. A falta de um gênero certo e própio é uma delas. Não falo do longa ser só drama ou só comédia, ele não se encaixa nem no famoso meio termo da "dramédia". No momento em que um filme escolhe seu gênero não é o roteiro quem deve permanecer nele constantemente e sim a fotografia, a edição. Se esses elementos transitam entre gêneros o filme perde um pouco da identidade e vira só uma história.
Outro grande problema da película é a atriz protagonista. O roteiro da várias oportunidades para Deborah Secco se superar, se mostrar grande atriz. O papel é forte e com várias nuances nem um pouco simplistas pois Bruna não é uma personagem linear. O texto humaniza perfeitamente a garota de programa, Secco no entanto não permite uma identificação com o lado humano de surfistinha, ela parece estar em fuga da personagem criada. O resto do elenco, por sua parte, permanece íntegro e coeso, atuações pequenas e marcantes, sem deixar a desejar.

O Vencedor

2011-02-17T17:30:00.000-08:00

Não é incomum nos EUA filmes considerados grandiosos contando histórias de lutadores. Desde o clássico 'Touro Indomável" (Martin Scorcesse) até o mais recente "O Lutador" (Darren Aronofsky), os filmes do gênero costumam chamar positivamente a atenção da crítica americana. "O Vencedor" (David O. Russell) não é exceção.
Micky Ward (Mark Whalberg) é um lutador de boxe que se vê limitado pela própria família, ela torçe por ele mas parece constantemente sabotá-lo inconscientemente. Seu irmão e também treinador, Dick Ecklund (Christian Bale, excelente), é um ex lutador de boxe se preparando para um grande retorno. Viciado em crack e desmpregado, porém se mantém como orgulho da cidade e da família, principalmente da mãe, Alice (Melissa Leo, sensacional).
O elenco é perceptivo em relação ao roteiro, cada ator deixa claro que entende seu personagem, entende os momentos nos quais ele deve ter voz e nos quais deve ficar contido, subserviente. Sem sombra de dúvidas o melhor time de atores do ano. O roteiro do filme não fica atrás. Nos envolve, nos faz sentir a trama, nos faz torcer e vibrar com as vitórias de Micky, além de simpatizar com sua família apesar de todos os contras. Sim, é um filme com o básico clichê da superação, mas, quando bem colocado, o clichê se torna algo bonito e essencial ao filme.

A Origem

2011-01-07T14:59:00.000-08:00

Leonardo DiCaprio na praia, Leonardo DiCaprio em uma reunião com coreanos, Leonardo DiCaprio com Mario Cotillard. E assim começa "A Origem" (Inception, 2010). Os primeiros 15 minutos do filme são completamente confusos e você teme ser assim pelo resto do longa, então uma explicação: é um sonho, continuou sem entender por mais 5 minutos? Era outro sonho. Isso mesmo, um sonho dentro de um sonho! Para Cobb (DiCaprio, sempre ótimo no papel de pessoa com a mente fudida), engenheiro de sonhos, não é algo incomum pois seu trabalho é descobrir segredos através dos sonhos das pessoas. Porém, Saito (Ken Watanabe) quer contratá-lo pra fazer algo diferente: inserrir um pensamento no suconsciente do herdeiro de uma das maiores empresas de energia do mundo.
E assim o filme acontece, viajando pelos sonhos alheios em missões que arriscam suas sanidades mentais, um grupo de 6 pessoas tentam fazer Robert Fischer (Cillian Murphy) destruir o império do pai. Para atrapalhar temos Mal (Marion Cotillard), esposa morta do protagonista que ainda assombra seu subconsciente.
O filme pode ser bem inferior em nível de filosofia se comparado a Matrix (com premissas semelhantes), até mesmo superficial quando se trata da psicanálise dos sonhos. Mas é grandioso ao estuprar a mente de Cobb e Mal, os rumos tomados pelos dois personagens (mostrados em flashback) é o que dá luz ao longa. Sem falar é claro do raciocínio similar a um jogo de videogame no momento da incerssão. Fica difícil não imaginar um jogo do mesmo, tanto que este já está confirmado.

Todos Dizem Eu Te Amo

2011-01-03T14:37:00.000-08:00

Quando se trata de um filme de Woody Allen é comum descreve-lo simplesmente com: "é woody allen né?". Nesse filme não é diferente. Narrado por uma voz crítica (dessa vez não se trata do personagem de Allen e sim de sua filha, DJ), recheado de relacionamentos pouco usuais, paixonites institivas e um final de poucas soluções, frequentemente voltando ao lugar inicial do filme. Porém tem uma coisa diferindo esta película das outras, se trata de um musical. Sim, um musical com direito a danças, sapateados e solos românticos. No entanto a parte cantada do filme parece ser uma sátira desse gênero cinematográfico. As letras são irônicas e as danças excessivamente exageradas, tais cenas chegam proximo ao ridículo proposital.
DJ é responsável por dar a sua (um tanto quanto esdrúxula) família um olhar crítico. Seu pai (Woody Allen, sempre o mesmo) está prestes a desistir de relacionamentos amorosos quando conhece Von (Julia Roberts). Através de sua filha (DJ observa, através de um buraco na parede, as consultas de Von com sua terapeuta), ele consegue tornar-se o homem dos sonhos desse completamente pertubado novo amor. Sua irmã (Drew Barrymore) parece não controlar seus instintos ao largar o noivo certinho por um ex-presidiário não tão arrependido. No final os personagens se deparam com suas fantasias e passam a ter de certa forma um controle sobre elas, DJ é a única que parece não ter aprendido a lição.

Milos Morpha Comenta... Mad Men 1ª temp

2010-09-01T16:26:00.000-07:00

Nesse domingo, os votantes do Emmy premiaram pela terceira vez consecutiva a série Mad Men como a melhor série de drama. Coincidentemente no mesmo dia no qual eu encerrei a 1ª temporada da série (atualmente na 3ª temporada). Não resta dúvidas: se o programa consegue manter a qualidade da temporada de estréia, ele definitivamente merece todos os prêmios do gênero.
Enredo: 1960, é o auge da carreira de Don Draper, publicitário de uma das mais importantes firmas de Nova York. Casado com Betty Draper, esposa infantil e fútil que vive alheia dos casos do marido, duas amantes: a rica cliente judia Rachel Menken e a hippie Midge.
A série é capaz de recriar perfeitamente a época (não que eu a tenha vivido) com cenários realistas e figurinos bem trabalhados.
A primeira vista o programa pode parecer chato e pedante, mas basta dar uma segunda olhada para compreender o porquê do sucesso da série, bem atuada, bem escrita e perfeitamente bem dirigida, não tenho dúvidas da decisão do Emmy em premiá-lo no ano de 2008 (e, provavelmente não terei dúvidas quanto à 2009 e 2010) como melhor série no ar.

Milos Morpha comenta... Força da Vida

2010-08-24T17:24:00.000-07:00

Há aproximadamente 3 bilhões de anos as células existentes no planeta terra começam a se espalhar. É o primeiro indício do surgimento da vida no nosso planeta. Há 300 milhões de anos se diversificam os insetos, entre eles a barata, há 100 mil anos apenas surge o homem. Até este momento, as baratas já haviam passado por todo tipo de desafios e obstáculos à sua existência, eras glaciais, meteoros devastadores, cataclísmos responsáveis por exterminar répteis e mamíferos gigantes, mas nunca, jamais, as baratas. Os humanos surgem, modificam a natureza como nenhuma espécie jamais fez, surgem as civilizações, surgem as grandes cidades. As pessoas, que dominam o planeta, têm pela barata um interessante nojo, repugnância, as esmagando na primeira oportunidade, mesmo assim elas resistem, aqui estamos hoje, convivendo com elas em nossas casas, sabendo ser impossível detê-las por completo.
A obra de Will Eisner faz uma interessante (porém discretíssima) comparação entre as baratas e os judeus, pois a religião hebráica é nada mais senão aquela, mais antiga que a maioria, sobrevivente aos mais diversos cismas e às repugnâncias das religiões dominantes.
O cenário é a crise de 1929, a quebra da bolsa de valores de Nova York, milhares de desempregados, milhares passando fome, enquanto na Europa cresce o movimento anti-semita. O personagem é Jacob, judeu desempregado que tem como grande feito do dia salvar a vida de uma barata (de acordo com ele, tal inseto, assim como os humanos, insistem em sobreviver mesmo quando não há nenhum motivo para tal).
A partir destes elementos, Eisner constrói o enredo da forma que ele é expert em fazer. Melancolia, tradições judáicas, amor, saudade, são os elementos misturados no caldeirão Eisner, o resultado é uma das maiores obras primas dos quadrinhos

Milos Morpha Comenta... O nome do jogo

2010-08-15T06:53:00.000-07:00

O crescimento do capitalismo industrial e bancário, em meados do século XIX, transformou completamente o modo de viver da alta classe média dos mais diversos países. O nome das familias ganhou ainda mais importância, era o surgimento da nobreza do capitalismo. Casamentos arranjados, sobrenomes usados como principal arma para fugir da falência, conflitos e traições. Esse é o cenário da obra "O Nome do Jogo" de Will Eisner, o Shakeaspeare dos quadrinhos.
O livro retrata três gerações da família judáica Arnheim. 1ª geração: o patriarca Isidore, grande nome da indústria de espartilhos na América, sua esposa Alva e seus dois filhos, o mimado Conrad e o tímido e escanteado Alex. 2ª geração: Conrad assume a empresa depois da morte do pai, mas sem a determinação do mesmo, o primogênito nunca abandona suas raízes de filhinho de papai. Conrad ignora a esposa Lilly e dirige a empresa na base da chantagem e de falcatruas. Ele fecha a empresa e se estabelece no ramo da corretoria de títulos e ações. Lembrem, estamos em Nova York década de 20, em alguns anos Conrad e sua família seriam atingidos pela quebra da bolsa. Porém, mais uma vez, é salvo pelo nome. 3ª geração: A segunda filha de Conrad, Rosie, se torna uma mulher independente e decidida, se apaixona por um poeta e decide se casar com ele, deixando bem claro ao pai que isso não dependerá da aprovação dele.

O desfecho final é tristemente real, é a repetição constante dos fatos, como previam Karl Marx e Elis Regina, o nome da família mantém a importância que tinha séculos atrás. E casamento... é o nome do jogo.

Milos Morpha comenta... A Metamorfose

2010-08-08T15:15:00.000-07:00

A chegada do século XX foi cenário de uma bruta ruptura nas artes. Na Europa (e posteriormente no resto do mundo) diversas vanguardas mudavam o modo com o qual as pessoas viam o mundo. Aos poucos novas interpretações dos sentidos foram se expressando na arte de forma cada vez mais chocante e inovadora. Uma dessas novas correntes de pensamento foi o expressionismo, na qual as cores se confundem com as emoções, ambas se tornam exageradas, é a quebra definitiva do contraste. Na literatura, o expressionismo teve como representante Franz Kafka, é dele a obra A Metamorfose, a qual eu tive o prazer de ler recentemente e, consequentemente, comentá-la no blog.
"Ao acordar daquela noite de sonhos pertubadores, Gregor Samsa viu-se transformado"
E assim começa o livro, a terrível trajetória de Gregor Samsa como um horrendo inseto passa a ser narrada de forma detalhada e agonizante. Um homem bom, caxeiro viajante, trabalhava para o sustento de sua família e com o sonho de mandar sua irmã Grete para o conservatório. Mas a metamorfose vira a vida de Gregor de cabeça pra baixo, incapacitado de continuar no emprego, não deixa à sua família outra opção se não voltarem todos a trabalhar. A desumanização gradual sofrida por Samsa causa aos seus pais uma torrente diversa de sentimentos, primeiro medo, depois pena e, por fim, repugnância e nojo. Poderia falar aqui sobre como eu acho que o livro é uma metáfora social e etc, etc. Mas a pura verdade é: Não entendi a mensagem, se é que há uma, pretendida por Kafka, vou reler Carta ao Pai com o objetivo de encontrar a resposta para a minha pergunta. Tenho, porém, a triste suspeita de ser A Metamorfose uma das maneiras que Kafka exergava a si mesmo.

Milos Morpha comenta... Se beber, Não case

2010-08-05T11:38:00.000-07:00

Você é aquele tipo de pessoa que gosta de comédia besteirol? Ou está no grupo de apreciadores de piadas mais inteligentes e criativas? Não importa qual opção escolha, se você aprecia qualquer tipo de comédia, certamente apreciará "Se Beber, Não Case" (The Hangover), filme indicado ao Globo de Ouro de Melhor Comédia.
Na trama, quatro amigos viajam para Las Vegas nas vésperas do casamento de Doug (Justin Bartha). Ao acordarem de uma noite sem lembranças em Vegas, eles dão por falta do Noivo. O resto do longa é uma espécie de odisséia dos personagens na sua tentativa de lembrar o ocorrido para poderem achar o noivo e salvar o casamento. Desnecessário dizer: tal enredo promove os mais inusitados e criativos momentos (para não dizer hilários).
As fortes atuações apoiam o poder do roteiro. Zach Galifianakis, revelado pelo filme, promete ser o novo nome da comédia atual, enquanto Ed Helms mostra seu talento além do hilário Andy Bernard, seu personagem em The Office.

Fim do Recesso

2010-08-02T17:54:00.000-07:00

Devo me justificar por praticamente um mês sem postagens no blog. Acontece que eu, responsável pelo mesmo, viajei bastante durante julho, resultando na impossibilidade de novas postagens até o meu retorno. Mas estou de volta e já pra anunciar as novidades.
Criei um programação para o Milos Morpha, acho que dessa forma facilita para mim e para os leitores:

Segunda-feira: Quem te viu quem TV(ou outra sugestão de nome): Coluna especificamente voltada para as séries, atuais ou canceladas.

Sexta-feira: Weekend Movies: Sugestões de filmes para o fim de semana.

Sábado ou Domingo: Anatomia Literárea: Onde comentamos obras da literatura, inclusive quadrinhos.

PS:. Só mais um detalhe, estou em ano de vestibular, esse semestre pode ser meio puxado, portando me desculpe desde já se eu faltar com a programação. Garanto no mínimo uma coluna por semana.

Emmy 2010

2010-07-09T06:23:00.000-07:00

Melhor série dramática

Breaking Bad
Lost
Dexter
Mad Men
The Good Wife
True Blood

Lost? sério? sério? A sexta temporada foi uma das coisas mais ridículas do ano, com direito a poços da disney e outras coisas do tipo. E nem venha me dizer que Lost foi ruim só se comparado com outras temporadas de Lost. Não! Lost foi ruim comparada com muitas e muitas outras séries, Grey's Anatomy, por exemplo, teve uma temporada muito superior. Foi bom ver True Blood merecidamente reconhecida, alias, estamos falando da 2ª temporada da série, aquela com a igreja Fellowship of the Sun, que converteu Jason e sequestrou Godric. Quanto as outras, eu só vi parte da 1ª temporada de Dexter e Mad Men, e gostei do material.

Melhor ator de drama
Matthew Fox, Lost
Bryan Cranston, Breaking Bad
Michael C. Hall, Dexter
Jon Hamm, Mad Men
Kyle Chandler, Friday Night Lights
Hugh Laurie, House

Se tem uma categoria em Lost merecedora de Emmy, essa seria o elenco. Matthew Fox mandou muito bem como Jack nessa temporada, tendo se superado em relação às temporadas anteriores. De resto, Hugh Laurie é Hugh Laurie, Michael C. Hall é Michael C. Hall e Jon Hamm é Jon Hamm.

Melhor atriz de drama
Glenn Close, Damages
Julianna Margulies, The Good Wife
Mariska Hargitay, Law & Order: Special Victims Unit
January Jones, Mad Men
Kyra Sedgwick, The Closer
Connie Britton, Friday Night Lights

É a coisa mais sem graça do mundo falar nessa categoria, mas só pra não deixar em branco: Glenn Close e January Jones mandam muito bem em seus respectivos papéis. Tô na torcida por Jones só pela falta de reconhecimento da mesma.

Melhor ator coadjuvante de drama

Michael Emerson, Lost
Aaron Paul, Breaking Bad
Terry O’Quinn, Lost
John Slattery, Mad Men
Martin Short, Damages
Andre Braugher, Men of a Certain Age

Tanto Michael Emerson quanto Terry O'Quinn são merecidos do prêmio, os dois exploraram novas fronteiras de seus personagens, e conseguiram com êxito.

Melhor comédia

Curb Your Enthusiasm
Glee
Modern Family
30 Rock
Nurse Jackie
The Office

Sim eu assisto Glee, sim eu gosto de Glee, mas eu definitivamente não acho Glee merecedor das suas 20 indicações ao Emmy. A série é tão... besta. Entenda você a importância da popularidade de um programa na hora das indicações ao Emmy, Glee não seria nada se não fosse os primeiros lugares nas vendas de disco e dvds. E 30 rock... pra explicar o porquê de 30 rock ter tantos prêmios é necessário fazer um post inteiro só pra 30 rock. Tem também Modern Family, a melhor estréia do ano, e The Office, foda até dizer chega. Um bom ano para comédias (obs:. só vi um episódio de Curb Your Enthusiasm na vida, é bacana só não entendo o barulho em torno da série)

Melhor ator de comédia

Alec Baldwin, 30 Rock
Steve Carrell, The Office
Larry David, Curb Your Enthusiasm
Jim Parsons, The Big Bang Theory
Tony Shalhoub, Monk
Matthew Morrison, Glee

Nessa categoria de escolhas óbvias (Alec Baldwin, Steve Carrel, Larry David e Tony Shalhoub), escolho meu preferido de novo usando o padrão do reconhecimento. E Jim Parsons, genial no seu papel (sendo talvez a única graça na chatíssima The Big Bang Theory) merece um reconhecimento. Matthew Morrison me dá vergonha alheia toda vez que aparece em Glee, me fazendo perguntar se o Emmy realmente assistiu a série.

Melhor atriz de comédia

Edie Falco, Nurse Jackie
Toni Collette, United States of Tara
Tina Fey, 30 Rock
Amy Poehler, Parks and Recreation
Lea Michele, Glee
Julia Louis-Dreyfus, The New Adventures of Old Christine

Se Tina Fey não sair com seu milionésimo Emmy (ela poderia ganhar um milhão desses prêmios e ninguém ia reclamar), o meu voto está com Amy Poehler (nunca vi Parks and Recreation, mas as participações da atriz em SNL e 30 rock são demais) e Lea Michele. Julia Louis-Dreyfus já tá meio batida.

Melhor ator coadjuvante de comédia

Chris Colfer, Glee
Neil Patrick Harris, How I Met Your Mother
Jesse Tyler Ferguson, Modern Family
Jon Cryer, Two and A Half Men
Eric Stonestreet, Modern Family
Ty Burrell, Modern Family

Embora bom ator, não faz sentido a indicação de Chris Colfer nessa categoria, Kevin McHale, seu colega de elenco, aprofundou melhor o personagem. Neil Patrick Harris é o Matt Le Blanc (Joey Tribbiani) do século XXI, engraçado até sem estar atuando. O casal gay de Modern Family (Ferguson e Stonestreet) manda muito bem na série, e Jon Cryer já tá meio tédio. Mas Ty Burrel, também de Modern Family, é quem merece uns 10 Emmys, o cara é engraçado até dizer chega, foi o destaque do ano.

Melhor atriz coadjuvante de Drama

Sharon Gless, Burn Notice
Christine Baranski, The Good Wife
Christina Hendricks, Mad Men
Rose Byrne, Damages
Archie Panjabi, The Good Wife
Elisabeth Moss, Mad Men

Batalha de talentos, Hendricks, Byrne e Moss. Quem será a vencedora?

Melhor atriz coadjuvante de comédia

Jane Lynch, Glee
Kristen Wiig, Saturday Night Live
Jane Krakowski, 30 Rock
Julie Bowen, Modern Family
Sofia Vergara, Modern Family
Holland Taylor, Two and A Half Men

Nessa categoria sou Jane Lynch até morrer, as vezes penso estar assistindo Glee só por causa dela e sua maravilhosa personagem Coach Sue Sylvester, foda. Mas não reclamaria da vitória de Jane Krakowski, Julie Bowen e Sofía Vergara (Glória é foda).

Melhor ator convidado em série de comédia
Mike O’Malley, Glee
Neil Patrick Harris, Glee
Fred Willard, Modern Family
Eli Wallach , Nurse Jackie
Jon Hamm, 30 Rock
Will Arnett, 30 Rock

Mike O'Malleu manda muito bem em Glee, a participação de Neil Patrick Harris foi muito menos do que poderia ter sido. Estando 30 rock não muito atrás com Jon Hamm com suas mãos de gancho e o megalomaníaco interpretado por Will Arnett (lembra dele em Arrested Development?)

Melhor atriz convidada em série de comédia

Christine Baranski, The Big Bang Theory
Kathryn Joosten, Desperate Housewives
Kristin Chenoweth, Glee
Tina Fey, Saturday Night Live
Betty White, Saturday Night Live
Elaine Stritch, 30 Rock
Jane Lynch, Two and a Half Men

Difícil, tem Chenoweth, Fey, Stritch (a mãe de Jack Donaghy) e Jane Lynch de novo. Todas me deixariam feliz.

Melhor ator convidado em série de drama
Beau Bridges, The Closer
Ted Danson, Damages
John Lithgow, Dexter
Alan Cumming, The Good Wife
Dylan Baker, The Good Wife
Robert Morse, Mad Men
Gregory Itzin, 24 Horas

É difícil eu sequer me importar com a indicação de Ted Danson quando o Presidente Logan (Gregory Itzin) tá na categoria.Vai que é tua Mr. President.

Melhor atriz convidada em série de drama
Mary Kay Place, Big Love
Sissy Spacek, Big Love
Shirley Jones, The Cleaner
Lily Tomlin, Damages
Ann-Margret, Law & Order: Special Victims Unit
Elizabeth Mitchell, Lost

Elizabeth Mitchel? WTF? HAHAHAHAHAHAHAHAHAHAHAHAHAHA. Essa foi boa Emmy.

Melhor apresentador de reality show

Ryan Seacrest (American Idol)
Phil Keoghan (The Amazing Race)
Tom Bergeron (Dancing with the Stars)
Heidi Klum (Project Runway)
Jeff Probst (Survivor)

Melhor reality show de competição
Project Runway
Top Chef
The Amazing Race
Dancing with the Stars
American Idol

HQ, universo desconhecido.

2010-07-05T08:01:00.000-07:00

Nesses dias de férias, enquanto estudava uma ou outra ficha de aprofundamento (3º ano não é fácil), me deparei com um texto, desses pelo qual os caras que fazem as provas inspiram suas questões. O título do texto era "Os Quadrinhos" , escrito pelo ilustre e consagrado Dr. da USP: João Domingues Maia. Não me surpreendi quando percebi uma estupenda ignorância expressada no tal texto.
Já há um tempo, tenho chamado a atenção de vocês, queridos leitores, para a importância desse universo ainda não explorado que é os quadrinhos. Muitos podem pensar em "Persépolis" (autobiografia de uma iraniana) ou em "Valsa com Bashir" (relatos sobre a guerra do Líbano), e, baseado em ambos, justificarem pra mim: "Mas essa formação adulta dos quadrinhos é coisa recente, ano 2007, 2008. Pouca gente conhece ainda". Eu respondo: "Não é!"
Obras como "Persépolis" e "Valsa com Bashir" são conhecidas por terem se consagrado através de suas adaptações para o cinema, recebendo ambos indicações ao Oscar. Mas, antes dessas, bem antes dessas, houve outras, de outros autores, cada um com seu estilo, cada um em sua genialidade, subestimados, desconhecidos, vítimas de preconceito dos pseudo-intelectuais, bons demais para lerem quadrinhos, não, eles preferem ler obras de "literatura".
Permita-me, então, apresentar tais autores.
Alan Moore:
Com a maioria de suas obras escritas nos anos 80, Moore sofreu influência do pessimismo da Guerra Fria. A maior parte de suas obras, mesmo se passando no século XIX, XX, XXI ou XXII., trazem o tema do anti-comunismo, das ditaduras, da opressão. Ele é britânico, e todos os seus livros importantes, exceto Watchmen, se passam no império inglês.
Obras importantes:
Watchmen (leia a crítica completa do blog)
Do Inferno: Toda a saga de "Jack, o estripador" da forma mais detalhista possível. A Graphic Novel demonstra a extensa pesquisa por parte de Alan Moore, equivalente à Euclides da Cunha e seu Os Sertões. No fim da obra, nos deparamos com os comentários do própio Moore, nos quais ele explica e informa de cada cena o que é real e o que é fictício, revelando suas fontes para aquilo defendido como real. Descobrimos então: mesmo os diálogos mais fúteis da trama, tem um fundamento de realidade.
V de Vingança: Anarquista até dizer chega, é a obra mais explicitamente política de Alan Moore. Retrata a Inglaterra do futuro, sob um regime de extremo conservadorismo.

Will Eisner:
Foi o primeiro a provar, nos anos 30, que a junção de imagem e texto poderia ser tão adulta quantos esses elementos isolados em uma pintura de Da Vinci ou uma peça de Shakespeare. Sua obra é sensível, triste, pessimista, emocional. De acordo com Freud, os homens têm três níveis, o psicológico, o biológico e o espiritual. Eisner explorou ao fundo do terceiro nível. Hoje, o prêmio entregue anualmente a quadrinistas recebe seu nome (Eisner Award).

Marjane Satrapi:
Escritora recente, trancreve para os quadrinhos histórias da sua vida, ou de sua família. Faz uso de ironia e comédia no meio de temas como morte, guerra e amor.
Persépolis: Sua autobiografia, lembranças de sua infância, passagens como a revolução islâmica e a guerra Irã-Iraque são lembradas como o ambiente de formação da própria Marjane Satrapi.
Frango com Ameixas: Os 7 últimos dias na vida de Nasser Ali (tio de Marjane), tocador de Tar. O quadrinho é melancólico, triste e bastante realista.
Bordados: As nove mulheres da família Satrapi se reunem para conversar e tomar chá, nesse momento familiar, elas compartilham histórias de amor frustradas, vividas numa época de desespero.

Milos Morpha Comenta...300

2010-07-02T08:55:00.000-07:00

Recentemente chegou às minhas mãos um exemplar da Graphic Novel "300 de esparta". No decorrer da leitura não me surpreendi, já tendo visto o filme era de se esperar toda aquela temática ufanista. Ufanismo, palavra sinônima de nacionalismo, significa otimismo patriótico. Frank Miller (escritor dessa "obra") faz uma exagerada defesa de esparta, muitas vezes maquiando a verdade (por exemplo, na graphic novel se declara um poder inexistente da mulher espartana). O retrato que se faz dos persas os mostra como violentos, fanáticos religiosos, com o ímpeto desejo de atacar a "única nação livre da Terra": Grécia. Única nação livre da Terra? Engano meu ou não é essa a mesma Grécia que vivia sobre um regime escravocrata (no quadrinho os escravos são mostrados como pessoas boas, mas não dotadas da coragem e força espartana) e que menosprezava as mulheres. Miller se esqueceu que o conceito de "Homem Livre" na Grécia era bastante restrito, ele nos passa a mesma idéia de eurocentrismo existente, por exemplo, na colonização da américa, quando os índios eram vistos como selvagens ultrapassados.

Retomando: persas violentos, fanáticos religiosos, com o ímpeto desejo de atacar a "única nação livre da Terra". Nesse ponto, "300" parece fazer uma defesa bastante atual. Ainda mas se nos lembrarmos que os Persas ocupavam a mesma posição geográfica que hoje ocupam os países islâmicos. Tal paises, na visão americana, são... violentos, fanáticos religiosos e com o ímpeto de atacar o ocidente, mas especificamente os EUA (lugar onde muitos dos seus cidadãos dizem ser "A única nação livre da Terra"). "300 de esparta" representa isso, uma defesa tola dos EUA na sua luta contra o oriente.

Milos Morpha aguarda... Harry Potter

2010-06-28T18:25:00.000-07:00

Para os que não sabem ou não tem Twitter, saiu hoje o novo trailer do sétimo e último filme de Harry Potter, que será dividido em duas partes. Pelo trailer, já dá pra sacar que pedaços da história foram reservados para cada filme.

Segue o trailer abaixo:

A primeira parte de Harry Potter and the Deathly Hallows (Relíquias da Morte em português do Brasil), deve lançar nos cinemas em Novembro.

Ansiosos? Eu estou.

Michael Jackson Mania e This is It

2010-06-25T13:16:00.000-07:00

Todos têm histórias sobre onde estavam e como souberam da morte de pessoas importantes. Comigo (e Michael Jackson) não é diferente. Eu estava prestes a gravar no computador meu recém comprado CD de Hair com o objetivo de passar para o meu (finado) MP4, enquanto gravava decidi dar uma olhada numa de minhas favoritas comunidades do orkut quando me deparei com o seguinte tópico: "MJ sobe no telhado". Com minha natural nerdice, pensei se tratar de Mary Jane (personagem do Homem Aranha) e cliquei para saber a notícia completa. O choque foi instantânio, fiz o melhor que pude para poder dar a notícia aos meus amigos antes dos meios de comunicação.
Foi a partir de sua morte que eu passei a conhecer sua música e entender sua importância na cultura mundial. Antes disso, a imagem na minha cabeça se resumia à Thriller e às acusações de pedofilias (hoje desmentidas). Desconhecia a genialidade pela inovação na música e na dança.

O erro foi assistir This is It antes de conhecer a obra de Jackson. Resultado: achei chato, cansativo, mal editado, mal organizado, etc, etc, etc. Sempre penso em dar uma segunda chance agora que já estou por dentro do Rei do Pop e seus feitos. Para um fã, This is It deve ser a representação do show perfeito jamais realizado. Para um indiferente, apenas duas horas de tédio.

Milos Morpha comenta... Toy Story 3

2010-06-21T16:59:00.000-07:00

Em 1995 vimos estreiar no cinema aquele filme que mudaria toda a história da animação. Toy Story não era apenas inovador tecnologicamente (foi o primeiro filme feito inteiramente no computador), foi também um dos primeiros filmes para crianças que traziam piadas adultas, referências de cultura pop, e, acima de tudo, foi a animação que marcou uma geração inteira de crianças (eu incluso), estas chegaram a acreditar veementemente na vida por dentro de seus brinquedos. Tais crianças hoje têm por volta de 17 anos, assim como Andy em Toy Story 3.
Tive a forte impressão, ao refletir após o término do filme, que este fora escrito para os jovens de 17 anos, os Andys de hoje e de ontem, e não para as crianças de hoje. Na sessão, na qual estavam presentes as mais variadas idades, foram os adolescente e adultos que riram durante o filme, as crianças permaneceram caladas o tempo inteiro. Talvez, mesmo considerando Wall-e e Up, seja este o filme mais adulto da pixar.

PS:. Nunca mais olho um boneco Ken sem dar boas gargalhadas.

Milos Morpha comenta... Ensaio sobre a cegueira

2010-06-18T14:22:00.000-07:00

Hoje, pela manhã, morreu José Saramago, o primeiro escritor em língua portuguesa a ganhar o prêmio nobel de literatura. Entre as suas obras mais conhecidas estão: Caim, Ensaio sobre a lucidez, 1993, Interferência na morte e... Ensaio sobre a cegueira. Esse último foi adaptado para os cinemas por Fernando Meirelles (possivelmente o mais consagrado diretor brasileiro). Em 2008 o filme foi vaiado em Cannes. Por mais que eu veja o filme continuo sem achar a razão para um ato tão ofensivo. Meirelles capta com perfeição a emoção dos personagens, nos faz torcer, sofrer, chorar, odiar, e tantos outros sentimentos. O diretor consegue nos envolver em seu filme, algo difícil, algo meritoso, e, por mais que vá ao contrário do pensamento da "crítica especializada", vou continuar a considerar "Ensaio..." um dos melhores filmes de seu ano.

Quem Vigia os Vigilantes? (ou...Milos Morpha comenta...Watchmen)

2010-06-14T16:20:00.000-07:00

Primeiro de tudo, precisa-se ser compreendido a importância de Watchmen para toda a história dos quadrinhos. Tal obra de Alan Moore tem tamanha relevância diante da literatura norte-americana de forma geral a ponto de ser incluída como obrigatória em diversos cursos de qualquer universidade dos Estados Unidos. Em segundo lugar é preciso explicar o porquê da importância, o porquê de Watchmen ser considerado a bíblia dos quadrinhos. O fato: a HQ foi escrita em 1987, nos momentos finais da Guerra Fria, e ela chega a retratar muito abertamente (para a época) o conflito URSS x EUA. Questiona também de forma severa o livre arbítrio e os direitos humanos. O que é certo? O que é ética? Deve-se esconder a verdade por um bem maior? Os fins justificam os meios? E a mais questionada na obra: Quem vigia os vigilantes (em inglês, Watchmen)?

Eis o enredo: Rorschach investiga o assassinato de se antigo colega, o comediante. Este foi jogado de seu apartamento em Nova York, no qual há sinais de luta. Acontece que ambos eram parte de um grupo super-heróis chamado Watchmen, mas no momento o grupo estava aposentado, o que aconteceu devido a pressão vinda da população norte-americana, que os acusaram de serem responsáveis pela morte de Kennedy e pichavam a frase "Who Watches the Watchmen?" ("Quem vigia os vigilantes?") em muros. Toda essa história e diversas outras são contadas em flashback a partir da investigação de Rorschach. O livro envereda pela mente dos personagens com profundas análises psicológicas, tornando impossível acolher ou condenar qualquer um deles em sua própia cabeça. O filho da putismo do Comediante se confronta com sua fragilidade. A ordinariedade do Coruja se confronta com sua inocência. O fato de que Dr. Manhattan vê todos os humanos como insignificantes se antagoniza com seu passado penoso. O narcisismo ególatra de Ozymandias talvez seja compensado por sua maligna tentativa de salvar a humanidade.

E no fim você não entende, definitivamente não é feliz, mas porque haveria de ser triste? Alan Moore demonstrou por A+B que poderia ser pior... bem pior.

(da esquerda para a direita: Comediante, Espectral, Dr. Manhattan, Ozymandias, Coruja e Rorschach)

Milos Morpha comenta... Glee

2010-06-10T12:13:00.000-07:00

Por ser do mesmo criador de Nip/Tuck, a partir do momento que foi anunciado o lançamento de Glee se criou uma gigantesca espectativa ao redor da série. Esperava-se algo genial, inovador, etc, etc, etc. Algumas pessoas devem ter se decepcionado ao perceber que Glee não é nada disso, é simplesmente uma série sobre um coral de escola e seus integrantes. Não se pode, porém, negar alguns trunfos da série, como a narração feitas por diversos personagens e algumas cenas musicais que beiram a perfeição. Glee nos lembra séries da Disney Channel/Nickelodeon, só que sem o puritanismo. Alguns personagens e atores se destacam maravilhosamente na série, Jane Lynch interpreta perfeitamente a treinadora das líderes de torcida (melhor personagem da série) que está constantemente tentando derrubar o clube, Dianna Agron se provou excelente quando cantou "It's a Man's Man's Man's World" da forma mais tocante possível. Segue abaixo uma lista das melhores interpretações de Glee, por ordem cronológica da série (escolhidas por mim), para ouvir basta botar o nome no youtube e escrever "glee" do lado:
"Don't Stop Believin'"
"Bust Your Windows"
"Maybe This Time"
"Hate on Me"
"Sweet Caroline"
"Dancing with Myself"
"Imagine"
"Gives You Hell"
"Like a Virgin"
"Run Joey Run"
"The Boy Is Mine"
"I Dreamed a Dream"
"Poker Face"
"Loser"
"It's a Man's Man's Man's World"
"Bohemian Rhapsody"

Milos Morpha comenta O Curioso Caso de Benjamim Button

2010-06-06T10:37:00.000-07:00

Belo, tocante e profundo, são apenas algumas das palavras que definem este filme. "O Curioso Caso de Benjamin Button" foi bastante criticado por não o ser o marjoritariamente esperado. A pergunta seria: O que se esperava? Seria exigida uma explicação para os estranhos acontecimentos do filme? Seria esperado algo mais direto que as quase 3 horas de duração do filme?
Não, o filme não é perfeito (alias, que filme é?). Seria, de fato, bem vinda uma séria redução na parte do furacão Katrina e Daisy já bastante idosa. Poderiam ter limitado no estilo Titanic a participação dos contadores da história (no filme de Cameron eles apenas aparecem no início e no final). E há momentos monótonos na vida de Benjamin, assim como há momentos monótonos na vida de todos.

O fato é: "Benjamin Button" sofreu diversos preconceitos. É como se os pseudo-intelectuais não aceitassem David Fincher dirigindo algo além de severas críticas ao consumismo exarcebado (Clube da Luta) ou de complexos thrillers que inovam o gênero policial (Se7en e Zodiaco). NÃO, a história do homem que nasce velho e rejuvenesce não é complexa, não é uma crítica a sociedade atual, não lhe obriga a pensar enquanto assiste o filme. Em relação a isso é um filme simples, uma profunda história de amor impossível, entre Benjamin Button e Daisy uma bailarina normal. Essa palavra, normal, parece causar aversão aos votantes da academia. Cate Blanchett nos entrega uma esplendida atuação que foi ignorada por diversos prêmios por não se tratar de nenhuma personagem esquizofrenica ou psicopata ou nazista ou mulher que lida com complicações familiares/religiosas/políticas. Pode não parecer, mas é mais fácil atuar um personagem complicado que um personagem simples. Blanchett nos entregou a simplicidade com profundidade, só isso já a faz uma das melhores atrizes dos dias de hoje.

Milos Morpha aguarda...True Blood

2010-06-02T16:12:00.000-07:00

Já no domingo presenciaremos o retorno de uma das melhores, mais bizarra, trash e viciante série da TV. A 3ª temporada de True Blood estréia, e isso é sim um acontecimento, TB é uma série que merece destaque. Desprovida de grandes atuações/direção de arte/ produção no geral, mesmo assim, as duas temporadas já exibidas conseguem viciar toda e qualquer pessoa que se disponha a assistir.

Eis o enredo: em um futuro próximo, devido a invenção do sangue sintético (True Blood) pelos japoneses, os vampiros se revelam aos humanos, alegando que o consumo de True Blood seria o necessário para a sua sobrevivência, portanto, na teoria, nao morderiam mais seres humanos. Com base nessa realidade, instituições são criadas, entre elas a VLA (Vampire League of America), a favor dos vampiros, e a Fellowship of the Sun (Sociedade do Sol), contra os mesmos. A série ainda mistura mitologias. Bacantes (adoradoras do deus Baco), animorfos (pessoas capazes de se transformar em outros animais) e (na próxima temporada) lobisomens fazem parte do enredo.

Vale também ressaltar a importância de tal série numa época em que a mitologia vampiresca está sendo completamente destruida, estralhaçada, banalizada, acefalizada e exarcebadamente romantizada pela saga Crepúsculo. Só pra nomear algumas diferenças:
1- Vampiros em True Blood não brilham no sol, eles queimam e sofrem.
2-Vampiros em True Blood tem mais de uma expressão facial
3- Vampiros em True Blood não reprovaram em trigonometria, portanto já não estão no colegial.
4- Vampiros em True Blood fazem sexo
5- Vampiros em True Blood são como todos bons vampiros deveriam ser

Lost: Episódio Final - Crítica Completa

2010-05-29T11:02:00.000-07:00

Não era minha intenção fazer um post para o episódio final, mas o comentário de um leitor me fez perceber a importância de fazê-lo. Sobre o episódio, desejo fazer algumas perguntas retóricas.
Nº 1- Quem é que não gosta de fim de novela/série ou do fim de qualquer saga de uma forma geral?
Seja boa ou seja ruim, o final de algo que acompanhamos já a algum tempo sempre vai nos emocionar. Seja pela reunião dos personagens, seja pela nostalgia. Acompanho lost desde 2006, estava sendo exibida nos EUA a 2ª temporada da série, e as pessoas do meu convívio social estavam todas arladeando sobre a série que tinha acabado de começar na globo. Eu pedi para minha tia o Box da 1ª temporada, ganhei e no mesmo fim de semana já tinha assistido metade. Com o passar dos tempos, a medida que eu ia dominando a internet passei a acompanhar a série por essa via. Resumindo, Lost foi a primeira série que eu assisti e isso faz com que ganhe um espaço muito especial no meu coração que roteirista nenhum e temporada nenhuma vai conseguir tirá-lo de lá. Me emocionei SIM com o final, por mais estúpido que fosse. Até porque no arquivo que baixei a pessoa que fez a legenda incluiu um agradecimento pelos 6 anos de madrugadas compartilhadas, me fazendo derramar uma lagrimazinha.
Nº 2- Final feliz é bom né?
E se abriu a porta do céu, é esse o fim de Lost? Não, até porque fica bem claro que toda a realidade paralela é atemporal, como se fosse um tipo de epílogo. O final da série é: Jack morre, Hurley e Ben vão ficar tomando conta da ilha. A realidade paralela era um tipo de visão do paraíso, onde eles estavam todos juntos com a possibilidade de se encontrar, uma ideia meio espírita. O acerto está no sentimento de Ben de que todos lá dentro da igreja (aquela que eles se encontraram pra ir pro céu) odiavam ele, porque o tempo em que a maioria deles passou lá ele era O terror. Outras coisas na realidade paralela não fazem sentido. Eloise, por exemplo, qual era a função dela naquele lugar e porque ela não queria que as pessoas descobrissem a verdade? O filho do Jack era o que? E a pergunta mais importante de todas, porque foi que no início da temporada apareceu a ilha no fundo do mar? E porque foi que Juliet disse: "Deu Certo"?Essa é a prova mais óbvia que os roteiristas decidiram o que ia ser a realidade paralela já durante as gravações.
Nº 3- Quem é que precisa de respostas?
Essa não é retórica, EU preciso de respostas e vou lhes dizer exatamente o porquê. Os roteiristas são pagos para escrever uma série ou um filme. Numa série de comédia a função deles é embutir a comédia no programa com textos que nos fazem rir, assim como a maioria dos trabalhos pelo qual se é pago, uma tarefa difícil pra caralho. Numa série de mistério a função do roteirista é lançar intrigantes mistérios e resolvê-los de forma coerente, assim como a maioria dos trabalhos pelo qual se é pago, uma tarefa difícil pra caralho. Não é aceitável quando um roteirista não cumpre seu trabalho, é muito fácil jogar mistérios se não há a obrigação de resolvê-los. No fim eles recebem o dinheiro por um trabalho incompleto, e os fãs os ajudam defendendo que só idiotas precisam de respostas. Idiotice é aceitar de mãos beijadas o trabalho mal feito de um roteirista quando na sua vida privada, para conseguir sobreviver na sociedade, você ou os seus pais têm que trabalhar duro. Simplesmente não é justo.

A série valorizou bastante mistérios como as habilidades do Walt, a história da Dharma e dos outros. E isso tudo foi cruelmente ignorado no fim. Foram 5 anos centrados em coisas que não tiveram nenhuma relação com o final. Isso é ridículo pela simples ideia de Lost, uma série de ficção científica recheiada de mistérios que envolvem princípios físicos terminou com uma explicação lastimável. E é tal lástima que representa esse final na série. Uma pena, o que poderia ter sido o maior evento da história da televisão se tornou a maior decepção.

Milos Morpha comenta... 24 horas

2010-05-25T15:44:00.000-07:00

Antes de escrever esta postagem devo dizer que vi apenas 5 das 8 temporadas de 24 horas.

Em 2000 surgiu a ideia de que fosse feita uma série em tempo real, ao contrário do que se pensa tal ideia não era exatamente o que viria a ser 24 horas, era "The Big Day" uma comédia que se passa no dia do casamento de seus protagonistas. Não emplacando, a comédia deu lugar à ação, e a ideia passou a ser encarnada por 24 horas, cujo o herói, Jack Bauer, teria esse tempo para salvar os EUA.
Apesar das críticas de ser um tanto forçado, 24 horas inovou e, principalmente, ousou. Pois vale lembrar que a série estreiou pouco depois dos atentados do WTC, na época terrorismo era um assunto muito delicado. Embora uma série que faça apologia a tortura, sempre demonstrou indiretas a favor do partido democráta. Basta lembrar que no enredo David Palmer era um heróico presidente democráta, e, na 5ª temporada, o presidente republicano era retratado como estúpido, ao ponto de quem assistir a série acabar por apelidalo de "Presidente Bundão".
Quero dizer: 24 horas é aquela série a qual sempre nos deixou ansioso pelo próximo episódio. O fim dela (assim como, inevitavelmente, o fim de Lost)é o fim de uma era para a TV americana.
Claudia Croitor, do blog Legendado diz: "Esse é o último podcast como nós o conhecemos, pois agora não haverá mais Lost nem 24 horas para se comentar, não sei qual será o destino desse, e de tantos outros blogs"
24 horas, descanse em paz

Milos Morpha Comenta... Monty Phynton

2010-05-23T09:21:00.000-07:00

Conversando com alguns amigos me dei conta de como são poucas as pessoas que conhecem Monty Python. Ah... você também não conhece?
Então deixe-me definilos para ti. Monty Python é simplesmente um dos grupos de comediantes mais escrotos e geniais (e hilários) que se tem notícia no planeta. Formado pelos britânicos John Cleese (Saga Harry Potter), Eric Idle e Terry Gilliam (diretor de Os Irmãos Grimm e Brazil), esses fazem uso da ridicularidade e da estupidez já existente nas pessoas como base para a comédia. O grupo chegou a lançar 3 longas metragens que fazem grande sucesso até hoje. O primeiro deles foi "Monty Python em Busca do Cálice Sagrado", no qual é narrado a aventura do Rei Arthur e seus cavaleiros da távola redonda. História essa que, é claro, sofreu algumas (hilárias) alterações. Sendo esse filme despido de qualquer objetivo crítico/político. Diferente, portanto, da série de TV feita pelo grupo anteriormente. Tal série criticava ardualmente (e hilariamente) a política e os costumes da Inglaterra de sua época, o que a torna pouco compreensivel para nós, brasileiros dos dias de hoje. Seu segundo longa foi "A Vida de Brian", sobre um rapaz que nasce no mesmo dia que Jesus Cristo, na manjedoura vizinha. Brian parece seguir os mesmos passos do messias, o que o leva a se envolver com uma organização de pessoas contrárias ao imperialismo romano (fazendo uma metáfora com os EUA) e termina sendo também cruscificado. No último longa, "O Sentido da Vida", o grupo finalmente leva todo seu espírito crítico para o cinema, sendo uma união de curtas que supostamente deveriam seguir o mesmo tema. "O Sentido da Vida" tem várias cenas musicais que de tão sensacionais (e hilárias) permeiam no nosso pensamento. Como, por exemplo, a música "Every Sperm is Sacred" (Todo esperma é sagrado). Que está postada abaixo como argumento final:

Milos Morpha Esculhamba...Lost

2010-05-17T16:35:00.000-07:00

Antes que comecr os xingamentos de leitores raivosos (pois não importa o quão pouco popular um blog venha a ser, ao se falar mal de lost, atrai leitores raivosos). Deixe-me expressar todo o amor que eu tinha por essa série. Então... eu amava MUUUUITO essa série, cheguei a viciar pessoas e arrastá-las para o poço dos viciados comigo (um caso em particular foi por vingança). Não a nada melhor para você oferecer à alguem que odeie que Lost, faça-o(a) amar a série, é fácil até a 3ª temporada, depois simplesmente observe o seu gradual sofrimento enquanto a mesma piora e piora e piora, deve-se ficar avisado do alto risco de suicídios pelo qual VOCÊ pode ser responsável.
Decidi anunciar aqui que eu parei de ver Lost, um dia talvez eu veja o que ficou faltando, mas por enquanto existem outras séries no mundo que merecem minha atenção: The Office, 30 Rock e até 24 horas é apenas o início de uma loooonga lista. Parei! Até mesmo porque quero manter em minha cabeça a imagem de lost como algo genial, interessante, surpreendente, e imperdível, a imagem que eu tinha durante a maior parte da série. Momentos bonitos e chocantes vão reinar em minha mente, nada do Jacob atual, mas sim do Jacob invisível, ou falso Jacob. Nada do Charlie paralelo, mas sim o Charlie que se fez merecedor de lágrimas na 3ª temporada da série. Sem Desmond viajante do tempo, e sim o Desmond bêbado, frustrado e esperançoso. Não quero saber de monster Locke, quero de volta o Locke que gritou nos pés da escotilha, implorando por um sinal, uma das mais belas cenas da TV americana. Muito menos monster Sayid, eu me ajoelharia diante dos roteiristas pela volta do Sayid apaixonado, confuso e assustado consigo mesmo.
É isso, Lost permanecerá na minha memória como algo a ser respeitado e recomendado, pois vale a pena, é uma ÓTIMA série, a 6ª temporada não deve ser considerada parte da obra. Vou continuar a ignorá-la e ter esperança que algum dia alguem acorde com uma ideia tão boa quanto a de J.J. Abrams, para nos encantar por 5 anos novamente.

Post do Batman

2010-05-16T12:23:00.000-07:00

Enquanto meu colega de equipe veio aqui se lamentar, eu só tenho o que me gabar. Tá bom que no início foi um pouco difícil, eu era uma piada, minha série era colorida com vilões cômicos e vestimentas pra lá de trash. Foram décadas nas quais minha imagem permaneceu assim, bastante ridicularizado eu optei por me esconder. Só no fim dos anos 80, quando a homofobia começou a entrar em decadência, Tim Burton decidiu me trazer de volta para as telonas. Suas intenções certamente eram boas, maaas, nem tudo são flores, mesmo que os dois primeiros filmes tenham sido bem sucedidos, a essencia do personagem ainda não havia sido alcançada, tudo continuava muito cômico. O fim dessa era foi simplesmente lamentável, George Clooney vestiu uma fantasia com mamilos, o governador da califórnia interpretou o vilão mas estúpido do cinema, e uma nova ferramenta foi acrescentada: o bat-cartão de crédito.
Depois disso amigos, pensei ser o fim, julguei que ninguem jamais abriria outra revista minha. Mas um anuncio me fez sorrir de novo, Christopher Nolan anunciou que dirigiria um filme meu, e que filme senhores, que filme. Finalmente alguém entendeu QUEM era o Batman, que ele era de fato um cavaleiro cinza. Estou no auge novamente amigos, e se continuar dependendo de Nolan, acho que me mantenho no auge por um tempo...

Milos Morpha Apresenta... O Rebu

2010-05-13T15:53:00.000-07:00

Hoje, nossa imagem da teledramaturgia é de algo ruim, nos mais variados sentidos possíveis. Péssima narrativa, falta de criatividade, personagens vazios. Voltemos um pouco no passado e olhemos essa novela que, aparentemente, quebrou as regras do gênero, algo muito avançado até pros dias de hoje:

- Novela de Bráulio Pedroso, O Rebu representou uma ousada tentativa de inovação na teledramaturgia brasileira. Em sua mansão no Alto da Boa Vista, no Rio de Janeiro, o banqueiro Conrad Mahler (Ziembinski) organiza uma festa para recepcionar a princesa italiana Olympia Buoncompagni (Marília Branco). Ao amanhecer, os convidados descobrem um cadáver na piscina da mansão, e forma-se então o cenário perfeito para uma história policial.
- A grande surpresa estava na estrutura narrativa da novela: todos os seus 132 capítulos transcorriam durante 24 horas, em seqüência não-cronológica: a noite da festa e o dia seguinte, com a investigação policial. A ação se dividia entre as investigações da polícia e os acontecimentos ocorridos durante a festa, sobre os quais o telespectador era informado através das cenas em flashback dos personagens. Qualquer um dos 24 convidados e outras pessoas que estiveram na mansão durante a festa eram suspeitos.
- Outra novidade de O Rebu era que além da identidade do assassino e da razão do crime, questões mais ou menos tradicionais em uma trama policial, o telespectador também não sabia desde o início quem havia sido assassinado. Durante vários capítulos, o cadáver permaneceu na piscina, boiando de bruços. Pelos cabelos curtos da vítima, podia-se presumir que o corpo fosse de um homem, mas mesmo essa certeza deixou de existir depois que uma das cenas em flashback mostrou uma brincadeira acontecida durante a festa: algumas mulheres cortaram os cabelos e vestiram roupas masculinas. Só no meio da novela, através de uma tomada submarina, foi revelado que a vítima havia sido a jovem Sílvia (Bete Mendes).
- O próximo passo era desvendar a identidade do assassino, mas isso só foi possível no capítulo final, quando se revelou que o crime fora cometido pelo anfitrião Mahler. Ele matou a jovem por ciúmes dela com Cauê (Buza Ferraz), rapaz que vivia sob sua proteção.

Pois é, essa não passa no vale a pena ver de novo...

Tropa de Elite - Crítica Completa

2010-05-10T15:40:00.000-07:00

Antes de começar a resenha crítica é preciso que se entenda, Tropa de Elite tem potencial para ser o filme mais complexo de toda a filmografia nacional. É difícil, inclusive, escolher um caminho para começar, sugiro então iniciar pela análise do maestro da orquestra, o diretor, José Padilha.
Padilha foi responsável, em 2000, pelo que talvez seja o melhor documentário feito no país: Ônibus 174. A película é a fotografia do cemitério de vivos que é o Rio de Janeiro, crianças invisíveis, sedentas por atenção. O filme mostra que cada ato de violência cometido por um jovem da favela, pode ser interpretado como um clamor por reconhecimento.
Tropa de Elite não chega a discordar da ideia do documentário mencionado, o filme envereda pela relação policia/favela, mostra a delicadeza que é se tratar do assunto, fala do alto perigo da favela e da hipocrisia daqueles que cheiram pó e ao mesmo tempo vão à uma passeata contra violência. O filme ainda conta com a explêndida atuação de Wagner Moura que, como o resto do elenco, parece ter se entregado de corpo e alma para o papel.

Porque então eu falei que o filme era uma bosta? O culto que se fez ao redor do filme não analisava os erros do BOPE, a hipocrisia denunciada, nada disso. Tudo o que se comenta como trunfos do filme é a violência exarcebada, os fãs em geral idolatram as atitudes do BOPE e cantam com vontade a letra: "Entrar na favela e deixar corpo no chão". Deturpando o que eu acho ser a ideia inicial de Padilha, não acho que ele deu em nenhum momento do filme razão ao BOPE ou sequer ao Capitão Nascimento, ele deixou os dois lados como opostos sem definir o bem ou o mal. Porém nas ruas o nazi-facismo dos policiais do BOPE era algo aclamado como certo.
Más interpretações de grandes ideias são comuns, Jesus Cristo e Maomé estão aí como exemplo, os dois são até hoje muitíssimos mal interpretados pelas suas respectivas igrejas, responsáveis por muito preconceito, fanatismo e mortes. Por isso me recuso a falar bem de Tropa de Elite, não quero que se propague a ideia que se fez do filme.

Milos Morpha apresenta... Kick Ass - o filme

2010-05-10T15:02:00.000-07:00

Título Original: Kick-Ass
Direção: Matthew Vaughn
Roteiro: Jane Goldman & Matthew Vaughn
Elenco: Nicolas Cage, Mark Strong, Christopher Mintz-Plasse, Chloe Moretz
Data de Lançamento: 11/06/2010
Sinopse: Estudante decide se reinventar, costurar uma fantasia e se tornar um super-herói no mundo real. Kick-Ass, codinome usado pelo inocente garoto, parece fadado ao fracasso por não ter o tipo físico dos heróis e nem as habilidades especiais até perseguir bandidos com suas armas de verdade.
Slogan: I can't read your mind. But I can kick your ass

Comentário: O filme já fez sucesso nos EUA e a graphic novel no qual é baseado é considerada uma das melhores da Marvel. Já foi confirmado uma continuação: Kick Ass 2: Balls on the wall.

Opiniões da crítica:
"Kick-Ass começa por trazer os super-heróis ao nível realístico da ilusão inocente ou da meticulosa obsessão."
"O surpreendente e revitalizante Kick-Ass é indiscutivelmente uma das maiores surpresas qualitativas do primeiro semestre desta temporada cinematográfica."

Sobre a bilheteria de estréia nos EUA:
"A animação da DreamWorks (Como treinar seu dragão) entra num empate técnico com a estreia de Kick-Ass, que rendeu $19.8M, com um orçamento de 30 milhões de dólares. O filme de Matthew Vaughn tem resistido a todo o hype e conta com críticas positivas."

Pois é, podemos esperar que um dos melhores filmes baseados em HQ chegue ao Brasil em junho, vamos torcer para que os cinemas daqui não excluam o filme do grande circuito!

Resumão da Semana

2010-05-09T17:15:00.000-07:00

Melhores Coisas do Mundo: O filme é uma das maiores bostas feitas pelo cinema brasileiro e... está tendo as melhores críticas desde, sei lá, Tropa de Elite? Ou seja, duas bostas com ótimas críticas. Continuando, o filme fala do quão complicada é a vida do adolescente Neco, com o seu pai gay e irmão suicida (Fiurk). O quão difícil é ser jovem quando tem uma doida na sua escola que fica fazendo vídeos e postando num blog sem noção (como ela não foi morta, ninguem sabe). Boas atuações NÃO salvam um péssimo roteiro, "Dúvida" (aquele com Meryl Streep em que todo o elenco foi indicado ao oscar) é a exceção da regra, e só. Pois os adultos de hoje acreditem se quiserem, os adolescentes, atualmente, não são assim tão imaturos.

O Bem Amado: Guel Arraes é um dos poucos diretores que hoje me fazem ter orgulho do cinema brasileiro. Lisbela e o Prisioneiro por exemplo, uma obra prima da sétima arte, a trilha sonora do filme é absolutamente impecável, o elenco e o cenário se fundem com uma harmonia excep... Ops, vamos deixar Lisbela de lado e nos focar nessa adaptação cinematográfica da teledramaturgia.
O Bem Amado foi, nos anos 70, uma das poucas novelas que criticava abertamente a ditadura militar. Conta a história do prefeito Odorico, que ganhou as eleições baseado na promessa de construir um cemitério na cidade, feito a obra restava apenas um detalhe, alguem precisava morrer na cidade para que o cemitério fosse inaugurado. A trama ainda traz personagens que se tornaram clássicos na novela como Zé Borboleta e as irmãs Cajazeiras, três solteironas e amantes de Odorico. A comédia e as atuações teatrais são o maior trunfo do filme, que conta com a participação de Marco Nanini, Matheus Nashtergaele, Caio Blath, Maria Flor (de chapinha), Andréa Beltrão e José Wilker. Não chega a ser um dos melhores de Arraes mas vale um ingresso.

The Office 5ª temporada:
The Office é, hoje, provavelmente a melhor série de comédia no ar, seguido de perto por 30 rock. Deixe-me explicar o porque. Começando pela ideia geral da série, o cotidiado de um escritório de uma grande revendedora de papéis dos Estados Unidos, não tão comum justamente pela irreverência daqueles que lá trabalham. Entre eles, o chefe sem noção Micheal Scott (Steve Carrel) e o seu puxa saco oficial Dwight Schrutte (Rainn Wilson). A série ainda foca na relação entre o vendedor Jim e a recepcionista Pam.
A inovação maior, porém, é no fato da filmagem ser feita de modo documental, o câmera é um personagem que nunca fala ou aparece, mas os outros personagens dão entrevistas e se comunicam com ele, quando querem ter uma conversa privada eles se escondem da câmera, essa relação deixa a série ainda mais divertida.
A 5ª temporada é aquela que, até agora, trouxe mais novidades pra série, Ryan (o estagiário) volta ao elenco pricipal, Micheal namora o que parece ser a mulher ideal para o própio e tenta abrir sua própia empresa (aventura que trouxe significativas e permanentes mudanças na trama), e o relacionamento de Dwight com a contadora crente, Angela, finalmente se resolve. A maior surpresa, no entanto, é guardada para a última cena.
Tá aí, uma das séries mais completas da tv, serve pra quem gosta de comédia, romance e nerdices em geral. Sendo uma das poucas séries que alcançam uma 5ª temporada com classe, altamente recomendada.

Post do Clark

2010-05-08T11:16:00.000-07:00

Nunca fui um sujeito complicado, na minha vida eu consigo dar um jeito em tudo (ou, pelo menos, os roteiristas conseguem), se meus amigos morrem eu nem sequer choro, pois já sei que em menos de uma temporada eles reaparecem. Mas a vida boa e fácil está prestes a acabar, Smallville teve recentemente a menor audiência das 9 temporadas, e é por conta disso que venho lhes falar.
A internet é o melhor jeito de apelar aos fãs (antes disso o caminho mais favorável era o Fantástico ou as revistas de sacanagem), e aqui estou eu, acredite, de joelhos, implorando para que vocês voltem a assistir a série. Eu JURO que faço o que vcs quiserem, vou seguir todas as sugestões que recebi das fãs, e veja bem, a lista é longa.
1º- Para atender os desejos de ambos os sexos faremos o seguinte roteiro: Um vilão maligno e tarado invade smallville, seu objetivo é fazer com que todas as roupas evaporem, e ele consegue! Todos os personagens: eu, Lana, Chloe, Lois, a nova vilã gostosa, e os inúteis meteor freaks, alguns conseguiram escapar, entre eles minha mãe e o pai de Lex. E... Ah... o vilão tem outro poder, fazer todo mundo ficar tarado. O episódio inclui uma cena de sexo entre Lois e Lana!
2º- Lana vai morrer de vez, mas antes disso ela vai se apaixonar por Lois e elas vão ter um caso. Ou seja, Lana só vai voltar a série em flashbacks e nos sonhos de Lois.
3º- Eu voarei, sério.
4º- Com base no sucesso de outras séries, Smallville vai se tornar um drama médico, desistirei da carreira de jornalista pra ser oncologista. E mais, a série vai mostrar o quanto a vida feminina é difícil. Ah, sim, algo vai acontecer e vai abrir um monte de mistérios e os personagens envolvidos vão ter flashbacks de sua vida, um personagem por episódio e o novo vilão vai ser um monstro de fumaça e os episódios vão ter tempo real e vai ser uma comédia com risadinhas por trás.
Pronto galera, se isso não trouxer a audiência de volta, eu oficiamente desisto.

Porque Muse é uma das melhores bandas de hoje em dia, e porque você deve amar Jack White.

2010-05-06T18:05:00.001-07:00

(Sorry pelo título grande, não tive ideia melhor)

(Eu to postando vivaaaaa)

Um dia desses eu tava lendo sobre música na internet, e me deparei com algum desses concursos idiotas da MTV, Battle of Bands ou algo parecido. Como sempre não merecia muito crédito mas me deparei com uma situação interessante.

Muse X The White Stripes.

Duas bandas que se formaram mais ou menos na mesma época e que estão no mainstream por assim dizer, elas tem algumas coisas em comum como seus frontmans multi-instrumentistas, mas ao mesmo tempo são opostos. De um lado a megalomania dos britânicos do Muse e de outro a simplicidade dos americanos White Stripes.

Muse

Matthew Bellamy - Guitarra, Vocais, Piano, Frontman e Compositor.

Christopher Wolstenholme - Baixo, Vocais e Guitarra.

Dominic Howard - Bateria e Percussão

Discografia:

Showbiz (1999)

Origin Of Symmetry (2001)

Hullabaloo (2002)

Absolution (2003)

Black Holes and Revelations (2006)

HAARP (2008)

The Resistance (2009)

Bem, o Muse é na minha opinião uma das melhores bandas da atualidade. Pode não ser tão inovador como o Radiohead, nem tão acessível como Strokes ou Franz Ferdinand, mas a verdade é que eles tanto ao vivo quanto no show botam pra quebrar com as suas influências que vão do Grunge ao progressivo. A energia de músicas como Time Is Running Out e Stockholm Syndrome é uma coisa realmente do outro mundo. Matt Bellamy impressiona desde seu virtuosismo na guitarra, aos seus gritos em falsetto, que misturado com o peso da batida de Dominic Howard e Chris Wolstenholme fazem um

a mistura perfeita. Talvez o último álbum "The Resistance" não tenha sido a melhor coisa que eles já tenham feito, mas é fato de que foi um álbum corajoso, e que embora seja meio chato ou megalomaníaco ou até meio pop demais em algumas horas ainda sim é um grande álbum.

The White Stripes

Discografia:

Jack White - Guitarra, Vocais, Piano, Frontman e Compositor.

Meg White - Bateria, Percussão e Vocais.

Discografia:

The White Stripes (1999)

The Stijl (2000)

White Blood Cells (2001)

Elephant (2003)

Get Behind Me Satan (2005)

Icky Tump (2007)

Sobre White Stripes não há muito o que falar. O dupla de rock com um relacionamento mal resolvido tem recebido grandes avaliações positivas dos mais diversos tipos. Afinal, quem nunca ouviu Seven Nation Army? A simplicidade das gravações low-fi, dos pedais e das guitarras vintage, são uma combinação imperdível. A dupla carrega o estilo e a essência do Garage Rock em tudo que eles fazem, desde sua música, às duas cores o seu estilo e tudo mais. É muito difícil pensar que só são duas pessoas que fazem aquilo.

E quem merece ganhar afinal? No quesito banda, eu acho que o Muse ganha. Sem querer desmerecer ninguêm mas é meio idiota comparar Meg White a Chris Wolstenholme e Dominic Howard. Sobre os dois frontman multi-instrumentistas, por mais que eu goste de Matt Bellamy eu tenho que adimitir que Jack White se sai melhor nessa pelo simples fato de que absolutamente TUDO que ele faz ou se envolve tem quase 100% de chance de dar certo. De seus projetos paralelos The Raconteurs e The Dead Weather até trilhas sonoras com Alicia Keys. Ele é realmente único e se mais pessoas fossem como ele a música não estaria do jeito que está. Como Jimmy Page do Led Zeppelin sabiamente falou: Ele é um herói para novas e velhas gerações de guitarristas. Falando da fidelidade ao rock e à sua história, White Stripes se sai obviamente melhor.

Creio que o prêmio fique com The White Stripes. O "Icky Tump" é beeem melhor que o "The Resistance" afinal.

(Na semi-final do Battle of Bands quem ganhou foi o Muse. O que é irrelevante porque eles perderam logo na próxima rodada pra o My Chemical Romance. Como eu disse esses concursos da MTV e de coisas afins são idiotisse.)

Ah sim, abaixo um clipe de cada banda.

Seven Nation Army - The White Stripes

Knights Of Cydonia - Muse

Milos Morpha apresenta... Happy Town

2010-05-03T11:01:00.000-07:00

"A nova série da ABC é ambientada em Haplin, uma pequena cidade americana que se tem conseguido manter relativamente tranquila após uma série de misteriosos desaparecimentos que nunca foram resolvidos, no entanto, tudo isso está prestes a mudar quando uma série de misteriosos eventos criminosos ameaçam novamente a estabilidade emocional desta localidade.

Cinco anos atrás, um homem conhecido como Magic Man sequestrou vários moradores da cidade de Haplin, os quais nunca foram encontrados. Agora, apesar da calmaria, a cidade ainda é assombrada pelas lembranças do passado e tudo está prestes a piorar. Um novo e hediondo crime acontece e todos os moradores tem segredos escondidos, então quem estaria por trás do mais novo crime? O Magic Man ou outro morador? E por que?

Já tá disponível o piloto pra download, estão falando que é a nova Twin Peaks."

Promo da Série:

A série já estreiou, a audiência ainda não se mostra satisfatória.

Resumão da Semana

2010-05-02T15:05:00.000-07:00

Homem de Ferro 2:
A ideia da Marvel de juntar os heróis do seu universo está dando certo, e o segundo filme de Tony Stark (Robert Downey Jr., com seu charme costumeiro) é a prova disso. Nessa sequencia, o herói está respondendo ao governo americano pelo porte de sua armadura, ao mesmo tempo que é atacado por Ivan Vanko (o carismático, Mickey Rourke) que parece ter bastante conhecimento sobre a tecnologia do herói. No decorrer da trama, Stark ainda tem que lidar com a SHIELD representada por Nick Furry (Samuel L. Jackson) e Natasha Romanoff ( Scarlett Johansson, sempre sexy, um dos trunfos do filme).
A película supera seu antecessor, talvez por não ter a obrigação de nos falar da origem do herói. Referencias à outros heróis como o escudo do Capitão América e a própia SHIELD (que nos quadrinhos foi o que originou os vingadores), além de divertir os fãs, nos dá a certeza da aproximação de um longa metragem dos vingadores.

Bolt - O Supercão:
A Disney tem fases distintas em sua filmografia. É apropiado dizer que Bolt é o início de uma nova fase Disney, porém, muito cedo para saber qual seria essa fase. A animação conta a história de um cachorro que era ator em uma série de TV, no programa ele possui super poderes, o problema é que o cãozinho acha que o mundo da TV é o mundo real, e que ele tem de fato super poderes. A trama começa quando a sua dona é sequestrada no fim de um episódio do programa, o cão foge com a ideia de resgatá-la e acaba indo para acidentalmente no caminhão para Nova York. Lá ele conhece uma gata de rua que se assemelha ao gato do vilão do programa, e a obriga a lhe levar de volta para Hollywood, na viagem eles conhecem Rino, um Hamister fã da série de Bolt. É feliz poder dizer que, depois de tantos fracassos, a disney voltou a fazer filmes criativos, inteligentes e bonitos. Que Bolt seja apenas o início de uma nova e longa era.

Cleveland Show 1ª temp:
O personagem Cleveland Brown da série Uma Família da Pesada, lançou em 2009 seu spin-off: The Cleveland Show. Nele, o personagem volta para sua terra natal e se casa com sua amiga de colegial que já tem 2 filhos. O desenho é mais uma vez uma sátira da instituição familiar americana, dessa vez inclusive da religiosidade exarcebada e do preconceito racial mascarado. Também com humor negro, a série diverte e garante boas risadas.

Post da Marjane

2010-05-01T07:51:00.000-07:00

Meus quadrinhos revelaram para muita gente o fato de que HQs não são apenas para crianças ou de super heróis. Porém para muitos quadrinhos ainda são revistas coloridas, cheias de arte sofrível, aventuras idiotas e heróis de colante, a maioria prefere ler "livros de verdade" e se acha muito velho para os quadrinhos. Se as pessoas não compreendem essa mídia é porque têm uma definição estreita demais da mesma. Encontrando a definição adequada seria possível invalidar os estereótipos e demonstrar que o potencial dos quadrinhos é ilimitado e emocionante. Pois seu mundo é imenso e variado, nossa definição deve abranger todos esses tipos. "Quadrinhos" é um termo que merece ser definido, porque se refere ao meio em si, não a um objeto específico como "revista" ou "gibi". HQs não significam somente super heróis ou comicidade. A história em quadrinhos assim dita pode ser artística, séria e adulta. Por exemplo:
Persépolis: Minha própia Graphic Novel, a história da minha vida, fui uma menina iraniana que viu o país passar pelas mais diversas transformações políticas.
Black Hole: Uma analogia bastante direta à AIDS ocorre quando um vírus transmitido sexualmente passa a causar deformações nas pessoas.
Maus: Uma releitura crua do holocausto, os judeus representados por ratos e os nazistas por gatos.
Gen- pés descalços: Um retrato autobiográfico de Hiroshima durante a 2ª guerra mundial.

Aquecimento -True Blood

2010-04-27T14:29:00.000-07:00

Então, faltando bons 2 meses pra estréia da 3a. temporada da minha série favorita de vampiros, resolveram liberar um "minisode" de 3 minutos e meio: em "A Drop of Trueblood" vemos Eric e Pam fazendo uma "audição" pra contratar nov@s dançarin@s pro Fangtasia.

Lembrando, True Blood volta dia 13 de Junho, somente no HBO.

Séries de Segunda - "United States of Tara"

2010-04-26T10:35:00.000-07:00

Se você é daqueles que não curtem séries politicamente incorretas (californication, dexter, weeds, six feet under, etc.), então passe longe de United States of Tara, série que estreou ano passado no controverso canal Showtime, e já está no meio da segunda temporada.

Com a excelente Toni Collette no papel (ou seria "nos papéis?") principal, a comédia narra a vida de Tara Gregson, uma dona-de-casa e mãe de dois adolescentes (o excêntrico Marshall e a despretensiosa Kate), que sofre de uma doença mental chamada Transtorno Dissociativo de Personalidade - ou seja, a qualquer momento, em qualquer lugar, se submetida a uma situação de stress, ela pode "se transformar" em uma de suas múltiplas personalidades. Apesar de conseguir manter sua condição sob controle enquanto está medicada, Tara resolve, com apoio do marido Max e de sua familia, parar com os remédios e descobrir, explorando a fundo, as reais causas de sua patologia, buscando uma chance de tentar conviver com a sua doença. Na contra-mão disso tudo, sua irmã Charmaine é contra este "leap of faith" de Tara, e por vezes questiona se a irmã está realmente doente...
Em vários aspectos, USoT nos lembra outra "cria famosa" de Diablo Cody, Juno: ambas contam histórias de mulheres que provocam ânsia de vômito na sociedade tradicional, mas enquanto juno recebeu críticas por tratar um tema sério como a gravidez na adolescência com humor, o mesmo pode ser dito da maneira como a doença mental de Tara é abordada na série, já que é aí onde ela se apóia. Entretanto, parte da habilidade de Cody é também de amenizar assuntos tabus para que possam ser discutidos de uma maneira mais leve entre os protagonistas, e assim também há espaço para enredos secundários, como o de Marshall, o filho gay que está saindo do armário mas ainda não é 100% certo de suas escolhas, ou a própria Charmaine, que parece invejar a relação de Tara e Max, e está sempre à "caça" de um potencial bom marido.
Sendo assim, acredito que Cody conseguiu criar uma premissa interessante para a série, mas vamos precisar ver mais do que simplesmente a luta pela "integração" de Tara :para nos manter interessados a criadora da série precisará trabalhar também estes personagens secundários, construindo e desenvolvendo sua complexidade na trama. Com um elenco incrível e com produção do Steven Spielberg, United States of Tara tem tudo para fazer sucesso e ter muita audiência, mas ainda é cedo pra dizer se este potencial será correspondido.

BÔNUS: +FAVORITOS!

Ontem eu estava ocupado pensando num novo layout pro blog (que já está no ar!) e não deu - mais uma vez - pra escrever a +Favoritos no dia certo. De qualquer forma, revoluciono e deixo, ao invés de uma sugestão de filme/série, uma banda, Tinted Windows: formada em 2009 pelo guitarrista James Lha (ex smashing pumpkins), o vocalista Taylor Hanson (Hanson), o baixista Adam Schlesinger (Fountains of Wayne) e o baterista Bun E. Carlos (cheap trick). Assistam o clipe de "Kind of a Girl" - clique aqui -, música de trabalho do cd que leva o mesmo nome da banda.

Resumão da Semana

2010-04-25T16:43:00.000-07:00

Coração Louco:
Fui bruscamente tirado dos meus estudos na última segunda-feira por meu estepe, Mãria, para ir ao cinema ver esse filme. Interessante e charmoso para dizer o mínimo, uma câmera que filma realisticamente, atuações soberbas. Pessoas feias, em lugares feios, histórias tristes, me lembra outros filmes como, por exemplo, O Lutador. É mais ou menos o modo como pretendo filmar meus dois projetos engavetados, "Cadu" e "Duda".

Rain Man:

Os filmes representam uma época cinematográfica mesmo das formas mais sutis possíveis. Rain Man veio de um tempo em que o cinema tentava mostrar com o máximo de simplicidade o significado do amor. Desta mesma época veio por exemplo Kramer vs. Kramer. E é basicamente isso que tenho a dizer sobre esses filmes, são simples e belos.

Weeds 3ª temporada:
Little Boxes... all in fire, little booooxes making tic tac...
É isso aí... tudo que é bom dura pouco. Infelizmente devo dizer o mesmo de Weeds, a série deixou de ser a comédia de humor negro do subúrbio para ser drama complexo do subúrbio. A história da viuva de classe média que virou traficante já não nos faz rir, nessa temporada ela choca e lhe dá raiva. Mas não deixa de ter qualidade, principalmente no que se trata do plot de Shane.

Confira a abertura

Caetana - Peça de Moncho Rodrigues
Finalmente eu li a peça Caetana, com diálogos de 1ª qualidade, conteúdo dramático de ponta, um texto de cair o queixo. Só me fez a vontade de ver a peça pelo menos uma vezinha.

Música da Semana:
Delírio Carioca - Os Cariocas

Post do Peter

2010-04-24T13:33:00.000-07:00

Como minha vida nos quadrinhos está um tanto confusa, minha vida nos cinemas um tanto NX Zero, meu destino permanece incerto em ambas as mídias. Venho por meio deste me defender, lembrar a todos vocês que embora hoje eu esteja em uma realidade paralela, ressucitado ou qualquer porra que seja, foi através de mim que ocorreu a primeira ousadia dramática dos quadrinhos. Estou falando da morte da minha ex-namorada loirinha (um pituzinho) Gwen Stefani, opa, Stacy.
Pra quem é novo demais pra lembrar (eu teoricamente deveria ser), a morte de Gwen fez o maior bafafa. Só tô deixando claro que embora hoje eu esteja com essa gripe-de-heroes, EU fui o primeiro polemizador dos quadrinhos, EU. Não foram os X-men defendendo o "terrorismo", não foi homossexualismo de Batman, fui EU e a loira. Mas como a marvel tem um puta problema para lidar com crises (sinceramente, what the fuck? qual era o problema de continuar o universo proposto pela Guerra Civil hem?).
Vou me aposentar dos quadrinhos, ser herói voluntário pela vida real, esses terremotos e tantos outros desastres de 2010 mostram o quanto posso ser útil na vida real, formarei uma liga de super-heróis em prol da humanidade! "Com grande poderes vem grandes responsabilidades". Hão de ver!

Filmes de Quinta - "sweeney todd"

2010-04-22T12:14:00.000-07:00

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Sweeney Todd: They all deserve to die. Tell you why, Mrs. Lovett, tell you why! Because in all of the whole human race, Mrs. Lovett, there are two kinds of men and only two. There's the one staying put in his proper place and one with his foot in the other one's face.

Sweeney Todd (2007) é, antes de qualquer coisa, um filme do Tim Burton. E um filme do Burton, até quando é ruim, é bom. É como o Tarantino ou o Shyamalan: no meu conceito, eles serão sempre bons, não importa o quanto eles façam porcarias - mas isto aqui não é o +favoritos. Este é mais um filme onde Tim trabalha com o gênero musical (depois de "O estranho mundo de Jack", "Noiva Cadáver" e "A Fantástica Fábrica de Chocolate"), e mais uma parceria entre ele e o Johnny nas telonas.

"O Barbeiro Demoníaco da Rua Fleet" conta a história de Benjamin Barker, um barbeiro que é casado com Lucy, e que juntos têm uma filha, Johanna. A beleza de Lucy desperta a cobiça do Juiz Turpin, que acusa Barker falsamente de um crime. O barbeiro é sentenciado a 15 anos de exílio na Austrália, enquanto o Juiz corrupto fica livre para abusar de Lucy e roubar a filha do casal. Depois de cumprir sua sentença, Barker retorna disfarçado, buscando vingança: assume a nova alcunha de Sweeney Todd, e descobre, através da Srta. Lovett, que sua esposa cometeu suicídio anos atrás e sua filha está sob a guarda de Turpin. Todd então reabre sua barbearia sobre a loja de tortas da Srta. Lovett e começa a por em prática seu plano de vingança sobre aquele que destruiu sua família e sua vida.

Apesar da dobradinha Burton-Depp por si só já garantir excelência na execução e capricho nos detalhes, parece que dessa vez Burton pesou um pouco a mão: enérgico, soturno, vitoriano, violento... Aparentemente, ele não conseguiu muita empatia do público na maneira que resolveu contar esta história - entretanto, é inegável a qualidade e superioridade técnica da produção em relação as outras da mesma época: Apesar de seguir um todas as regras básicas presentes em um musical, Sweeney Todd se destaca, tendo inclusive conquistado uma estatueta da academia na categoria de Direção de Arte. E isto justifica aquilo que já sabíamos, que é nisto que Burton é bom: o desconcertante, diferente, repugnante, obscuro - é neste terreno que o diretor consegue justapor perfeitamente horror e inocência.

E ele explora suas marcas visuais "registradas" com bravura em Sweeney Todd -a maquiagem, figurino, fotografia... os contrastes que compoem visualmente a linha da narrativa: não importa o quão "dark" Londres pode parecer, seus moradores são ainda mais obscuros. E para alcançar este objetivo, ninguem melhor que Depp, que consegue como ninguém ilustrar estas nuances do pai de familia que é destruído pela imoralidade e corrupção do mundo, apoiando-se somente na vingança, sem duvida, uma excelente performance por parte dele, mas não menos excelente é a participação da esposa do diretor, Helena Bonham Carter, que convence enquanto a"torteira" que explora e se aproveita do homem em seu momento mais frágil.

É claro que, em alguns momentos, pode ser um pouco chato ouvir pela 2983467 vez TODOS os homens do filme chamando por Johanna, mas este pesadelo musical tem um ritmo particular e muito bem ajustado, que justifica inclusive esta fixação: é a pureza perdida de toda a Londres, concentrada em apenas uma personagem.

Sweeney Todd pode não ter agradado a todos, mas é, sem dúvida, um musical impecável que merece ser visto: ganha pontos por fazer parte do "conjunto da obra" de Depp e Burton, mas por si só é uma grande realização que também prova: toda unanimidade é burra.

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Sweeney Todd: At last! My arm is complete again!

Post "Combo"

2010-04-20T10:40:00.000-07:00

Não tive tempo de postar nos últimos dias, por isso hoje temos um post "combo" unindo as Séries de Segunda e o +Favoritos!

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"Séries de Segunda - Being Human"

John Mitchell: I've got this friend. He says the human condition, the human nature, 'being human' - is to be cold and alone. Like someone lost in the woods. It's safe to say he's a 'glass-is-half-empty' kind of guy. And I see nature differently. I see the ancient machinery of the world. Elegant and ferocious, neither good nor bad, it’s full of beautiful things, unspeakable things. The trick is to keep them hidden - until the right moment.

Being Human é uma série britânica de 2008 que em apenas duas temporadas já mostra pra que veio: com uma narrativa cativante, ótimas atuações e equilibrando a dose certa de drama, humor e horror, tornou-se uma das mais populares series a ser exibidas pelo canal BBC3.

A história é a seguinte: Mitchell, George e Annie são três jovens que dividem uma casa e tentam viver uma vida normal, apesar de serem um vampiro, um lobisomem e uma fantasma, respectivamente. Tudo começa com Mitchell e George se mudam pra uma nova casa, buscando recomeçar e deixar de lado toda a violencia e o drama do passado - George foi atacado e transformado há 2 anos, quando teve que abandonar sua familia e noiva, e Mitchell foi transformado em vampiro decadas atras, mas acabou de tomar a decisao mais dificil de sua não-vida: parar de beber sangue. O que eles não sabiam é que a casa que eles escolheram para morar tinha recentemente sido palco de um brutal assassinato, e era assombrada pelo espírito de Annie.
A partir daí, a série se foca tanto nas relações entre os moradores da casa, sua convivencia, e como um acaba ajudando o outro a não perder o que lhe resta de humanidade, quanto nas relaçoes deles com resto do mundo, e sua busca em acreditar que é possivel coexistir "normalmente" com os humanos normais. A cada novo episódio (a primeira temporada, com seis, a segunda já com oito - vamos torcer pra pelo menos doze na terceira?) nos deparamos com um novo dilema na vida dos outcasts: o vampiro abstinente que luta contra a sua sede de sangue, o lobisomem fooofo que perde o controle na lua cheia e a obstinada fantasma que busca saber a verdade sobre sua morte, para assim "descansar em paz".
Tecnicamente, Being Human não deixa a desejar nos efeitos especiais e make up: toda a produção é caprichosa tanto com o sangue falso, lentes de contato e presas dos vampiros, quanto com a fantasia de lobisomem (nada digital, ainda bem!). Além disso, os efeitos "fantasmáticos" de Annie são simples mas muito eficientes. A única coisa que pode incomodar um pouco é o fato de que os vampiros não tem problema em andar de dia, e que a fantasminha as vezes consegue "interagir" demais com o ambiente, numa vibe meio "ghost" - fora isso, tudo é muito bem explicado e amarrado, e desenvolve-se equilibradamente, sem deixar aquela sensação de "ei, esqueceram do meu personagem favorito neste episódio!".
A serie consegue trazer temas como relacionamentos, perda, auto-aceitação e amizade de forma excepcional e, de maneira geral, being human consegue ao mesmo tempo, divertir e levar a uma reflexão sobre como conviver com as diferenças (x-men, alguém?) de uma maneira leve e despretenciosa, sem soar piegas ou cafona.

George: We meet people and fall in love and when we part they leave marks for us to remember them by. Our lovers sculpt us, they define us, for better or worse. Like a pinball, we slam into them and rebound in our different directions propelled by the contact and after the parting we might be scared, stronger or more fragile, or needy, or angry, or guilty, but never unchanged. Our lovers linger inside us, like ghosts, haunting the corridors and deserted rooms, sometimes whispering, sometimes screaming, but always there waiting...

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"+Favoritos: Aeon Flux - A Série Animada"

Muitos podem conhecer o - péssimo - "Aeon Flux" de 2005, com a - ótima mas não suficiente pra salvar o filme - Charlize Theron. Não é deste desatre finematográfico que quero falar: o Aeon Flux do qual sou fã é a série animada de ficção produzida por Peter Chung (também responsável pelo ótimo "matriculated", curta presente no dvd Animatrix, citado no post anterior) para a MTV americana, em 1991.

O cenário é um mundo distópico e futurista: no ano 2415, quando a raça humana foi totalmente dizimada por um vírus mortal, restaram apenas duas cidades vizinhas: Monica e Bregna. Aeon Flux, é uma agente secreta imoral, misteriosa e sensual de Monica, um estado anárquico. Seus motivos e história não são explicados, assim como também são misteriosos os de seu antagonista - e amante secreto - Trevor Goodchild, governante de Bregna. A missão de Aeon é se infiltrar em Bregna - uma sociedade tecnológica, centralizada e planejada, uma cidade-fortaleza aparentemente perfeita: muito organizada, limpa, de construções grandiosas e de incrível beleza - e descobrir o porquê de tantas pessoas sumirem inexplicavelmente naquele local: para isto, ela se utiliza de diversas técnicas acrobáticas, muuuitas armas e se mostra uma assassina fria que não mede esforços para remover os obstaculos do seu caminho até sua meta.
Peter Chung inova ao aceitar o projeto desafiador desta série que foi exibida pela primeira vez na Liquid Television, um programa que exibia curtas na madrugada da MTV gringa: Aeon Flux tem uma animação e traço extremamente peculiar, não tem absolutamente nenhuma continuidade, e teve uma temporada inteira onde os unicos dialogos inteligiveis foram: "No!" e "plop!". É psicodelia do começo ao fim - fim este no qual com frequencia, Aeon morre - seja por azar ou pela sua incompetencia em realizar a missão. Além disso, diversas referencias eróticas e sado-masoquistas permeiam a série, não só no visual sadomasô das vestimentas, mas também claramente da relacão de "powerplay" entre Flux e Goodchild.
Isso tudo misturado torna Aeon Flux uma das séries animadas de ficção mais cult dos anos 90 e que nao apenas tornaram minhas madrugadas de "geração coca-cola" assistindo MTV até altas horas muito mais divertidas (sem a necessidade de uso de psicotrópicos ou alucinogenos) como também garante, ainda hoje, horas de entretenimento nonsense garantido!

Trevor Goodchild: The unobserved state is a fog of probabilities, a window of and for error. The watcher observes, the fog collapses, an event resolves. A theory becomes a fact... What is the truth? Tell me, if you know. And I will not believe you. Things are never what they seem. Clean gloves hide dirty hands - and mine are dirtier than most... Without truth, there can be no justice. Justice will be done!

Resumo da Semana

2010-04-18T16:33:00.000-07:00

Animatrix:

9 curtas baseados na realidade proposta pela trilogia matrix, uma ideia excelente e bem usada. Como era de se esperar, a coletânea varia entre curtas excelentes (The Second Renaissance parts I & II, Kid's Story, Program) e outros simplesmente dispensáveis (Final Flight of the Osiris, Beyond). No entanto, o conjunto da obra vale a pena, principalmente àqueles que gostam de conferir vários tipos de animação.

Amadeus:

Uma obra-prima da sétima arte. Roteiro explendido, atuações magistrosas, trilha sonora e edição de som impecáveis, direção e fotográfia no ponto. Essa é a descrição minimamente justa que se faz de Amadeus, o filme sobre Antonio Salieri, rival de Mozart, e toda sua inveja e cobiça perfeitamente mostrados no filme. Salieri se torna, sem dúvida, um dos melhores vilões do cinema.

Angels in America:

Já que a série se divide em 6 episódios, tomei liberdade pra dividir a série em duas com o objetivo de facilitar minha análise crítica. 1ª parte: Chaaaaaaata, o tema é AIDS, ou melhor, é a segregação causada pela doença. E a história se envereda pelas (mal trabalhadas) loucuras de uma esquizofrênica, e a aceitação de um jovem mórmom. É salva pela presença de Meryl Streep e Emma Thompson que interpretam respectivamente o fantasma de uma judia e uma anja de 8 vaginas. 2ª parte: Excelente, recheado de diálogos afiados, cenas bem trabalhadas, atuações impecáveis, é aí que a minissérie se torna digna de toda sua fama.

O Último Magnata:

O livro de F. Scott Fitzgerald fala do cotidiano de um produtor de Hollywood durante os anos 40... o relacinamento dele com a filha... o luto pela esposa falecida... zzzzzzzzzzzz
(Recomendo o livro à todos que querem ter uma loooonga noite de sono)

Música da Semana:

O.N.E. - Yesayer

Post da Juno

2010-04-17T08:23:00.000-07:00

Lá estava eu, em minha aula de educação sexual, observando aquele momento e refletindo sobre a importância que teve meu filme. Acompanhem meu pensamento: a primeira imagem que a mídia fez dos adolecentes (não as jovens moças que ficavam em casa esperando pra casar, e sim adolescentes de verdade, que criaram o rockn' roll) foi o filme Juventude Transviada com James Dean, no qual adolescentes eram delinquentes, a caixa de pandora da sociedade.
Voltamos aos cinemas nos anos 70, o filme era Loucuras de Verão de George Lucas, o retrato era de riquinhos badaleiros, curtindo o young american way of life. Ou seja, até então, pouco progresso. O primeiro a tratar nossa realidade fielmente foi John Hughes com dois filmes que virariam clássicos sa sessão da tarde, Curtindo a Vida Adoidado e, principalmente, Clube dos Cinco. Esse segundo mostra o quão patética e errada é a rotulação que muitos adultos fazem em relação à nós. Dividir-nos entre patricinhas, cdfs, atletas, marginais e loucos, foi algo criticado pelo filme. E voltou a ser criticado nas séries Dawson's Creek (a primeira a discutir abertamente sobre sexo) e Barrados no Baile.
Minha pergunta é: de que adianta? Pois mal se começou o novo milênio uma tonelada de bobagens adolescentes produzidas pela Disney e estralada por Hillary Duff e Lindsay Lohan tomaram conta do público. Enquanto uma minoria tenta, cada vez com mais dificuldade, mostrar uma realidade (como por exemplo, High School Kids e até mesmo Juno), outros tem maior sucesso ao simplesmente banalizar o assunto, como prova 90210, High School Musical e American Pie. Mantenho a esperança de que um dia venham a compreender a importância e o potencial que a temática tem, me resta torcer para que não caia em mãos erradas.

Filmes de Quinta - "Chico Xavier"

2010-04-15T12:57:00.000-07:00

Olá! Hoje vou falar sobre algo que assisti ontem: "Chico Xavier", a versão extendida de um episódio do Globo Repórter que foi editado, transformado em filme e lançado nos cinemas de todo o Brasil. "Chico" (nao confunda com o Buarque!) é a videobiografia do psicógrafo mutante, médium e líder dos X-píritas, Francisco Cândido Xavier - também conhecido como Chico Xavier, Professor Xavier, Professor X. O filme foi dirigido por Daniel Filho (se eu fosse você 1, 2 e um monte de novelas) e estrelado por vários atores e atrizes globais que estão na geladeira esperando sair uma novela nova do Manoel Carlos (ou do próprio Daniel Filho).

A película narra (em duas longas horas) a história de como o menininho sofrido do interior de Minas Gerais cresceu pra se tornar um dos mais poderosos e influentes psíquicos do universo - e certamente o mais poderoso do planeta. O Professor X, devido as suas capacidades psicográficas, pode ver e ouvir, espíritos, receber e enviar torpedos para o além, além de ser também mentor e fundador dos X-píritas no Brasil. Xavier foi o primeiro a tomar como missão de vida o sonho de "convivência pacífica entre humanos e espíritos", sonho este que tem influenciado quase todos os heróis X-píritas de hoje.
Então vamos lá: O primeiro bloco do programa começa mostrando como sofreu o pobre garotinho Chico Xavier: Desde o ventre materno, teve que lutar contra o terrível Mummundrai - parasitas sem corpo que tentam consumir o feto – e Xavier institivamente o detém psiônicamente em seu primeiro ato consciente. Sua mãe morreu cedo, o pai não tinha condições de criá-lo, sendo assim foi deixado aos cuidados da Madrinha, megera safada e fanática que fazia-o lamber feridas e furava-lhe o bucho com um garfo quando Chico demonstrava algum tipo de poder telepático, chamando-o de "filho do capeta". Entrementes, Chico gostava de bater um papo com sua mãe morta e encontrar-se com o Padre Quevedo, que tentava em vão convencê-lo de fantasmas "no eqzisten" - e que ele sofria de um severo caso de psicose infantil, envolvendo alucinações visuais e auditivas.
O segundo bloco do Globo Reporter mostra que já muito cedo, Xavier fez contato com uma entidade de pura energia espiritual derivada da Fênix, conhecida na Terra como Emmanuel, (e nos outros universos como Dr. Manhattan - vide "Watchmen") que amplificou 10x seu poder psicográfico e guiou-o em quase todas as suas decisoes ao longo de seus 92 anos de vida - infelizmente, Emmanuel não podia opinar sobre a peruca que Xavier resolveu usar depois de ter ficado careca com 17 anos.
No terceiro bloco do programa, descobrimos que auxiliado por Emmanuel, Xavier luta contra tudo e todos para construir seu império glorioso em defesa dos x-píritos, criaturas mais inteligentes, mais legais e mais santas que os humanos normais (eles precisam de defesa?). Immanuel instrui Xavier a contactar autores famosos, psicografando seus livros e revertendo os direitos autorais para a luta da causa mutante, que começa a tomar fôlego na década de 60 - logo após o inicio de uma publicação semanal de circulação mundial (psicografada por Xavier) que ficou conhecida como "Os X-Píritas" - publicada em formato de quadrinhos para facilitar o entendimento de temas tão superiores e místicos para criaturas limitadas como os seres humanos.
No quarto e ultimo bloco descobrimos finalmente que o papel de Tony Ramos no filme não é só de mostrar o que se passa nos bastidores de uma cabine de edição de TV, mas sim de fazer aquele velho approach do publico com a história, de ser o clifhanger onde vamos "pendurar" nossa esperança de que vai sair algo mais legal que um roteiro reciclado do Malu Mulher (que por sinal, tb ja foi dirigida por Daniel Filho) e menos tendencioso e limitado que um documentário da vida do nosso querido Xavier. Não funcionou. Parece que a história de Tony e a manha de "eu nao acredito que foi meu filho que escreveu esta carta porque ela é tão generica que parece que foi downloadeada de um site de modelos na internet" foi colada ali, de ultima hora, pra dar uma credibilidade maior a história mostrada (mas nao é uma biografia?) e uma sensação de temporalidade e atualidade mas... não.
No final, o que vemos é só mais uma grande demonstração vaidosa e egocêntrica do poder do narcisista Xavier, que escreve a carta, narra detalhes e massacra o casal com a ressignificação da morte do filho. Mais uma vez, a cena final (com o tribunal onde o morto absolve o réu) poderia ter ficado de fora. De qualquer forma, mesmo tendo sido deturpada de maneira a ficar mais "globo friendly", a história do filme não é ruim - mas que um documentário cairia bem melhor, ah... cairia! Se eu fosse o Chico, mandava Emmanuel azucrinar o Daniel Filho e os responsáveis por esse filme por uns 30 anos, cantando um mantra mutante no ouvido deles...

Post do Hannibal

2010-04-12T15:59:00.000-07:00

Estou um pouco impressionado comigo mesmo, apareci na história do cinema, ganhei um oscar, tive um spin-off que fez sucesso (raro na história do entertenimento), uma continuação e peguei carona na mania dos begins, origins e risings da vida (culpa daquele fã que não tem nenhuma imaginação e tem que saber tudo mastigadinho sobre como começou a vida de seu herói). Com esse histórico eu tinha tudo pra virar piada, mas pelo contrário, ainda hoje sou levado a sério e enquanto houver filmes meus no cinema as pessoas irão à seção esperando qualidade narrativa.
O mundo então me conhece como um canibal frio e sanguinário, terrível fato, poucos sabem que, depois de minhas últimas facetas eu entrei para o Canibais Anônimos, cansei de ver pessoas fugindo de mim pelas ruas, queria mudar. Entre meus colegas de grupo estava Fritz Harmann, nos reabilitamos e agora vamos juntos para a igreja, isso mesmo, Hannibal hoje é um homem temente à Deus e ao nosso senhor Jesus Cristo. Formei uma família, todos vegetarianos, pois caso você não saiba, para se criar gado é preciso desmatar florestas como a Amazônia e assim contribuir para o aquecimento global. Sou ambientalista também, uso camisa do greenpeace, abraço árvores, sou eleitor de Marina Silva e trabalho no Mater Christi como psicólogo. Em relação ao último emprego sempre fico horrorizado quando ouço os jovens falando em comer fulana e cicrana, não sabem eles o quão sério isso pode se tornar, os aconselho da melhor forma possível, mas as vezes eu tenho lapsos da minha vida antiga e me pego dizendo a esses meninos qual é o melhor tempero.
Porém a vida não é fácil, a imagem que deixei na cabeça das pessoas é por demais fortes, não sou bem vindo em alguns restaurantes, e, se em alguma lanchonete peço o ketchup pra alguém, é comum tal pessoa fazer xixi nas calças. Uma vez fui convidado pela Hebe para participar do seu programa, ela é meio saidinha e logo me pediu pra "comê-la", eu recusei educadamente, e disse que nem nos meus piores dias aquilo seria feito, pois até canibalismo tem limite.

Séries de Segunda - "the 4400"

2010-04-12T14:51:00.000-07:00

Quase esqueci da coluna de hoje, pô!

Mas vamos lá: a série de segunda de hoje é "The 4400". Lançada em 2004, teve 4 temporadas, tendo sido cancelada (ahhh!) em 2007. sem final. Muito errado isso, desleal com quem acompanha a série (só não é pior do que fazer o que fizeram com pushing daisies, que por sinal, será a próxima série de segunda. otima ideia!).
Resumindo o plot: Durante os ultimos 50 anos, milhares de pessoas desapareceram misteriosamente sendo abduzidas por uma luz azul vinda do céu. Guarda bem essa informação, tá? Milhares de pessoas, de 1946, 1960, 2001, 1995, 1973... sumiram sem deixar vestigios. M.I.A. total. Aaaatualmente, a humanidade tem que lidar com um problema maior: um cometa enorme muda de rota e decide acertar a Terra em cheio. As nações do mundo tentam se defender com seus foguetes e armas nucleares, mas tudo é em vão - diante da destruição iminente, o mundo pára (metaforicamente falando, bobinh@!) mas... inexplicavelmente, o cometa desacelera e "pousa" no quintal da NTAC (The National Threat Assessment Command). Lá chegando, a bola de luz - azul - desaparece, deixando 4400 pessoas completamente atordoadas e sem a menor ideia de onde, quando e porque. Estas pessoas são colocadas em quarentena e descobre-se posteriormente que elas são aquelas que desapareceram no começo do parágrafo, sendo que inacreditavelmente, elas não envelheceram nem um dia! Depois de muito bafafá, as pessoas vão sendo liberadas e tentam se reinserir no mundo: alguns, sumiram há apenas alguns meses, outros, há varios anos como é o caso do (clichê!) filho do detetive Tom Baldwin (atualmente o padre, na sem sal "V") que, junto com Diana Skouris, são responsaveis por investigar a bagaça. Só que, depois que a galera foi liberada, descobre-se (sempre da pior, mais catastrófica e absurda) maneira possível que a elas foram concedidas algumas habilidades especiais (desde ler mentes, telecinese e outras coisas x-mênicas até o dom de reincarnar Jesus). SPOILER ALERT: (passe o mouse para ler) posteriormente, descobre-se que os 4400 foram abduzidos por pessoas do futuro que acreditavam que poderiam salvar a humanidade (de quê? nunca saberemos ja que a serie foi cancelada antes de explicar isto) com os dons que lhes foram concedidos. FIM DO SPOILER.
A primeira temporada é curtinha e tem pegada de minissérie, já as 3 seguintes tem formato de mid-season (13 eps) e expandem bastante o que foi apresentado na 1a. temporada. Entretanto, o formato dos episódios é praticamente o mesmo, mantendo uma linha (tipo fringe, sabe?): acontece algo estranho. Skouris & Baldwin são chamados, descobre-se que foi causado por um 4400, neutraliza-se o problema. E mesmo sendo um formato meio batido, alguns episódios surpreendem pela criatividade: o episódio que nos apresenta a Jordan Collier (JC, Jesus Christ anyone?) é incrivel; o episódio da realidade paralela de Tom onde ele passa 8 anos casado com outra mulher; o episódio da ira de Graham, com o otimo cameron bright; o surgimento da promicina, droga que pode "ativar" as capacidades especiais em pessoas normais (com 50/50 de chances de virar x-men ou morrer...); a terra prometida comandada pelo JC; etc.
Infelizmente, apesar do cliffhanger do ultimo episódio da 4a. temporada, a série foi cancelada por "problemas de orçamento e baixa audiência" e ficou sem final. Rolaram varias petitions na internet e até um hoax de que seria produzido um episódio especial de 2h / filme para TV pra contar o final da série - tudo mentira.
No geral, 4400 é uma série que pega um tema antigo (superhumanos) e o recicla em uma nova roupagem, de maneira inteligente e cativante. O conflito primordial do ser humano em contato com muito poder (a maneira como usá-lo, como o poder corrompe) é algo bem explicito e explorado na série, assim como o que é realmente a evolução e até que ponto estamos dispostos a ir para obte-la.

+favoritos: "Evangelion"

2010-04-11T12:00:00.000-07:00

Neon Genesis Evangelion (ou 新世紀エヴァンゲリオン - Shin Seiki Evangerion) é uma série de animação japonesa de 1995. Definitivamente, um dos animês mais aclamados, discutidos, amados, odiados (e mal compreendidos) da história, que completa 15 anos de seu lançamento em 2010 e já faturou mais de 16 bilhoes de dólares desde então.
Criado por Hideaki Anno, "Eva" é considerado um divisor de águas na produção de animês no Japão, tendo um dos mais complexos e envolventes enredos já realizados em um projeto de animação: Anno apresenta desde teorias avançadas de psicologia analítica, filosofia e religião em um cenário futurista onde mechas defendem a Terra da ameaça de monstros invasores gigantes chamados "Anjos": Em 2015, 15 anos depois de uma enorme catástrofe conhecida como "o segundo impacto" (onde um anjo atinge as calotas polares causando um aumento no nivel do mar) ter dizimado metade da população da Terra, outra crise se aproxima: os invasores não identificados conhecidos como "Anjos" começam um ataque a humanidade. A artilharia humana é inútil diante do poder destrutivo do "Campo AT" (campo anti-terror, uma espécie de campo de força que tanto defende o Anjo de ataques externos, tornando-o virtualmente indestrutivel, quanto serve como energia para seus ataques). A única saída da humanidade foi a criação de enormes robôs humanóides (mechas) que, desenvolvidos a partir de partes do Anjo que atingiu a terra no primeiro impacto e alta tecnologia em mecatrônica, também são capazes de gerar um Campo AT - os chamados "ultimate all-purpose humanoid weapon Evangelion". Mas as unicas pessoas capazes de pilotá-los são adolescentes de 14 anos - um destes pilotos é Shinji Ikari, filho único do comandante chefe encarregado de administrar o projeto Evangelion, funcionário da Nerv. As outras crianças responsaveis por pilotar os evas no começo da série são Asuka, uma alemã altamente competitiva que parece levar a risca a idéia da psicologia adleriana da busca pela perfeição, mas que pode tornar-se uma busca por superioridade como compensação para sentimentos de inferioridade; e Rei, uma tácita e reclusa garota que aparentemente ignora todas as possibilidades de relação com outros seres humanos exceto pelo pai de shinji - e para o desespero e a curiosidade de Shinji, isto parece ser recíproco.
A principio o que pode parecer um enredo simples e batido (mechas, monstros ameaçadores gigantes, crianças como ultimo bastião de esperança na salvação da humanidade) vai tomando corpo e ganhando densidade a medida que somos apresentados as vicissitudes das relações entre os personagens, já que, em ultima estância, Evangelion apresenta-nos uma epifania psicológica acerca das relações humanas. Na trama, os personagens estão continuamente tendo que lutar contra suas sombras (lado da personalidade menos aceito, mais perverso) e enfrentar traumas do passado.
Shinji é responsável pelo desenvolvimento do plot principal da série, que se desenvolve ao longo de 26 episódios, mostrando desde o momento decisivo em que o garoto resolve pilotar o seu eva, até o epílogo - muito discutido (e discutível) e controverso. O criador da série descreve Shinji como um garoto solitário, e convencido de que ele é inútil e dispensável, mas tão covarde que não comete suicídio. Quando seu pai requisita sua presença depois de anos de separação, Shinji acredita que esta pode ser a oportunidade para obter o reconhecimento que sempre almejou - daddy issues anyone? - mas rapidamente ele é confrontado com a dura realidade dos interesses de seu pai.
Em relação aos aspectos tecnicos da série, a qualidade da animação deixa a desejar: economizou-se muito com cenas estáticas e reflexivas para valorizar as cenas de ação das batalhas, mas sem penalizar o trabalho final - e criando uma identidade inteiramente nova de narrativa neste tipo de produto.
Ano descreve a série como uma história que se repete. Uma história onde o personagem principal testemunha horrores, mas ainda assim, levanta-se novamente. É sobre força de vontade, sobre evoluir, mesmo que em pequenos passos. É uma história de medo, onde alguém tem que encarar o medo da solidão infinita que o impulsiona a buscar o outro, sem desistir no meio do caminho. Evangelion representa com delicadeza o dilema do ouriço de Schoppenhauer, onde precisamos estabelecer a "distancia ideal" entre nós para evitar que nossos espinhos machuquem os outros, evitar sem machucado pelos espinhos alheios mas, ainda assim, nos relacionarmos uns com os outros (alegoria explorada já no 4o. episódio da série).
Ao longo dos ultimos 15 anos, a franquia se reinventou várias vezes, tendo ganho suas ultimas adições com a trilogia de longas "Rebuild of Evangelion", sempre tentando expandir/explicar melhor os assuntos abordados nos episódios finais, por vezes mal interpretados ou mesmo incompreendidos devido a sua complexidade e multiplicidade de interpretações metafísicas.
Considero este o meu animê favorito - não só por ter sido o primeiro que assisti inteiro, de cabo a rabo (em um dia, numa das interminaveis maratonas de fim de semana do finado Locomotion) mas também pela maneira que a narrativa se conduz, possibilitando uma leitura divertida ("oba, robos gigantes lutando pra defender a terra controlados por crianças da minha idade!") mas também tendo diversas camadas bem mais profundas, se utilizando desde o simbolismo cristão, budista e da cabala até referências extremamente complexas e existencialistas, que continuam a me fascinar e entreter até hoje. Vale conferir a série completa, na versão original.

* este post usa como referencia a serie animada para tv exibida em 1995/96. para maiores informações, clique aqui.

Resumão da Semana

2010-04-11T05:55:00.000-07:00

O Castelo Animado:

Uma verdadeira fábula japonesa recriada pelo mestre Hayao Miazaki (Viagem de Chihiro). A história é criativa, os personagens intrigantes, o desenho fabuloso, um prato cheio para aqueles que gostam de animes (animação japonesa). Já aqueles que preferem a graça e a verossimilhança mínina dos filmes Disney, podem não gostar muito de toda a mitologia retratada por Miazaki.

A Última Noite de Boris Grushenko:
Woody Allen constantemente se retrata no cinema como os personagens diversos com a mesma personalidade, em filmes diferentes. Ele faz mais ou menos como a Xuxa, só que sendo Woody Allen muito mais interessante e genial, seus filmes precedem essa mesma personalidade. Nesse longa em particular, Allen vive um russo na época de Napoleão, que se sente como uma ovelha negra em seu meio. O filme é engraçado, porém não no estilo usal Woody Allen de humor, essa película, para minha felicidade em particular, tem uma graça de ares britânicos, lembrando até mesmo os filmes do Monty Phyton.

Bored to Death:
A série é indiscutivelmente bem feita, bem atuada, bem escrita, tem todo aquele selo HBO de qualidade. O problema é que o enredo não vicia, não faz você ansiar os próximos episódios, quando é justamente essa ansia que faz uma série de sucesso. A história fala sobre um escritor que se passa por detetive particular, a série tem momentos hilários, mesmo assim não é o bastante para se manter no mercado televisivo americano. Mas a abertura é das melhores:

Música:
E a música escolhida nessa semana é Mira Ira da pernambucana Karina Buhr:

Post da Velma

2010-04-08T15:02:00.000-07:00

É com muito atraso que escrevo este pequeno post. Fui à fama em 2002, hoje poucos se lembram de mim ou do meu filme. A culpa do fato, é claro, não se deve a minha pessoa, pois tenho talento e charme o bastante para permear eternamente na história do cinema. A responsabilidade deve ser atribuida à atriz que me encarnou, por fazer as escolhas de projetos pós-oscar mais patéticas possíveis. Eu bem sei que não se encarna uma veddete criminosa e, nos anos seguintes, a namorada do Zorro ou uma protagonista de comédia romântica meia boca. Não é assim que a banda toca, meu bem, eu sei que o cachê foi bom, porém a estratégia certa é mantê-lo bom, e se continuar assim Caty Z Jones não vai conseguir por muito tempo.
Acho interessante o estilo de vida nesse século XXI. É bem verdade que, para mim, teria sido muito mais simples viver nesta época. Essa ideia genial de não envelhecer e ficar sempre se rejuvenescendo com cirurgias plásticas seria a solução para as vedetes em fim de carreira, um receio a menos, derruba completamente a carga dramática da minha música "Nowadays". Progamas de auditório e telenovelas também são outras das coisas que faziam falta na minha época, hoje, por meio da mídia, somos muito mais compreendidas, já fui selecionada pra falar no próximo capítulo de "Viver a Vida": "Matei meu marido e minha irmã, tudo porque fui traída, mas hoje eu sou feliz". Na atualidade eu não sofreria procurando uma parceira de dança, hoje todo mundo quer saber fazer alguma coisa que lhe garanta 30 segundos no "Domingão do Faustão".
Mas, nenhuma dessas vantagens acima compensa o fato de que as vedetes hoje são muito mal vistas, na minha época, era coisa de classe, hoje é sinônimo de amoral. E desse desabafo me despeço, deixando para outro a missão de entender esses tempos ambíguos.

By Velma Kelly

Filmes de Quinta - "The Book of Eli"

2010-04-08T04:09:00.000-07:00

Mais uma coluna nova? É!

Mais um trocadilho infame? Sim!
Mais uma guilty pleasure do redator? Pode apostar!

Ontem ganhei convites pra ir ao cinema - coisa que aparentemente vai se tornar rotina, já que descobri uma amiga que ganha vários destes convites toda semana, e se propos a compartilhar alguns comigo - e resolvi assistir "The Book of Eli", o novo do Denzel Washington. Dirigido pelos irmãos Hughes (quem? "From Hell", lembra? Aquele do jack o estripador, com o Depp? Eu também não...), o filme conta também com o Gary Oldman (precisa de apresentação?) e a Mila Kunis (quem? A voz da Meg Griffin do family guy... tá?).
A parábola narra a peregrinação do Denzel por uma América pós-apocalíptica em busca do oeste. Aparentemente, nosso amigo acredita que lá está a terra prometida (Vegas??? Tijuana???), onde ele poderá descansar, desfrutar do seu harém de 100 virgens e ler em paz. Mas obviamente isso nao será possivel pois todo o elenco desempregado, sujinho e poeirento de Mad Max está no seu caminho! Como todo bom roteiro (nooot!), o rapaz precisa de uma mocinha indefesa pra tocar seu coração, e como Angelina Jolie estava ocupada demais com Salt, escalaram a Srta Kunis pra esta função.

SPOILERS E REVELAÇÕES SOBRE O ENREDO ABAIXO.

Senta que lá vem a história: Um evento apocaliptico detonou com a camada de ozonio e as pessoas no mundo começaram a brigar umas com as outras. Ou foi o contrário. Ou a camada de ozonio nao tem nada a ver com isso e só adicionaram esse detalhe pros personagens ficarem mais cool de oculos escuros. No final das contas, foi tudo só um desculpa pra usarem muito chroma key e umas cores de céu exóticas nas tomadas do deserto. Eu sei que alguem teve a brilhante ideia de, no meio do caos, aproveitar pra destruir todas as biblias da Terra.Aí depois do pseudo-fim do mundo, as pessoas viraram seguidoras do hannibal lecter e finalmente deram o valor certo as coisas e aproveitaram pra dar um time-off na civilizaçao e aproveitar um pouco da barbárie. Mas o que ninguem esperava é que o Denzel, um megafanático jedi (nao esquecam que o jediismo é uma religiao!) ia surtar e começar a conversar com Deus, que lhe instruira brincar de cowboy e migrar pro oeste. Tihuana? Vegas? whatever. e arrumar um bom uso pro unico livrinho sagrado que sobrou - ei, as folhas desse livro nao sao de seda?
Então a gente vê um Wall-E negão vagando pela Terra abandonada, solitário, ouvindo um sonzinho vintage no seu ipod cool, vez ou outra uma cena de luta muuuito legais onde o Denzel mostra que mesmo velhinho ele consegue esconder um facão de 2m no cu e tira-lo sem que ninguem veja (nem mesmo ele, sacaram? hahaha!), decepar a cabeça de todos na sala e depois pedir um copo d'água, entrecortadas pela tentativa de construir uma narrativa meio Mel Gibsoniana (digam que ele tem um dedinho nesse projeto, digam!) de fé, penitência e ... sangue. Afinal, o homem é o lobo do homem, e sem o pastor, as ovelhas vao pro brejo, né Hobbes?
Acaba que o plot se perde em um furo primordial - de que a fé e a busca pelo divino é uma caracteristica e uma busca inerente ao ser humano, que a religiao crista não é a unica do mundo e que mesmo depois de 30 anos sem xampu, os seres humanos não conseguiram se tornar 101% céticos em relação ao mundo e a natureza.
Aí, como eu ia dizendo, o profeta vai seguindo seu caminho, ignorando estupros e outras atrocidades ao seu redor, até que acaba a água e ele tem que parar num lugar dominado pelo Oldman - uma cidadezinha decadente e mequetrefe onde o messias recarrega seu ipod e se mete em confusão pois, o velho Gary tava a fim de se utilizar da metodologia cristã de arrebatamento para trazer mais gente pro lado negro - e como ele nao tem donuts, o jeito era apelar pra mente fraca dos seres humanos e o eterno poder das 100 virgens. Até que o Mussolini 2.0 que atende pelo nome de Carnegie descobre que o ladrão de mochilas de alunos da 1a. série (hello! my name is Eli!) tem uma biblia escondida e segue ele até o inferno, usando como moeda de troca uma de suas escravas (que é filha de uma sapatão desempregada que sempre quis ser mae no seu seriado de origem mas nunca conseguiu direito), que obviamente vai se apaixonar pela ideia do livro (mente fraca! mente fraca!) e ajudar o mocinho a chegar ao seu destino.
Neste ponto, descobrimos o senso de humor da alucinação auditiva de Eli, que o mandou reconstruir a religião cristã em San Francisco, Meca gay dos USA (alô sodoma!), entregando o livro ao Alex, que tava preso em alcatraz desde 19871 quand foi condenado pelos seus atos em laranja mecânica. e percebemos que sempre que um diretor resolver adicionar 3 minutos no final do filme, o editor e o montador devem fazer com que este footage fique perdido para sempre e nunca chegue nas salas de exibição (tal como A.I. deveria ter sido abduzido!) - pq a verdade é que o filme vai bem até Solara virar jesus 3.0, pegar uma roupa da alice (resident evil) emprestada e sair pregando por ai. Aliás, a populaçao mundial morre de insolaçao por causa do buraco na camada de ozonio, mas nao eh meio CRUEL por o nome da sua FILHA DE SOLARA?! Ela acha que está em battlestar galactica? ainda mais quando vc já NASCEU CEGA e agora TODOS podem ficar cegos por causa do SOL?! É algum tipo de presságio? É uma simbologia já que o messias cristão foi inspirado no deus sol pagão (assistam zeitgeist)? Nunca saberemos...
Mas ainda assim, The Book of Eli tem quase tudo que eu gosto em filmes pra me divertir e ficar me mexendo na cadeira:
cenário pos apocaliptico, check
cenas de luta bem coreografadas e muito gore, check
personagens com habilidades rpgisticas, check
mitologia própria, fail
zumbis, fail
maldades com gatinhos, check
(mas nem senti falta dos zumbis, tem o casal de velhinhos fofos!)

Finalmente (e agora a sério), o filme é altamente tendencioso, manipulador e ideológico, nao há debate ou reflexão sobre o fato do mesmo livro que eles acreditam ser a chave para a salvação da humanidade ter sido praticamente responsavel pelo mundo estar naquele estado. É como se sem a doutrina cristã, o mundo fosse virar um caos sem controle e sem limites, mas o coitado do Whitta (roteirista) esquece que existem pelo menos mais outras duas mil religioes por ai that would do the job. O filme tenta ser filosófico, tenta ser noir (1a. cena de luta), tenta ser cowboy, tenta ser bom mas... nao é nada disso da maneira que almeja. Mas com certeza, trabalha bem a alegoria da "cegueira" religiosa a qual algumas pessoas se submetem, e nao há rayban que resolva.

Post do Forrest

2010-04-05T15:54:00.000-07:00

Olá, meu nome é Forrest, Forrest Gump. Fiquei famoso nos anos 90, quando foi lançada minha cinebiografia. Quem assistiu sabe que eu muito vi e vivi, tive vários empregos, soldado, jogador de futebol americano, pescador, corredor olímpico e empresário. Essa última foi um sonho de valsa, pois se não tivesse conquistado essa condição de prestígio e riqueza teria sofrido o mal de passar horas na fila do INSS, coisa que já não me é mais necessária. Hoje, com minha condição de vida favorável, me resta ser blogueiro.
Para início de tudo, é preciso rever a famosa frase de minha mãe, acrescentar um detalhe. "A vida é como uma caixa de chocolates... garoto, você nunca sabe o que vai encontrar, mas na maioria das vezes, é ruim." E é assim que eu vivo, quando boto a mão dentro da caixa da vida, geralmente tudo o que consigo são babanas caribes, torrones e moons. Jane se foi, morreu de Aids, foi chokito, quero dizer, chocante, não tenho mais a quem fazer serenatas de amor, não é mais como no filme, eu não vou reencontrá-la a cada meia hora de projeção.
Outro que desandou na vida foi o meu querido diretor, Steven Sodebergh. Ganhou tanto dinheiro a minha custa que terminou por gastá-lo em filmes de alta tecnologia que custam milhões e cujo a bilheteria não rende 10% dos gastos.
Não vou me prolongar muito, eu mudei, aprendi quando trabalhei na McDonalds, agora é na base do fast food, pois é, virei adepto de Gus Van Sant (aproveitei pra pegar carona com o sucesso de Milk Bar, opa, Milk) e ele aceitou editar minha vida, incluindo minhas novas experiências, e reduzir o filme para 70 minutos. Em breve "F. Gump" (ou "Monkey", ele quer esse título, não me pergunte o porquê, ele tenta me explicar aprofundadamente e eu continuo sem entender) estará nos cinemas, a estimativa é que lançe no mesmo ano de Kill Bill 3, pra tirar o oscar de Quentin, só mais uma vez.

Séries de Segunda - "Dead Set"

2010-04-05T07:04:00.000-07:00

Inaugurando a coluna "Séries de Segunda" - cuja proposta é introduzir séries pouco conhecidas, mas nao necessariamente de "segunda categoria" - apresento a minissérie britânica "Dead Set".

Indicada ao BAFTA (British Academy of Film and Television Arts) em 2008 para melhor série de drama (perdendo pra Criminal Justice), seus 5 episódios foram exibidos no Brasil em 2009 pelo canal Multishow. Dead Set mistura horror e drama com uma pitada de humor britânico: durante a noite de paredão o Big Brother, uma epidemia transforma a população do Reino Unido em zumbis - e as únicas pessoas a salvo da contaminação estão dentro da casa mais vigiada do Bras... da Inglaterra. Enquanto o caos reina do lado de fora, os "brothers", isolados do mundo exterior, não fazem idéia do que está acontecendo. Mas assim que um sobrevivente procura abrigo na casa trazendo para dentro a cruel realidade exterior, todos precisam deixar de lado seus caprichos para lutar pela sobrevivência - e o tempo é curto e corre rápido.
A temática de zumbis mais uma vez surge em uma produção inglesa de qualidade (28 days later, 28 weeks later, etc), com algumas modificações do virus original de Romero: ultimamente os zumbis andam mais espertos - comendo muitos cérebros por ai? - e mais rápidos e selvagens, emitindo ao invés de lamurias e gemidos, gritinhos animalescos histéricos - mas ainda não conseguem pular. Apesar disto, Dead Set conta com várias referencias ao trabalho de Romero ("they're comming to get you, barbara!") - questionado por uma explicação para este afastamento do "mito original" de Romero, o criador da Série, Charlie Brooker, justifica que o roteiro precisava justificar uma velocidade de infecção grande suficiente para impedir o evacuamento dos estúdios e o consequente confinamento dos personagens.
A série foi produzida pelo mesmo canal Ingles responsavel pela franquia do Big Brother, o que torna a coisa uma espécie de "piada interna" com o formato do reality show, mas apenas cenas externas foram filmadas na casa real - durante uma noite real de eliminação. A idéia de fazer da casa do big brother o "abrigo/prisão" ideal para a situação de caos é original e aproveita bem os estereótipos dos participantes do reality show como sobreviventes lutando pela vida.
Apesar das limitações de orçamento e produção, a maquiagem e os efeitos especiais não deixam a desejar, com destaque para uma cena do primeiro episódio onde um personagem esfacela a cabeça de um zumbi com um extintor - épico - Dead Set é diversão garantida para os fãs do genero, que não ficarão desapontados nem com a lente de contato "kátia cega" meio over dos monstros.

Beat It

2010-04-04T06:48:00.001-07:00

Ateus e os momentos mais marcantes da ilha

2010-03-13T07:47:00.001-08:00

E como forma de parbenizar a reviravolta no novo episódio de Lost (que tava bem preciso em dar uma renovada, ninguém mais aguentava templos e samurais) segue aí uma lista dos momentos mais marcantes da série:

1- Hurley ganhando na loteria: Lembra quando não se conhecia nada sobre o passado dos personagens e foi se descobrindo aos poucos através de Flashbacks, essa foi uma das revelações mais memoráveis. Hurley, com todo aquele jeitão desengonçado, era um milionário, um dos homens mais ricos do mundo.

2-Locke andava em cadeira de rodas: Imagine então a surpresa quando damos uma olhada no passado de Locke, que na ilha é quem sempre comanda as trilhas e as caçadas, era um cadeirante no "mundo real".

3- Sawyer pequeno vendo a morte dos pais: Chocante, o motivo de toda a insegurança de Sawyer, a grosseria como estratégia de defesa, veio de um choque durante a infância.

4-Charlie e Claire com a "pasta de amendoim": Uma cena simples e bela, Claire tem desejo de comer pasta de amendoim. Charlie lhe traz um pote vazio, alegando que o mesmo está cheio da pasta mais cremosa que já existiu e convida Claire a por o dedo e comer um pouco.

5-Todos embarcando no avião: Depois de uma temporada inteira vendo o passado deles, no último episódio chegamos finalmente ao passado mais recente de todos. Os futuros sobreviventes embarcando no aeroporto de Sidney, sem saber o que lhes aguardava.

6-A morte de Boone: O primeiro protagonista a morrer em Lost, o primeiro momento de tristeza da série também.

7-A despedida de Walt e Vincen: Walt vai com o pai tentar a sorte na jangada, deixando seu fiel cachorro Vincent aos cuidados de Shannon. Até hoje, eles nunca se reencontraram.

8-Walt é levado pelo barbudo: Na jangada, eles já estão sem esperança de achar alguma salvação, eis que aparece um barco. Ajuda? nãão, só os outros que vieram sequestrar Walt.

9-Ethan não estava no avião: Hurley é mandado pra perguntar chequar os sobreviventes com a lista de passageiros do avião. E adivinha, Ethan não está na lista.

10-Boone e Locke descobrem a escotilha: Ao seguirem os rastros de Ethan, Locke deixa cair sua lenterna, ela faz o som de algo que bate em metal, eis que eles descobrem a entrada para uma escotilha.

11-Desmond chegando na ilha: Dando a volta ao mundo, Desmond se depara com uma forte tempestade, seu barco inventa de encalhar na ilha que ele vai ser fadado a passar alguns anos.

12-Os 48 dias dos sobreviventes da cauda: Acontece que Jack e cia não eram os únicos sobreviventes do voo. Em um episódio a série mostra o que aconteceu com a cauda do avião.

13-O golpe de mestre de Sawyer: Ele é na verdade um vigarista, que se apaixonou pela vítima de seu maior golpe.

14-Hurley destruindo o estoque de comida: Os sobreviventes descobrem um estoque inteiro de comida da iniciativa Dharma, e Hurley fica responsável pelo uso correto do mesmo. O que causa algumas alucinações no gorducho.

15-Desmond bêbado no veleiro: Eis que surge um barco próximo à praia. Dentro dele? Desmond com uma garafa de Vodka.

16-Sayid segurando o corpo de Shannon

17-Libby já esteve no hospício: Em um dos flashbacks de Hurley, eis que temos uma visão de Libby, no mesmo hospício do seu amante gorducho.

18-Michael assassina Ana-Lucia: Ele pede a arma para matar o prisioneiro, e termina atirando nela, sem ninguem entender porque durante um bom tempo.

19- Alguém morava na escotilha

20-Locke ficando paralítico: Mais Daddy Issues, Locke foi jogado pela janela de um prédio, pelo seu própio pai.

21-Viagem no tempo de Desmond

22-História da Iniciativa Dharma/Purgação

23-Hurley e sua kombi: O gorducho acha uma kombi que pertencia a iniciativa Dharma. Ele acredita que é capaz de fazê-la funcionar, e consregue.

24-Jack vendo Kate e Sawyer nas jaulas: Enquanto Kate e Sawyer estão tendo um Affair, Jack invade a sala de controle e assiste toda a cena por uma mini tv. Ciúme é pouco.

25-Despedidas de Charlie e sua morte: Desmond tem visões da morte de Cha mostra que a morte de charlie é responsável pela saida de Claire e Aaron da ilha. Ele decide então encarar a morte.

26-Aparição de Jacob: Ben não é o líder dos outros, é apenas um porta voz, ele recebe ordens de uma cadeira aparentemente vazia até que por uma fração de segundo uma imagem aparece na cadeira, Jacob.

27-Flashforward de Jack: Vemos no modelo de Flashback, Jack e Kate se encontram, já se conheciam? então porque não se reconheceram na ilha? até que Jack desabafa: "Temos que voltsr pra ilha"

28-Ninguém está procurando por eles: Os sobreviventes descobrem que as pessoas lá fora pensam que o avião caiu no mar.

29-A coletiva de imprensa dos Oceanic 6: Os seis sobreviventes da oceanic mentem na coletiva de imprensa, na história deles o avião teria caido no mar e eles nadaram até uma ilha habitada onde foram resgatados.

30-A visita de Richard à Locke: Richard Alpert vai até o orfanato onde Locke foi criado para falar com ele, um diálogo estranho com um Q de mistério.

31-O telefonema de Desmond e Penny: Desmond vai ao passado e pede para que Penny ligue pra ele dali a 5 anos. Quando isso acontece ele atende no cargueiro e ela jura, jura que irá encontrá-lo.

32-Sun, após a explosão do cargueiro: O Barco está prestes a explodir, Jin tenta alcançar o helicóptero a tempo. Sun já está dentro do veículo e ela assiste a explosão do Cargueiro, com o marido dentro.

33-Claire e Hurley sabendo da morte de Charlie

34-Jacob fala através de Christian Shephard

35-Locke está no caixão: Toda a temporada nós ouvimos falar de alguem com um nome estranho que morreu. Surpresa! esse alguem é Locke.

36-Kate cuida de Aaron como filho: Como assim? Porque Kate está cuidando de Aaron? O que aconteceu com Claire? Até hoje não sabemos exatamente.

37-Ben mata Locke: Para que todos voltem a ilha Locke deve morrer, se o careca não teve coragem de se matar, Ben faz isso por ele.

38-Jacob se encontra com outros personagens: Fora da ilha Jacob interfere na vida dos personagens, brincando com o destino deles, para os levar de volta a ilha.

39-Daniel fala com a pequena Charlotte: Ao ver sua amada viva quando criança, Daniel aproveita a oportunidade pra avisá-la que ela nunca deve voltar a ilha.

40-Juliet antes de cair no poço

41-Daniel, assassinado pela própria mãe: Ele volta no tempo para ajudar os sobreviventes da Oceanic e é surpreendido por sua própria mãe, grávida dele, que o mata, "Você sabia que isso ia acontecer não sabia mãe?" foram suas últimas palavras.

42-Explosão de bomba de hidrogênio: A ilha explodio? E agora?

43-Os sobreviventes veem a Estátua inteira: Pouco antes de pararem de viajar no tempo os sobeviventes conseguem ver ao longe a estátua de 4 dedos, inteira.

44-Alguém está no corpo de Locke e ele está mesmo morto.

a semelhança entre (ótimos) atores e uma fábula em animação

2010-03-11T15:02:00.000-08:00

A imagem ao lado contem fotos de Robert Downey Jr., Javier Barden e Denny Duquete de Grey's, também conhecido como o cara que mais morre em filmes e séries (Grey's, Supernatural, Weeds, Watchmen).

Enfim, essa segunda assisti As Aventuras de Azur e Asmar, uma belissima fábula em forma de animação francesa. Recomendo pra quem tem interesse na cultura africana e seus mitos.

O poder kick ass de Chuck Norris = Poder de falha do oscar

2010-03-08T13:14:00.000-08:00

Uma edição cansativa, óbvia e covarde, assim deveria ser descrito o Oscar 2010. Não me surpreenderia se baixasse o Graça Aranha em Tarantino no momento em que entregava o oscar de filme estrangeiro (entregue a nosso vizinho e, até hoje nem sei porque, rival), deveria ter gritado assim como o brasileiro: "Se a academia não se renova, então morra a academia".
Inspirado fiz uma seleção das maiores besteiras que o oscar já fez nos últimos anos.

Quem quer ser um milionário? - Nem é dos maiores erros da academia, o problema é que todos os outros 4 indicados (e muitos dos não indicados) eram melhores. Mas deve-se parabenizar a premiação pela coragem de dar o oscar para um filme de baixissimo orçamento com um diretor que era considerado das "massas".

As 3 décadas sem premiar Scorcesse- Um dos melhores, senão o melhor atualmente, diretor de Hollywood. É inadmissível que sua fase aurea tenha sido tão injustiçada pela academia, que só veio a premiá-lo em 2007 por Os Infiltrados. Obras primas do cinema como Taxi Driver e Os Bons Companheiros (meu filme predileto) não receberam merecido reconhecimento.

Reese Whiterspoon, a legalmente loira, ganhando de Felicity Huffman de Transamérica - Quando Huffman se dá de corpo e alma para uma brilhante atuação ao interpretar um travesti que vai conhecer o filho. A academia, chorando por audiência, premia Whisterspoon por uma atuação simplesmente normal.

Isso é o dossiê somente do século XXI, posso fazer uma lista de 100 itens que incluiria Shakespeare Apaixonado, Rocky (mas esse é justificado pela depressão americana pós vietnam) e tantos outros.

De volta, finalmente

2010-03-07T02:00:00.000-08:00

E bem no dia do oscar, por mais estranho que pareça tô me lixando pra cerimônia, é provável que eu venha a assistir um ou dois filmes dos indicados hoje, na categoria melhor filme faltam três: Precious, Blind Side e Guerra ao Terror.
Só quero expressar meu descontentamento com a academia com alguns filmes que não deveriam nem cheirar o prêmio. Pra começo de conversa, os smurfs, um roteiro clichezento sobre o planeta em que todos os seres tem um cabo USB. Só pra provar o meu ponto:

CFV 426 - Avatar/Pocahontas Mashup FINAL VERSION from Randy Szuch on Vimeo.

Pois é, além da Pocahontas temos concorrendo o fraquíssimo Distrito 9 e o apenas bom Amor Sem Escalas, talvez 10 indicações não fosse algo realmente necessário.

Os Fantasmas de Scrooge

2009-11-10T13:58:00.000-08:00

Todos conhecem à obra "Um Conto de Natal" de Charles Dickens, seja a versão do Mickey ou a dos Muppets, a história vem sendo repetida em todas as gerações. A espinha central da história é sempre a mesma. Se tornando assim quase como um conto de fadas como os clássicos dos Irmãos Grimm.

Só que uma das diferenças mais notáveis dessa versão com as outras é a tecnologia, caracteristica central dessa nova geração em que o filme foi feito. Robert Zemeckis já mostrou o quanto gosta da técnica da captura de movimentos desde que fez o primeiro filme completamente nesse estilo, Expresso Polar era o experimento, em seguida ele conseguiu aperfeiçoá-la em A Lenda de Beowulf, porém é somente em Os Fantasmas de Scrooge que ele provou o quanto a técnica pode render com tudo que ela tem a oferecer.

A história, para os poucos que a não a conhecem fala sobre Scrooge (Jim Carrey), um velho avarento que explora seu empregado (Gary Oldman, fantástico). No natal ele recebe a visita de três fantasmas, os fantasmas dos natais passado, presente e futuro.

O filme se torna por vários momentos um legítimo clássico Disney, tanto pela história já famosa quanto pela narrativa em alguns momentos crua em meio a um mundo de fantasia. Quanto a Jim Carrey nada a comentar, coube bem ao personagem porém sempre que lembramos de "O Show de Truman" e "O Brilho Eterno..." ficamos com a sensação de que ele poderia entregar muito mais.

O fato é que Charles Dickens não escreveu "Um Conto de Natal" para crianças, porém mesmo assim o conto vem sendo adaptado para esse público alvo de forma respeitável em todo esse tempo. Talvez Zemeckis tenha subestimado as crianças ao achar que para que elas gostassem do filme era preciso ter cenas estúpidas como por exemplo Jim Carrey versão mini fazendo voz fina, ou Jim Carrey fazendo carretas, ou Jim Carrey em sua totalidade.

Alice em novo pôster

2009-11-10T13:55:00.000-08:00

propaganda de TV de avatar

2009-11-05T15:38:00.000-08:00

só uma desculpa pra não deixar aqueles pôsters como última postagem

Pôster, não muito bons, de A Princesa e o Sapo

2009-11-05T15:25:00.000-08:00

eca véi

Oscar Predictor, parte IV

2009-11-04T15:10:00.000-08:00

The Private Lives of Pippa Lee
Elementos para o Oscar: Doença Mental e Adultério.
Os Atores:
Robin Wright Penn
Alan Arkin
Winona Ryder

Me and Orson Welles:
Elementos para Oscar:
Dirigido por Richard Linklater
Baseado em um livro
Atores:
Claire Danes

A Estrada
Elementos Para Oscar: Pós Apocaliptico, relação de pai e filho, baseado numa obra ganhadora do Pulitzer.
Atores:
Charlize Theron
Viggo Mortensen
Robert Duvall

Abraços Desfeitos
Elementos para o oscar:
Dirigido por Pedro Almodóvar
Estrelado por Penélope Cruz

A Corrida do Oscar 2010 parte III

2009-11-03T15:50:00.000-08:00

The Messenger:
Elementos para Oscar:
Jena Malone (indicada ao Globo de Ouro por um filme de TV)
Woody Harrelson (indicado ao Oscar)

Fantastic Mr. Fox:
Elementos para Oscar:
Diretor Wes Anderson (indicado ao oscar)
Uma animação sobre um fazendeiro raposo, ou seja animais falantes e vida na fazenda, quem tem mais cara de oscar de animação?
Dublado originalmente por George Clooney (ganhador do Oscar por Syriana), Meryl Streep (ganhadora de dois Oscars por A Escolha de Sofia e Kramer vs. Kramer) e Bill Murray (indicado ao Oscar).

Um Conto de Natal
Elementos para Oscar:
Dirigido por Robert Zemeckis, de Forrest Gump
Um remake Motion Capture de Natal, chove oscar técnicos.

That Evening Sun.
Elementos... O nome de Hal Halbrook tá em alta hoje em dia!

Pondo pingo nos is - vigília A Princesa e o Sapo

2009-11-03T09:32:00.000-08:00

Whistle While You Work - Branca de Neve

Once Upon a Dream - A Bela Adormecida

Prince Ali - Aladdin

Part of Your World - A Pequena Sereia

Something There - A Bela e a Fera

The Wish Pretzel

2009-10-30T14:15:00.000-07:00

Ao terminar o episódio você vê que Greek confirma essa mudança de cara, seria realmente uma pena se eles voltassem atrás na amizade de Evan e Cappie, a série fica muito melhor desse jeito.
Achei muito divertido entender o projeto de Rusty, que até aqui não estava entendendo nada, porém mesmo entendendo eu ainda não saquei a utilidade, me diz uma coisa, Rusty é o único de Greek que sabe o que vai fazer da vida né?
Desisto, Rebeca É a melhor personagem da série, é a mais divertida, vale ver a série só por ela. Dale ficou na corda bamba, meio chatinho, talvez pela companhia de Rusty chatildo, porém mesmo assim teve seu momento hilário. Bem bacana também o personagem do professor de Rusty, se bem que se considerarmos o que realmente importa em greek agora Rusty não está em alta. Rusty morra, e leve Cappie junto, ele era O cara na primeira e segunda temporada e agora tá um mala.

PS:. edição final perfeita